Afinal, quem tem a ‘Bravura Indômita’?

Publicado no site da revista Alfa em fevereiro de 2011
Link

Bravura Indômita é um grande filme. Já tinha sido em 1969 e agora volta com a mesma força. Não vou nem tentar comparar as duas versões para ver se esta ou aquela é que ganha como melhor. As duas tem suas qualidades como faroeste, como obra cinematográfica e, principalmente, como filme legitimamente masculino (aliás, como a maioria dos faroestes). Os Coen tiveram um cuidado tremendo para trabalhar o conceito da ‘coragem/resolução verdadeira’ (o “true grit” do título original) e questões como honra, ética, profissionalismo e, principalmente, força interior permeiam toda a história.

Na história, no final do século 19, no estado do Arkansas, uma menina de 14 anos (a excelente  novata Hailee Steinfeld) contrata um delegado federal durão, Rooster Cogburn (Jeff Bridges), para capturar o homem, Tom Chaney, (Josh Brolin) que matou seu pai e que estaria refugiado no bando de Lucky Ned Pepper. Na busca, acabam encontrando o policial texano LaBeouf  (Matt Damon) também atrás do fascínora.

A grande qualidade do filme é que, mais do que simplesmente mostrar pessoas com uma coragem sobrehumana e moral exacerbada, ele apresenta homens resolutos dentro de suas condições.  Se por um lado temos um homem da lei impiedoso, acompanhado de um texano metido, por outro vemos bandidos educados, tranquilos ou até mesmo pessoas que, na hora da morte, demonstram uma aceitação incrível de sua situação como, por exemplo, os condenados à forca. O bem e o mal parece ser definido apenas pelo lado da lei em que você faz parte. E todos parecem fazer o que tem que fazer, porque assim está escrito em suas descrições de cargo.

A única pessoa que foge à regra é a menina Mattie Ross. Ela é que, verdadeiramente, tem a ‘bravura indômita’ do título e exerce sua força interior de uma maneira invejável. Ela fixa seus objetivos, negocia dentro de padrões justos, julga os outros com maturidade e nunca se acovarda, nem mesmo nos momentos mais difíceis. Ela é mais dona da situação que os dois “heróis” da trama, o bêbado Cogburn (que posa mais de figura paterna) ou o soberbo LaBeouf (um possível interesse romântico, se ela tivesse mais idade). Os dois, aliás, são típicos “machos”. Acham que estão certos sempre, discutem sobre seus batalhões na guerra da secessão como torcedores fanáticos fazem hoje com o futebol, se envolvem em estúpidas provas de quem atira melhor e são extremamente manhosos. No final das contas, uma mulher acaba sendo “o homem da relação”.

Bravura Indômita não é um típico filme dos Coen, mas mostra algumas de suas melhores qualidades: fotografia impecável, artistas em interpretações incríveis (em especial Barry Pepper, numa ‘imitação’ incrível do jeito de falar de Robert Duvall, o Lucky Ned original) e uma história envolvente. Só que, com todo o respeito, eu nunca vou acreditar que eles só tenham visto o original de 1969 quando eram criança. Assista os dois e veja porquê.

O faroeste no Oscar

1930- Cimarron: baseado na obra de Edna Ferber (que também escreveu Assim Caminha a Humanidade) mostrando um jornalista no Oklahoma levou o Oscar de melhor roteiro, filme e direção de arte.

1940 – E o Vento Levou: um dos maiores épicos do cinema, focando no sul dos EUA desde pouco antes da Guerra da Secessão até o período de reconstrução, levou oito Oscars (filme, atriz, atriz coadjuvante, fotografia, direção de arte, diretor, roteiro e edição)

1990 – Dançando com Lobos: a ascensão e queda de Kevin Costner começou aí com esse épico sobre um soldado da cavalaria que, numa região inóspita, passa a conviver com índios e lobos. Levou as estatuetas de melhor fotografia, direção, edição, música, filme, roteiro e som).

1992 – Os Imperdoáveis: o canto do cisne de Clint Eastwood no western acompanha um pistoleiro aposentado tendo que realizar um último trabalho e deu um Oscar a Gene Hackman como ator coadjuvante e ainda ganhou Melhor filme, diretor e edição.

2007 – Onde os Fracos Não Tem Vez: verdadeiro faroeste nos tempos de hoje, o filme dos Coen mostrou o bandido de pior penteado na história do cinema e ganhou os prêmios de melhor direção, filme, roteiro adaptado e ator coadjuvante (o assustador Javier Bardem).

‘O Vencedor’ é um peso-pena com cinturão

Publicado no site da revista Alfa em fevereiro de 2011
Link 

Em 1960, o grande diretor italiano Luchino Visconti realizou uma de suas obras mais famosas, Rocco e Seus Irmãos. No elenco, Alain Delon, Renato Salvatori, Claudia Cardinale e Annie Girardot, na história de Rosaria Parondi, uma viúva que se muda para Milão com seus quatro filhos (o quinto já estava lá) e mostra a luta de todos por um lugar ao sol na grande cidade. Um dos rapazes, Vincenzo, se torna boxeador e se apaixona por uma prostituta. Fracassado no profissão e no amor, começa a se autodestruir na bebida, enquanto Rocco (Delon) ascende no esporte e rouba sua namorada. O final, obviamente, não é dos mais felizes, embora o filme seja genial.

O tempo passa e, 50 anos depois, eis que surge O Vencedor, filme que concorre a sete Oscars em 2011 e que, apesar de ser baseado em fatos reais, se aproxima muito da obra italiana. Neste, como naquele, existe um grande drama familiar, uma mulher para transtornar a família, a mãe que tem preferência por um dos filhos (a antiga era uma típica mãe italiana dramática e a atual é a típica mãe exploradora americana), o filho problemático sendo defendido (e protegido) pelo filho bonzinho, vícios e boxe. Segundo o jornal ‘O Estado de São Paulo’, Mark Whalberg, produtor do novo filme, teve contato com a obra de Visconti quando trabalhou com o diretor James Gray,  este um fã incondicional do italiano, então qualquer semelhança pode não ser coincidência.

O Vencedor tem alguns lados positivos. Em primeiro lugar, dá para se dizer que filme está apoiado, principalmente, nas interpretações. Melissa Leo, apesar do ar de Carmela Soprano, não faz feio como a mãe e empresária de Micky Ward (este, aliás, interpretado por um apagado e desanimado Mark Wahlberg) e concorre como atriz coadjuvante. Amy Adams, longe das meninas boazinhas de Encantada e Uma Noite no Museu II, manda muito bem como Charlene, a garçonete desbocada, namorada de Ward e também briga pela estatueta. Só que quem impressiona mesmo é Christian Bale.

O ator galês, que já chegou a perder 28,5 kilos para interpretar um homem que não consegue dormir por um ano em O Operário de 2004 (e recuperar tudo de novo para fazer o homem-morcego em Batman Begins), mais uma vez aparece magérrimo e com o físico debilitado no papel de Dick Eklund, um ex-boxeador viciado em crack. Sua performace marcante e precisa, já lhe rendeu o Globo de Ouro e muitos já cantam sua vitória para o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante de 2011. De qualquer maneira, Bale se firma como um dos melhores atores da nova geração e um tremendo sucessor de “maníacos” como Robert De Niro (que, por sua vez, só faz papel de Robert De Niro hoje em dia).

Outro ponto a favor de O Vencedor é sua procura em ser historicamente correto. O ginásio mostrado no filme não é um cenário e sim o Ginásio de Art Ramalho, local onde os irmãos Micky e Dicky treinavam. As cenas de luta e do documentário da HBO sobre drogados foram feitas com as mesmas câmeras de TV dos anos 1990. e pelo mesmo cameraman da época. Até mesmo o policial Mickey O´Keefe, o velhinho que também treina Ward, é interpretado pelo próprio.

A Sports Illustrated o considerou o melhor filme de esporte da década e o melhor sobre boxe desde O Touro Indomável, o que é um tremendo exagero. O filme é bom, mas não é memorável, nem revolucionário. Tem um daqueles finais para lá de óbvio e várias cenas com tom de ‘deja vu’ ao espectador mais escolado, mas isso não o faz um mal exemplar da sétima arte, nem mesmo de uma cinebiografia. Pode não ser um Rocco e Seus Irmãos, mas como o tom do Oscar deste ano parece ser o da superação pessoal, então eu garanto que O Vencedor vai lavar a sua alma.

O Boxe no Oscar

1955 – Sindicato de Ladrões: um dos grandes filmes de Brando e Elia Kazan mostra um ex-pugilista e sua luta contra o irmão (sempre eles) e a corrupção nos sindicatos que controlam as docas de New Jersey. Levou oito Oscars : melhor ator, melhor atriz coadjuvante, direção de arte, fotografia em P&B, diretor, edição, filme e roteiro).

1976 – Rocky, um Lutador: esqueça as péssimas sequências. O primeiro filme da série, mostrando um lutador simples e humilde tentando chegar à fama, que de repente tem a chance de lutar contra um peso-pesado é divertido, bem-feito e também bem escrito (roteiro do próprio Stallone). Levou os Oscars de melhor filme (inexplicavelmente batendo Taxi Driver e Rede de Intrigas), melhor diretor e edição.

1981 – Robert De Niro: a Academia esnobou Martin Scorcese e seu Touro Indomável, o melhor filme de boxe já feito, baseado na biografia de Jake LaMotta, mas não conseguiu fechar os olhos para a interpretação magnífica de Bob De Niro, que chegou a engordar 27 quilos para fazer o ex-lutador na meia idade, depois de conseguir ter o físico de um pugilista.

2000 – Gladiador: os boxeadores do Império Romano também tiveram a chance de levar estatuetas com a história cheia de anacronismos de Maximus, o general que virou gladiador e derrubou um imperador. Ganhou os prêmios de melhor ator, melhor figurino, efeitos visuais, som e filme.

2004 – Menina de Ouro: tremendo dramalhão dirigido por Clint Eastwood, mostrando uma mulher determinada a brilhar no boxe feminino. Abocanhou os Oscars de melhor diretor, melhor filme, melhor ator coadjuvante (Morgan Freeman fazendo o papel do velho negro com bons conselhos, como em outras 356 vezes ocasiões) e melhor atriz (a ótima Hillary Swank).

‘127 Horas’ não é para qualquer um (mas vale a pena)

Publicado no site da revista Alfa em fevereiro de 2011
Link 

127 Horas é um dos filmes mais desconcertantes, claustrofóbicos e desafiadores que você poderá ver este ano. Ele incomoda, faz com que você não tenha posição na cadeira e é difícil de assistir, especialmente quando se sabe o desfecho. E também não é destinado a aqueles que tem estômago fraco. Apesar disso, o filme se sobressai entre a safra que concorre ao Oscar. É interessante, simples, bem conduzido, muito bem fotografado e também acaba servindo de lição para aqueles que – em tempos de exposição gratuita no Youtube – não medem esforços  para aparecer, forçando os limites físicos e do bom senso.

O filme é baseado nos cinco dias mais terríveis na vida do americano Aron Ralston. Em 2003, ele saiu – sozinho – para passear nos canions de Utah, lugar que já estava totalmente familiarizado e um acidente fez com que uma rocha imobilizasse seu braço em uma fenda na montanha. Tentando sobreviver, Aron sofreu alucinações, bebeu a própria urina e por fim, acabou amputando o membro preso para escapar daquela prisão pétrea. E tudo isso registrando os momentos de dor e desespero em uma câmera de vídeo. A experiência rendeu o livro Between a Rock and a Hard Place.

Os méritos de 127 Horas caem sobre Danny Boyle e James Franco. O primeiro, consagrado por obras como Sunshine, Extermínio e o superestimado Quem Quer Ser um Milionário, impõe um clima de videoclipe ao filme, utilizando-se de flashbacks e das já citadas alucinações (sua especialidade) e de uma edição ágil para não entediar a platéia. Tirei o chapéu para a sequência onde Aron está morrendo de sede e o filme apresenta um grande clipe com cenas de propagandas de refrigerante. É impossível não sentir vontade de beber algo naquele momento.

Já quem carrega os 94 minutos de ação nas costas é James Franco, que além da saga Homem-Aranha, foi o namorado de Sean Penn em Milk. Assim como aconteceu com Colin Firth em O Discurso do Rei, Franco não foi a primeira escolha para o papel já que Boyle queria Cillian Murphy (o espantalho de Batman Begins). Ao contrário de Firth, é probável que ele não leve o Oscar de Melhor Ator (embora merecesse). Sua interpretação humana, carismática e leve, distancia o personagem da imagem de uma pessoa com uma capacidade sobrehumana de sobrevivência e o coloca sim, como um jovem irresponsável que se vê em uma situação limítrofe, causada por sua insistência quase obsessiva em não depender de ninguém. Ou, como muita gente comentou em fóruns estrangeiros, como diabos um cara pode sair para um lugar inóspito sem avisar família e amigos e sem ter como se comunicar com os outros? É essa revisão de vida e atitudes que torna 127 Horas um filme mais interessante que muitos da linha “baseado em fatos reais”. Em momento algum, Aron culpa a ninguém, a não ser ele mesmo, pelo ocorrido. E é com essa experiência que ele vai se tornar um homem diferente (para se ter uma idéia, o Aron real deu uma palestra no Fórum Econômico Mundial em 2007 chamada “ele não perdeu uma mão e sim, ganhou sua vida de volta”).

Aron Ralston participou ativamente das filmagens. Não só mostrou seu registro ao diretor e ao ator (e somente a eles), como emprestou sua câmera para ser usada por Franco nas filmagens. Em uma coletiva, o aventureiro quebrou, chorou muito e disse que o filme está mais próximo de um documentário do que ficção. Hoje casado e com um filho, ele não deixou se ser alpinista, mesmo sem um braço (já escalou até o Kilimanjaro) e ganha a vida com palestras. Seu braço foi recuperado pouco tempo depois e foram precisos 13 homens e um macaco hidráulico para erguer a rocha em questão. Ralston voltou ao local do acidente em 2004 para jogar as cinzas do membro amputado e na pedra ainda aparecia a mensagem que ele escreveu nos dias de sua luta: “Boa Sorte”.

Vivendo situações extremas no Oscar de Melhor Filme

Nada de Novo no Front (1930): classicão mostrando a desilusão e como o campo de batalha destrói a alma de um soldado alemão na I Grande Guerra

Rebecca (1940): grande filme de Alfred Hitchcock, mostrando a pressão psicológica em cima de uma mulher ingênua que se casa com um viúvo sem saber que a ex-esposa ainda vive no coração do marido e dos empregados

O Estranho no Ninho (1975): Jack Nicholson dá um show como um rebelde preso em um hospital psiquiátrico dominado por uma enfermeira ditatorial

O Franco Atirador (1978): a vida de três amigos depois dos horrores vividos durante a Guerra do Vietnã. É engraçado notar que, anos depois, o diretor confessou que as cenas de roleta russa foram inventadas e que não há registro dessa prática nos campos de prisioneiros vietcongues.

Guerra ao Terror (2008): a rotina de um grupo de  desarme de minas durante uma operação no Iraque quando um novo sargento assume a tropa.

A gagueira do Rei George

Publicado no site da revista Alfa em fevereiro de 2011
Link 

“Gostosinho, mas americano demais, né?” disse minha namorada, uma mulher que gosta muito de cinema sem ser cinéfila de carteirinha, ao final de O Discurso do Rei. Depois tudo que li e ouvi a respeito do filme, essa foi a opinião mais contundente e correta. Em um Oscar onde o tom é dado por filmes de superação, especialmente no mundo masculino, a obra de Tom Hooper cai como uma luva. Hollywood adora filmes sobre a realeza inglesa, tramas enaltecedoras e romances históricos. No caso, o filme acompanha a história do pai da rainha Elisabeth, Albert, gago, inseguro e nervoso, em sua ascenção não planejada ao trono inglês, depois que se irmão renunciou e o tratamento que o fez dominar seu problema de fala.

Muito já foi dito sobre os erros históricos do filme, como esconder a admiração de George e de seu irmão Edward por Hitler, que sua gagueira não foi curada às vésperas de II Guerra e que não foi bem seus discursos que se tornaram símbolo da resistência inglesa naquele conflito e sim os de Churchill. Até mesmo o IMDB está repleto de menções de anacronismo nas cenas, como objetos, expressões e quadros que não existiam na época em que se passa a história, mas quem se importa? O Discurso do Rei foi feito para você sair feliz do cinema e, aparentemente, para ganhar prêmios. Sendo menos ácido, o filme realmente nos faz pensar no que é ter que assumir uma posição de chefia subitamente, quando não estamos mesmo preparados. No caso de George VI, o desafio foi enorme e ele acabou sucumbindo a um câncer em 1952, muito devido ao fato de nunca ter pretendido ser rei.

Colin Firth está realmente bem no papel principal, mas na minha opinião não é a performance memorável que todos pregam. Ele é um tremendo ator e atuar nesse filme foi a chance de uma vida, já que Paul Bettany desistiu (e se arrependeu) da empreitada, mas não é um daqueles personagens tão desafiadores assim, ou seja, ele faz cara de sofredor, gagueja e berra de vez em quando, mas existem outros por aí que fariam o mesmo. De qualquer maneira, Firth já levou os prêmios BAFTA, British Independent e o Globo de Ouro, entre outros. Deve somar o Oscar a esse rol, para o azar de James Franco, esse sim, merecedor da estatueta por carregar o filme 127 Horas nas costas. Helena Bonham Carter está perfeita no papel de “Helena Bonham Carter em filmes de Jane Austen”, mas quem realmente impressiona é Timothy Spall (o Peter Petigrew de Harry Potter). Seu Churchill é o pior da história do cinema.

O Discurso do Rei me lembrou outra obra inglesa, essa sim, de tirar o chapéu: As Loucuras do Rei George de 1994. O filme – ótimo – tinha os monstros do teatro inglês, Nigel Hawthorne e Ian Holm, além de Helen Mirren e Rupert Everett e também mostrava como um problema com o rei da Inglaterra (no caso George III com porfíria, que leva à insanidade) foi resolvido usando métodos não tradicionais para a época. Ele foi baseado em uma peça teatral chamada “As Loucuras de George III”, mas o grande Hawthorne pediu para que alterassem o nome do filme pois, em sua opinião, a menção do “3o.” faria com que os americanos achassem que se tratava de uma sequência. Se ele tivesse assistido O Discurso do Rei, chegaria à conclusão que até mesmo os monarcas ingleses sucumbem aos modos e gostos da antiga colônia.

A corte inglesa no Oscar

O Homem que não Vendeu sua Alma (1966): a história de Thomas More que perdeu a vida ao desafiar seu então amigo, Rei Henrique V, não aceitando romper com a igreja católica, levou seis Oscars (melhor ator, filme, diretor, roteiro adaptado, figurino e fotografia).

Coração Valente (1995): desta vez o premiado foi um personagem que deu uma dor de cabeça tremenda aos ingleses, o escocês William Wallace. Levou melhor filme, direção, fotografia, edição de som e maquiagem.

Sheakespeare Apaixonado (1998): o maior dos bardos virou personagem de ficção nesse filme insosso que ganhou melhor atriz, atriz coadjuvante, direção de arte, filme, figurino, música e roteiro original.

Reis, Rainhas e ministros ingleses premiados com Oscar de Melhor Ator ou Atriz:

1929 – George Arliss em Disraeli, o primeiro ministro inglês que garantiu o Canal de Suez para o império

1932 – Charles Laughton em Os Amores de Henrique VIII, o monarca britânico que matava suas esposas para se casar com a seguinte

1966 – Paul Scofield em O Homem que não Vendeu sua Alma

1968 – Katherine Hepburn em O Leão no Inverno como Eleanor da Aquitânia e suas tramas para levar o filho, Richard ao trono

1998 – Gwinelth Paltrow por Sheakespeare Apaixonado

2006 – Helen Mirren por A Rainha, como Elisabeth (a filha de George VI)

Quem mais ganhou com filmes em 2010?

Publicado no site da revista Alfa em fevereiro de 2011
Link

A revista americana Vanity Fair soltou seu “Hollywood Issue”, a edição anual que se volta totalmente à indústria de cinema nos EUA. Se você não conhece, a revista é primorosa, com matérias bem legais sobre a indústria nos anos clássicos (desta vez traz um perfil de Lauren Ball, viúva de Bogart que Sinatra tanto queria; outra matéria sobre casais famosos e a história das filmagens de Thelma & Louise), além do tradicional ensaio fotográfico com atores, diretores e produtores, com abundância de fotos feitas por Anne Leibovitz.

Uma das matérias que me chamou atenção os 40 atores, diretores e produtores que mais ganharam dinheiro com filmes (incluindo licenciamento de produtos derivados), com base em estimativas, ou seja, não há comprovação centavo a centavo. Em 2010, somente dois astros estiveram com nove digitos nos ganhos, James Cameron e Johnny Depp, enquanto em último lugar vem Eddie Murphy com 13 milhões. Confira os 20 mais bem colocados:

1) James Cameron, US$ 257 milhões (US$ 243 Mi só por Avatar e US$ 4 Mi por filmes anteriores)

2) Johnny Depp, US$ 100 milhões (US$ 40 Mi por Alice, US$ 35 Mi pelo quarto Piratas do Caribe, US$ 20 Mi pelo O Tutista e por antigas produçoes)

3) Steven Spielberg, US$80 Mi (US$ 50 Mi vem dos parques temáticos da Universal e seu trabalho de consultor)

4) Christopher Nolan, US$ 71,5 Mi (US$ 69 Mi só por A Origem)

5) Leonardo de Caprio, US$ 62 Mi (US$ 59 Mi por A Origem)

6) Tim Burton, US$ 53 Mi (Alice o levou ao país das maravilhas)

7) Adam Sandler, US$ 50 Mi (metade por produzir e estrelar Esposa de Mentirinha e a outra por Jack and Jill)

8 ) Todd Phillips, US$ 34 Mi (15 Mi só por ter escrito, produzido e dirigido Se Beber não Case 2)

9) Taylor Lautner, US$ 33,5 Mi (o lobisomem de Crepúsculo ganhou US$7,5 para estar em Abduction de John Singleton)

10) Roberto Downey Jr, US$ 31,2 Mi (as sequencias de Homem de Ferro e Sherlock Holmes lhe deixaram tranquilo)

11) Will Smith, US$29 Mi (vem aí MIB III e ele produziu o novo Karate Kid)

12) Joe Roth, US$28,5 Mi (é o produtor de Alice de Tim Burton).

13) Kristen Stewart, US$ 28,5 Mi (a saga Crepúsculo faz mais uma milionária)

14) Jerry Bruckheimer, US$ 27,5 Mi (o produtor dos maiores filmes de ação dos últimos 20 anos, ganhou US$ 10 milhões só para fazer seu planejamento anual com a Disney)

15) Robert Pattinson, US$ 27,5 (ele precisa urgentemente renogociar seu salário. É o que menos ganhou dos três protagonistas)

16) Jason Blum e Oren Peli, 26,5 Mi (os dois produziram os dois filmes da série Atividade Paranornal)

17) Tyler Perry, US$ 25 Mi (uma das maiores estrelas negras nos EUA, aumentou seus milhões produzindo, estrelando  e dirigindo Why Did I Get Married Too e I Can Do Bad All By Myself )

18) Jennifer Aniston, US$ 24,5 Mi (a rainha das comédias românticas fez três este ano, Esposa de Mentirinha, Wanderlust e Horrible Bosses)

19) John Fraveau, US$ 24 Mi (além do Homem de Ferro 2, ele dirigiu e produziu a ficção científica/western Cowboys & Aliens)

20) Nicolas Cage, US$ 23,5 Mi (aparentemente, o cara aceita trabalhar em qualquer coisa, de filmes de aventura a propaganda de remédio para fígado. O que mata é que o resultado é sempre ruim)

Shatner para Homem do Ano

Publicado no site da revista Alfa em fevereiro de 2010
Link 

Eu não sei quem a Alfa (ou vocês, internautas) vão escolher para Homem do Ano de 2011, mas eu já decidi: William Shatner. Para começar, o canadense completa 80 anos em 22 de março próximo e continua “atuando”. E depois, é um dos atores mais canastrões que já surgiu nas telinhas e telonas e ao mesmo tempo é um dos mais simpáticos e amados.

Já se foi o tempo em que Shatner exibia um corpo sarado e beijava mulheres à torto e à direito na série Jornada nas Estrelas. Também já foi a época que ele (assim como eu) tinha cabelos e que tentava disfarçar (ao contrário de mim) com perucas horrorosas, como a que usou no seriado Carro Comando ou no primeiro filme cinematográfico de Star Trek.

Até surgir Kirk na sua vida, Bill Shatner era presença constante em seriados como Dr. Kildare, 77 Sunset Strip e The Defenders.Depois do Capitão da Enterprise, o ator cometeu crimes incríveis como achar que podia cantar. Ele já interpretava com pausas longas entre uma palavra e outra e jogou isso nas canções. A coisa se tornou tão emblemática (e caricata), que em um MTV Awards, era ele é que dava sua interpretação para as músicas concorrentes e não os artistas.

Só que Bill é um cara legal. Fez o já citado Carro Comando, Tekwar, foi o Big Giant Head (Cabeção) de 3rd Rock from the Sun e apareceu como um de seus personagens mais contundentes, o advogado Danny Crane, na série The Practice. Quando esta gerou um spinnof, Justiça sem Limites (ou Boston Legal), o veterano ator ganhou, finalmente, o reconhecimento que queria através de dois Grammys e um Globo de Ouro. Crane, advogado com Alzheimer que chama a doença de “vaca louca” e que vai até a Suprema Corte para conseguir se casar com seu melhor amigo sem ser gay, mostrou uma veia cômica de Shatner muito pouco explorada até então.

E é esse lado que fez William Shatner voltar com a série Shit my Dad Says, que estreou no Brasil no canal Warner na última seunda-feira. Faz a mesma interpretação de sempre, com o mesmo carisma e, quase octagenário, consegue tirar sarro dele mesmo o tempo todo (o lado “sedutor”, as imitações, etc.). Existem dúvidas se o seriado vai ter uma segunda temporada. Mas ver Bill cantar “I´m too Sexy” do Right Said Fred, é impagável e inesquecível, como mostra esse vídeo dos bastidores:

10 grandes gafes do Oscar

Publicado no site da revista Alfa em fevereiro de 2011
Link 

Daqui a 20 dias temos a maior cerimônia cinematográfica do mundo e já podemos começar a imaginar (e apostar) em qual será o momento mais constrangedor do Oscar. Isso porque uma das coisas divertidas da festa é que justamente alguma coisa vai sair fora do script pré-estabelecido. Por exemplo, no ano passado, tivemos o day after com o ator de Love Story, Ryan O´Neal, cuspindo fogo nas entrevistas porque sua ex-companheira, Farah Fawcett – aquela do seriado As Panteras e cujo poster em maiô vermelho foi parte integrante dos anos 1970 – foi esquecida na homenagem aos falecidos da indústria. Mas esse não foi o único caso, existem outros bem piores:

1. Ele merecia um Oscar!

Em 1937, a atriz Alice Brady ganhou uma estatueta de melhor atriz coadjuvante, mas como ela não estava na cerimônia (na época um jantar), um homem levantou-se e educadamente recebeu em seu lugar. Nem ele, nem a estátua, foram jamais vistos de novo.

2. Frank Who?

A gafe de 1934 aconteceu quando o ator Will Rogers anunciava o prêmio de melhor diretor e soltou “Suba aqui no palco, Frank”. O diretor Frank Capra, um dos concorrentes, levantou feliz para agarrar a estatueta, mas quem tinha levado mesmo era Frank Lloyd com seu filme Cavalcade.

3. Povo da Bolívia…

Em 1947, Ronald Reagan, então ator, subiu ao palco para ler um texto sobre os grandes nomes do passado. Nas suas costas, uma tela mostrava cenas dos filmes citados. Ele não conseguia entender porque a platéia estava chorando de rir e ao se virar é que notou que o filme estava de cabeça para baixo.

4. Tempus fugit.

O Oscar passou a ser televisionado em 1953, mas cinco anos mais tarde, quando o comediante e apresentador da cerimônia, Jerry Lewis, anunciou o último prêmio, os produtores lhe avisaram que ainda havia 20 minutos de tempo a cumprir. Jerry até tentou improvisar algo, mas o resultado foi tão ruim, que tiraram a festa do ar e colocaram um curta-metragem sobre pistolas no lugar.

5. A verdade nua e crua

Bacana foi em 1974 que o inglês David Niven apresentava um dos prêmios e um homem correu o palco totalmente nu, para a surpresa de todos. Niven, com toda sua fleuma britânica, sorriu e disse que certamente o cara seria lembrado por seus “shortcomings” (deficiência em inglês, mas com uma pegadinha).

6. Qual é, kemosabi?

Marlon Brando não aceitou receber seu Oscar em 1973 por O Poderoso Chefão, mandando a índia Sacheen Littlefeather para fazer um discurso sobre as más condições das reservas indígenas nos EUA. O lance é que a menina se chamava mesmo Maria Cruz, não era apache e havia ganho, três anos antes, o prêmio de Miss Vampiro. Já George C. Scott também não foi receber seu prêmio de melhor ator por Patton por achar que o Oscar só seria justo se todos concorressem pelo mesmo papel.

7. Companheira Vanessa.

Em 1978, a atriz Vanessa Redgrave ganhou um Oscar de coadjuvante pela sua contundente interpretação em Júlia. A moça subiu no palco e aproveitou o discurso para descer a lenha em cima dos israelenses, chamando-os de assassinos sionistas e defendendo os palestinos. O roteirista de Rede de Intrigas, Paddy Chayefsky, que apresentou o prêmio seguinte, castigou “um obrigado, bastava”.

8. Trio ternura.

Em 1986, o Oscar teve um dos piores shows de abertura de sua história com Telly Savallas (o Kojak para quem viveu os anos 1970), Pat Morita (o Sr. Myiagi de Karate Kid) e o comediante Dom DeLuise cantando um número musical intitulado “Fugue for Tinhorns”.

9. A melhor idade

As gafes da premiação não poupam nem o pessoal veterano e já escolado nessa festa. Hal Roach, o pioneiro do cinema mudo, recebeu seu prêmio honorário, mas ao fazer o discurso seu microfone estava desligado e ninguém ouviu nada (ou como disse Billy Cristal, foi uma homenagem às origens de Roach). Já o grande Lawrence Olivier, com 78 anos, foi anunciar o melhor filme de 1985 e nem leu o nome dos concorrentes. Simplesmente abriu o envelope e soltou: Amadeus!

E existe a grande dúvida do Oscar de melhor atriz de 1993. A vencedora foi Marisa Tomei por Meu Primo Vinnie, batendo grandes nomes como Judy Davis, Miranda Richardson e Vanessa Redgrave. O que se disse depois é que o apresentador do prêmio, Jack Palance, aquele que um ano antes havia feito flexão de braço no palco aos 74 anos de idade, não leu o nome direito e anunciou a atriz errada. A academia nega veementemente.

10. A vingança é um prato que se canta frio

Ninguém entendeu porque em 2005, Jorge Drexler foi proibido de cantar sua música “Al Otro Lado Del Rio” da trilha de Os Diários de Motocicleta, concorrente a melhor canção naquele ano. No seu lugar, puseram no palco Antonio Banderas e Santana. Pois bem, Drexler ganhou a estatueta e ao invés de fazer um discurso, cantou, segundo ele, “sua versão da música”. Constrangedor para a Academia, mas mostrou que com latino não se brinca!

Marlon Brando e os peitos de Maria Schneider

Publicado no site da revista Alfa em fevereiro de 2011
Link 

Morreu hoje aos 58 anos de idade, um dos grandes tesões dos anos 1970, a francesa Maria Schneider. Em 1972, com apenas 20 anos, ela trabalhou ao lado de Marlon Brando, então com 48, no polêmico O Último Tango em Paris de Bernardo Bertolucci ou a propaganda mais erótica de manteiga que já foi feita. A produção, sobre um relacionamento somente baseado em sexo, entre um empresário americano de meia idade e uma teenager francesa chocou o mundo  e ganhou a classificação X (de filmes pornôs) em sua estréia nos EUA. Depois desse filme, Schneider fez Profissão: Repórter de Michelangelo Antonioni com Jack Nicholson, teve uma crise dos nervos e se internou por um tempo em um hospital especializado em distúrbios mentais. Até 2008, apareceu somente em produções européias.

A famosa cena da manteiga como acessório para sexo anal, foi bolada na hora por Marlon e Bertolucci e por mais que o sexo fosse simulado, a atriz chorou de verdade, pois ficou chocada com a idéia. Existe, porém, outra história ótima sobre as filmagens, que é contada no documentário Brando. O ator, disléxico e na época com dificuldade de memorizar as falas, escrevia-as nos peitos de Maria Schneider ou colava fitas adesivas com os diálogos em seu corpo para assim conseguir fazer o personagem (isso quando ele não mandava tudo às favas e improvisava). E esta é – talvez – a melhor justificativa que um homem já usou para ficar olhando para um par de peitos femininos sem parecer indiscreto, tarado ou idiota.

Maria Schneider ficou marcada pelo papel. Disse que quando leu O Último Tango em Paris, não viu nada que a preocupasse pois tinha apenas 20 anos e simplesmente queria estar no cinema. Anos depois percebeu que foi completamente manipulada por Bertolucci e Brando. E morreu considerando o diretor como seu maior inimigo.

Clark Gable, o masculino

Publicado no site da revista Alfa em fevereiro de 2011
Link 

“As orelhas dele são grandes demais e ele parece um macaco” disse o chefão da Warner nos anos de 1930, Darryl F. Zanuck quando viu o teste de Clark Gable para o filme Alma no Lodo de 1931. Para Irving Thalberg da MGM, ele seria a salvação da lavoura, já que o estúdio carecia de um grande astro masculino. No final, Thalberg estava certo. William Clark Gable se tornou um dos maiores símbolos sexuais de sua época e é a sétima maior lenda masculina do cinema, segundo o AFI.

Existe também outra grande história sobre o ator, a de que ele quase faliu a indústria de camisetas regatas brancas nos EUA, por causa do filme Aconteceu Naquela Noite (1934). Explicando melhor, naquela época homens de respeito usavam a tal regata por baixo da camisa social e eis que no filme, o grande astro tira sua camisa e mostra o peito nu. Foi o bastante para todos os homens do planeta se virem livres da convenção no vestuário e muito dono de empresa ficou arrasado com a queda de vendas.

Gable era disléxico e ninguém sabia. Era o ator preferido de Adolph Hitler, que chegou a oferecer uma recompensa para quem o trouxesse vivo para a Alemnha. Também era admirado por Jerry Siegel e Joe Shuster que se inspiraram nele para criar seu Clark Kent. Quase foi escolhido para ser Tarzan nas telas, perdendo o papel para Johnny Weissmüller (que se tornou, aliás, o melhor de todos). Chegou a dar o único Oscar que ganhou para um garoto, fã seu, porque não ligava para o prêmio (o rapaz, anos depois, devolveu a estatueta para a família depois da morte de seu ídolo). Odiava Greta Garbo, por considerá-la esnobe demais e ela desgostava dele pois o achava mal ator.  E é lenda que ele e Vivien Leigh se odiaram durante as filmagens de E o Vento Levou. Ela apenas não suportava seu hálito.

Clark não queria trabalhar em E o Vento Levou. Nem mesmo ler o livro. Só que o diretor David O. Selznick precisava de um grande astro para ser Rhett Butler, depois que Gary Cooper recusou o convite, achava que o filme seria um fracasso. Chegou a dizer “fico feliz que será Gable e não eu que vai cair com o nariz no chão com esse filme”. Mais uma vez o destino fez com que a sorte batesse na porta do ator. O filme não só elevou sua carreira ao máximo quando do lançamento, ajudava-o nas quedas com seus relançamentos (o filme voltou às telonas em 1947, 1954, 1961, 1967^, 1971, 1989 e 1998). O ator se tornou um grande amigo da atriz Hattie McDaniel (a primeira negra a ganhar um Oscar) e se recusou a ir no lançamento do filme em Atlanta já que, devido ao extremo racismo da cidade naquele tempo, ela não poderia entrar no cinema. Foi a contragosto, mas a amizade durou até o fim da vida dele.

Gable foi casado cinco vezes, mas o grande amor de sua vida foi a atriz Carole Lombard. Quando ela morreu em um acidente de avião em 1942, ele, para evitar o suicídio (ou provocá-lo) se alistou na Força Aérea e foi lutar contra os nazistas na Europa.  Participou de cinco missões (em uma delas seu avião foi atingido e viu morrer dois companheiros) e voltou aos Estados Unidos como major. Coincidentemente, quem assinou sua dispensa foi o Capitão Ronald Reagan, aquele que se tornaria presidente anos mais tarde.

Seu último filme foi Os Desajustados de 1961 (que também é o trabalho derradeiro de Marilyn Monroe). Graças a uma vida regada a whiskey e três maços de cigarro ao dia, sua saúde estava bem delibitada, mas durante as filmagens, ele se recusou a usar dublês nas cenas em montava a cavalo, ficava tenso com a demora entre uma cena e outra e a coisa foi demais para seu coração fraco. Morreu em 16 de novembro de 1960, sem ter visto o filme pronto.

Hoje faz 110 anos que Clark Gable nasceu. Ainda é um modelo de homem carismático, masculino, viril e elegante para muitos homens atuais. Doris Day definiu que seu efeito devastador sobre as mulheres vinham da combinação entre ele ser tão masculino como qualquer homem devia ser e tão um menino como um adulto podia ser. Já Joan Crawford afirmou que Gable “era um rei onde quer que fosse. Ele andava como um, ele se comportava como um e era o homem mais masculino que eu já conheci na minha vida”.  Já para ele, “as coisas que um homem tem que ter são a esperança e a confiança em si mesmo contra todas as probabilidades. Ele tem que ter alguns padrões internos que valham a pena de se lutar ou não haverá nenhuma maneira de trazê-lo em conflito. E ele deve estar pronto para escolher a morte antes da desonra, sem fazer muito barulho sobre o assunto”. Meu caro Gable, we give a damn!

O homem que transformou Bond em música

Publicado no site da revista Alfa em janeiro de 2011
Link

Morreu, aos 77 anos, John Barry. Ok, você diz, e o que ele tem a ver com a minha vida? Bom, John Barry foi o homem que musicou onze filmes de 007 e faz parte de uma antiga lenda de que seria o co-autor do tema do agente secreto. Na verdade, o tema de Bond é creditado a Monty Norman, que recebe os royalties desde 1962 com Dr. No e a história é mesmo complicada. Norman compôs o tema, mas os produtores, Saltzman e Broccoli detestaram o arranjo e passaram-no para Barry. Só que não há como mostrar o que Barry adicionou ao tema ou o que fez para completar o arranjo e assim o maestro morreu sem ter o crédito na música.

Devido ao caso, ele tentou desenvolver outro tema para o espião, chamado 007, mas não pegou (embora tenha sido usado em quatro filmes). Sendo ou não o pai da criança, o que importa é que Moscou contra 007, Goldfinger (que tem a fantástica música-tema cantada por Dame Shirley bassey), Chantagem Atômica, Só se Vive Duas Vezes, A Serviço de Sua Majestade, Os Diamantes são Eternos, O Homem da Pistola de Ouro, Foguete da Morte, Octopussy, Na Mira dos Assassinos e Marcado para Morrer tiveram a marca de John Barry: metais estridentes e muito jazz, ao mesmo tempo com um clima sensual e charmoso. Era uma combinação tão especial que, em 1965, o grande Count Basie regravou os temas de 007 no disco Basie Meets Bond , dando ainda mais tempero ao que John Barry compôs. Nos seus últimos trabalhos por trás das trilhas de Bond, Barry flertou com a pop music da época, trabalhando primeiramente com Duran Duran em A View to a Kill (primeiro lugar entre os singles mais vendidos nos EUA na época) e com o A-Ha em The Living Daylights.

Só que Barry não era só Bond. Trabalhou em 90 trilhas sonoras, concorreu sete vezes ao Oscar e ganhou cinco (melhor canção e melhor trilha por A História de Elza), melhor trilha por O Leão no Inverno (com um tema brilhante, depois usado por um programa de TV brasileiro), Entre Dois Amores e Dança com Lobos (que também lhe deu o Grammy). Compôs também a triste trilha de Perdidos na Noite, Ghost, Em Algum Lugar do Passado e o tema de Persuaders, série com Tony Curtis e Roger Moore. Estranhamento, mesmo como um dos compositores ingleses mais famosos do mundo, nunca ganhou o título de Cavaleiro do Império Britânico.

Em 1997, o jovem David Arnold concluiu um trabalho de dois anos de pesquisa em cima dos temas de Barry para James Bond e lançou o álbúm Shaken and Stirred: The David Arnold James Bond Project, com regravações atuais de músicas dos filmes. O trabalho impressionou tanto Barry que ele ligou para a produtora Barbara Broccoli e recomendou o novo compositor. Arnold é responsável pela trilha de 007 desde O Amanhã Nunca Morre.  O que mostra que, na verdade, mesmo com Barry longe, seu legado nunca mais deixará os filmes do agente secreto mais famoso do mundo.