Claudio R S Pucci - um portfolio online

Santos aniversários, Adam West faz 83 anos

2011-09-19T12:34:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em setembro de 2011
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Vou abrir uma exceção aqui no blog sobre cinema para falar de um cara que viu a glória e a desgraça de se tornar um ícone da TV. Adam West, o bom e eterno Batman gordo completa 83 anos de idade hoje, 19 de setembro. O homem que se tornou um dos maiores nomes da cultura pop do século 20, nunca conseguiu escapar da imagem do Homem-m0rcego e do mesmo jeito que viu seu nome ir para os píncaros da fama, enfrentou um ostracismo terrível em sua carreira.

West era um ator de pequenos papéis no cinema e chamou a atenção dos produtores e criadores do seriado do Batman depois de estrelar uma série de comerciais do achocolatado Quik da Nestlé, fazendo o Captain Q, um espião à la James Bond.

A série estreou em 12 de janeiro de 1966 e logo se tornou um hit televisivo. Em pouco tempo, atores e celebridades brigavam pela oportunidade de ser vilão ou convidado especial de algum episódio porque isso dava status e, para muitos como Van Johnson e Vincent Price, significou uma retomada em suas carreiras, então estacionadas.

O sucesso e a avalanche de entrevistas, fotos e produtos com seu rosto tornou Adam West um superstar, mas acabou com seu segundo casamento com a havaiana Ngahra Frisbie já que a moça não aguentava o assédio que rolava em cima do marido. O engraçado é que, em um programa especial para canal E, West declarou que imagem de bom moço vinda do personagem causava desconforto nas mulheres. Contou, em meio a muitas risadas, que uma vez chegou a ir a uma festa “quente” no fim dos anos 60 com Frank Gorshin (o Charada da série) e lá pelas tantas a coisa descanbou em uma orgia. Mas nenhuma mulher queria ficar com ele, afirmando que não se sentiriam bem transando com o Batman.

Quando o seriado foi cancelado em 1966, depois de três temporadas e um filme para o cinema, West se viu sem convites para atuar porque sua imagem estava totalmente atrelada ao do personagem dos quadrinhos. Em 1970, Cubby Broccoli, produtor dos filmes de 007, chegou a oferecer a West a chance de ser James Bond depois que Connery se despediu de vez do agente secreto com Os Diamantes são Eternos. Adam fez a bobagem de recusar pois acreditava que Bond só deveria ser interpretado por ingleses (isso porque não lembrou que George Lazenby de A Serviço de Sua Majestade era australiano).

Por anos , ele apareceu em produções duvidosas e de baixo orçamento e em alguns seriados de TV. Voltou ao Batman como dublador do personagem nas animações dos anos 1970, inclusive no icônico Superamigos. Depois, o desenho animado de Batman da década de 1990 prestou-lhe uma homenagem quando o colocou como dublador do Fantasma Cinzento, um personagem de uma série que inspirava Bruce Wayne quando criança e cujo ator caiu no ostracismo depois que o seriado foi cancelado. Em 2003, ele e Burt Ward, o Robin, participaram de um filme chamado Return to the Batcave: The Misadventures of Adam and Burt junto com alguns atores da série original.

Mesmo com muitas homenagens e aparições especiais, West nunca mais viu o sucesso de novo. Hoje, ele até está mais conhecido por dublar o prefeito Adam West do desenho politicamente incorreto (e genial), Family Guy. De qualquer maneira, para muitas gerações ele será eternamente o cara que fez com o PLOC! BANG! WHAMM! não só fizessem sentido, como fosse algo muito transado!

Oliver Stone, 65 anos de polêmica

2011-09-19T12:32:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em setembro de 2011
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O diretor e roteirista Oliver Stone completou 65 anos ontem, 15 de setembro. Stone é um desses caras muito interessantes que criaram uma persona diferenciada, atrelando seu nome à polêmica. Ninguém pode negar porém, que o homem tem uma capacidade fantástica de transformar seus fantasmas autobiográficos em ótimos filmes.

Explicando melhor, sua experiência como professor e depois soldado no Vietnã o levaram a fazer um dos mais contundentes filmes de guerra da história do cinema, Platoon que ganhou quatro Oscars (melhor direção, inclusive) e inaugurou sua trilogia vietinamita, seguido de Nascido a 4 de Julho (dois Oscars) e Entre o Céu e a Terra. Depois, seu mergulho nas drogas o inspirou no roteiro de Scarface, a célebre refilmagem do clássico de gangster e também deu o tom de algumas cenas de Assassinos por Natureza. E mais, como trabalhava no mercado financeiro francês nas suas férias, quando adolescente, Stone criticou a ganância e a busca pela riqueza em Wall Street – Poder e Cobiça e voltou ao tema 23 anos depois com Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme, aproveitando da quebradeira geral da economia em 2008.

Outro detalhe interessante sobre Stone é a sua mania de fazer biografias, mas de sua maneira. Primeiro mostrou a vida de Jim Morrison em The Doors (onde Val Kilmer parece ter incorporado o cantor em alguma sessão espírita), mas desprezou todas as entrevistas que fez com integrantes do grupo e com a ex-mulher de Morrison e apresentou a sua versão dos fatos. Louco por uma teoria da conspiração fez JFK, um filme com uma edição fantástica e revolucionária (chegou até a ser zombado em Seinfeld), sobre a investigação em cima da morte do mais popular presidente americano. Sobram culpados para tudo quanto é lado. Fez ainda Nixon (com um terrível Anthony Hopkins no papel-título) e W., uma estranha e até mesmo enaltecedora biografia de George W. Bush que, por mais que foque fatos polêmicos na vida do cara, acaba o mostrando como um vencedor e homem de princípios (como assim, Georgie Boy dando bronca no seu time de assessores porque “o enganaram” a respeito das armas de destruição em massa iraquianas?).

Do lado mais comercial, assinou o péssimo Alexandre sobre o monarca macedônio, As Torres Gêmeas sobre o sacrifício de dois bombeiros nos ataques de 11 de setembro e o impressionante Um Domingo Qualquer com os bastidores de um time de futebol americano.

Mas é mesmo na polêmica que Oliver Stone faz a fama. De um tempo para cá resolveu, sabe-se lá porquê, apoiar e propagandear a revolução boliviariana de Hugo Chávez com Ao Sul da Fronteira, foi entrevistar Fidel Castro para o documentário Comandante e ainda tentou, em vão, falar com o pessoal das FARC. Além disso comprou briga com a comunidade judaica graças a críticas ferozes contra o que chamou de “dominação sionista da mídia e da política mundial”. Obviamente que teve de se retratar depois. Seu projeto mais barulhento porém, é The Untold History of the United States (a história não contada dos Estados Unidos), uma megassérie de TV que mostrará a verdadeira e obscura história da América e suas relações com figuras controversas como Hitler, Stalin e Mao. Está prometido para o ano que vem (embora ele lute para realizá-lo desde 2009).

Enquanto isso, Stone está acabando de filmar Savages sobre dois plantadores de maconha que tem que enfrentar o cartel mexicano das drogas depois que sequestram sua namorada. Vindo dele, prepara-se para se chocar de alguma maneira.

A nudez e a nudez de Scarlett Johansson

2011-09-16T09:53:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em setembro de 2011
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Quando eu era adolescente ficava imensamente feliz quando a revista Playboy trazia a coletânea “Sexo no Cinema”, porque reunia duas coisas que eu sempre gostei: cinema e mulher bonita. Na época, começo da abertura no Brasil, eu babava de vontade de ver algumas daquelas cenas mostradas na revista. Alguns anos depois pude saciar parte da minha curiosidade em relação às atrizes brasileiras com as exibições de pornochanchadas no célebre programa “Sala Especial” e, obviamente, quando me tornei maior de idade e estava enfim liberado de entrar no cinema sem falsificar carteirinha de estudante. O lance todo é que essa fantasia em cima de celebridades nuas – especialmente atrizes – se mantém, apesar da idade avançar.

Daí a importância das fotos de Scarlett Johansson pelada (veja aqui). Para começar, por mim, é ela mesmo que está lá, deslumbrante. Depois que Scarlett é uma atriz que consegue despertar a libido de 90% dos homens com sua pele clara, decote generoso, voz sensual e cara de menina safadinha, mas que dá para apresentar para a mãe. Ela mesmo gosta de criar uma aura em cima de sua sensualidade como quando comentou que quis fazer uma cena de nu em sei lá que filme, e o diretor preferiu não filmar. E se você parar para pensar, o que faz uma atriz do naipe dela, que já fez Woody Allen cair de quatro, tirar fotos nuas com seu celular como uma teenager e as ver na internet depois que o aparelho foi roubado? Não parece armação?

Por ser “virgem” de nudez no cinema, a bela Scarlett ficou fora do ranking das 100 celebridades nuas que o site especializado Mr. Skin soltou no final de agosto. O Mr. Skin dedica-se somente a mostrar as celebridades como vieram ao mundo e há dois anos já haviam feito o ranking das melhores cenas de nudez no cinema (ganhou a gatíssima Phoebe Cates – com aquele jeito de namoradinha – mostrando os peitos em Picardias Estudantis) e agora listou as moças que mais aparecem nua, não obrigatoriamente nas telas.

Em primeiro lugar ficou La Jolie, porque na fase onde “ela ainda não era virgem”, parafraseando Groucho Marx, a moça chocava o mundo dentro e fora dos filmes e não tinha receio de mostrar a que veio em obras como Gia- Fama & Destruição ou mais recentemente no péssimo Pecado Original ao lado de Antonio Banderas. Em segundo lugar, temos a sem graça Alyssa Milano (que só gringo e nerd gostam), seguida da fantástica Halle Berry (que deu um show em interpretação e nudez em A Última Ceia). Em quarto lugar está Pamela Anderson (mais pelos vídeos quentes com seu ex-marido do que péla suas habilidades interpretativas), seguida de perto de Helen Mirren. Sim, a hoje grande dama do cinema inglês já teve um tremendo corpão e adorava mostrá-lo a todo momento, até mesmo no clássico Excalibur, quando fez Morgana, a irmã do Rei Arthur.

Do sexto ao décimo lugar vem Anne Hathaway, Mônica Bellucci (o que prova que americano é idiota mesmo em termos de escolha e não vê filmes estrangeiros, porque a italiana merecia estar em um dos cinco primeiros lugares), Pam Grier, Marisa Tomei (que sim, tem uma senhor corpo mesmo depois dos 40 como mostrado em Antes que o Diabo Saiba que Você está Morto e O Lutador) e Penelope Cruz.

Das atrizes clássicas, Marilyn Monroe está na 15a. posição, Brigitte Bardot em 20o., a peituda Jayne Mansfield em 36o., Catherine Deneuve em 65o., Angie Dickinson em 75o., Jacqueline Bisset em 78o., Sylvia Kristel em 81, Joan Collins em 95o. e Ann Margret em 99o. Denise Richards está em centésimo lugar.

Existem ainda duas atrizes totalmente desconhecidas no ranking, mas que tem seu lugar ao sol na história do erotismo nas telonas. Em 25o. lugar está a sueca Uschi Digard que nos anos 1970 foi uma das musas do diretor trash Russ Meyer, um dos precurssores da nudez no cinema.

E se Kristel representa a Emanuelle francesa, a atriz meio holandesa, meio indonésia, Laura Gemser (98a. posição) ganhou fama como a Emanuelle negra em uma série de filmes.

Você pode conferir o ranking completo aqui, mas lembro que o site Mr. Skin é pago e não permite a não-assinantes ver as cenas das atrizes escolhidas na lista (há, porém, um vídeo introdutório bem bacana).

E que Scarlett nos honre com sua presença na próxima escolha!

Darín, o ‘artilheiro’ da Argentina

2011-09-16T09:47:00.001-03:00

Publicado no site da revista Alfa em setembro de 2011
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Não adianta negar, a Argentina bate um bolão! Não estou falando aqui de futebol, mas sim do cinema dos amigos hermanos que, já faz um tempo, está dando um show de competência e técnica e, por mais que o cinema brazuca esteja tambem evoluindo, ainda está há anos-luz atrás de nossos vizinhos.

Um os grandes motivos para isso é um portenho de 54 anos de idade, filho de atores, que começou a trabalhar na TV aos 10 anos, foi ator de telenovelas e seriados cômicos, nunca abandonou o teatro e está nas produções argentinas de maior sucesso das telonas: Ricardo Darín. É ele que brilha em Um Conto Chinês, uma comédia fantástica que estreou na última sexta-feira. No filme, ele é Roberto, um homem amargo, metódico, solitário e mau humorado que, de repente, se vê cuidando de um chinês perdido em Buenos Aires e que não fala nenhuma palavra de espanhol. E é justamente a força de Darín e seu talento incrível de tornar palavrões como algo extremamente engraçado que fazem com que o filme se destaque entre as novas produções. Darín fala com os olhos, demonstra impaciência e desconforto, mas nunca descuida da nobreza de caráter de seu personagem. Por mais que ele seja muito desagradável, você se compadece de Roberto (e obviamente do chinês vivido por Ignacio Huang) e entende o que ele está passando eos sacrifícios internos que está enfrentando. Ao mesmo tempo, o filme nunca cai na comédia escrachada ou baixa. Na verdade, trata de vida e de destino e como lidamos com ela.

Um Conto Chinês também marcou a volta de Darín às comédias mesmo porque ele fez uma sólida carreira em dramas, como o excelente Nove Rainhas (2000), um dos melhores filmes sobre trapaceiros de todos os tempos. Mais uma vez o carisma do ator faz com que você não tenha total ojeriza de seu personagem, Marcos, um golpista que não hesita em tentar enganar nem mesmo aos irmãos. Nove Rainhas ganhou uma refilmagem americana, Criminal, que aqui ganhou o incrível título idiota de 171, mas não perca seu tempo e assista o original.

Em O Filho da Noiva de 2001, ele é Rafael, um cara estressado e workaholic que se vê num momento de revisão de vida, quando seu pai o ajuda a fazer uma cerimônia de casamento. O detalhe é que a noiva é sua mãe, acometida por Alzheimer. Você pode ter coração de pedra, mas tenho certeza que vai se emocionar com esse filme (apesar de nunca cair no piegas).

Em 2002, Darín apareceu em dois ótimos filmes. Em Kamtachtka, um garoto relembra de sua infância quando os pais estão em fuga, perseguidos pelo governo militar devido às suas convicções políticas e o pai (Darín) é um exemplo de resistência ao menino graças à maneira como joga “War”. Já em O Clube da Lua, o ator faz Ramón, que tenta a todo custo salvar um clube esportivo e social num bairro de Buenos Aires.

O grande trabalho de Darín é, sem dúvida, O Segredo dos seus Olhos. Terceira parceria com o diretor Juan Jose Campanella (que faz carreira nos EUA como diretor de seriados de TV como House e Law& Order), a obra ganhou, merecidamente, o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro e é, de longe, uma das melhores produções feitas para as telonas. Incrivelmente bem escrito e interpretado, O Segredo dos seus Olhos consegue unir comédia com drama, suspense com policial, romance com política sem nunca perder o ritmo e tem ainda um dos travellings mais impressionantes já feitos no cinema na cena do estádio de futebol. E tem Darín.

Finalmente vale destacar Abutres (2010), drama pesado e impressionante sobre advogados ligados a uma “máfia” que defende vítimas de acidentes de trânsito junto a seguradoras, mas embolsam a maior parte da grana. É Darín que vai servir como divisor de águas na história, ao lado da bela atriz Martina Gusman. E, tem uma cena final de deixar qualquer um de queixo caído.

Para terminar, vale uma nota crítica sobre a tradução ruim na legenda de Um Conto Chinês. Não dá para entender porque algumas coisas foram “cortadas” pelo tradutor, como por exemplo, nas explosões de raiva de Roberto se perde o fato que o personagem adora xingar as pessoas de ‘pedazo de boludo’ ou ‘pedazo de pelotudo’ , traduzido simplesmente por ‘babaca’. Nem há explicação para toda a vez que ele solta um PQP, a legenda traz “bosta”. De qualquer maneira, vale prestar atenção às frases de Darín e rir se deu mau humor.

Quanto a saber se a Argentina é melhor que o Brasil no futebol, na quarta-feira que vem, a gente conversa.

Cinco “clássicos” do erotismo para o Dia do Sexo

2011-09-16T09:44:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em setembro de 2011
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Aparentemente hoje, 6/9 (é sugestivo) é Dia do Sexo (como se isso precisasse de dia certo) e em comemoração à efeméride vou listar cinco filmes eróticos que chocaram o mundo no seu lançamento e que depois perderam a força com a liberalidade dos tempos modernos. Foram filmes que fizeram um barulho danado justamente por tratar de sexo como parte integrante da vida de uma pessoa, mas não poupavam o realismo das cenas mais íntimas. O mais interessante é que eles romperam a linha entre a produção mainstream (que tinha cenas mais coreografadas e românticas) com a produção pornô. Ou seja, eles puseram o explícito no filme convencional, alguns com resultados duvidosos.

O Último Tango em Paris (1972): quando o filme foi mostrado em Nova York, um crítico disse que “aquele que não se sentir enojado, excitado, chocado, fascinado, revoltado ou encantado com as cenas do começo do filme, não se preocupe. Tem mais coisa por aí”. A história de uma relação entre uma jovem francesa e um americano de meia idade, baseada intergralmente em sexo, ainda causa sensação, quase 40 anos depois. O filme deu fama a Bernardo Bertolucci, acrescentou mais algumas bizarrices à biografia de Marlon Brando e destruiu a cabeça de Maria Schneider. E, depois dele, a margarina nunca mais foi a mesma.

Emmanuelle (1974): na verdade a personagem Emmanuelle Arsan já havia aparecido nas telas antes, mas foi a holandesa Sylvia Kristel que eternizou a dona de casa jovem e entediada que descobre um mundo de prazer e liberdade na Bangcock dos anos 70. O filme tinha masturbação, transa no banheiro do avião (que virou moda e acabou sendo chamada de ‘mile high club’), estupro e a eterna cena de uma praticante de pompoarismo fumando com a vagina. É o maior sucesso francês em bilheteria e acabou sendo distribuído sem cortes para os Estados Unidos, o que gerou uma legião de fãs. O efeito colateral é que por 30 anos, a personagem teve mais continuações que o pistoleiro Sartana. Foram 36 filmes, sendo que 11 com Kristel (quatro para o cinema e sete para a TV). Em tempo, aparentemente nunca houve uma Emmanuelle Arsan. Ela seria o pseudônimo de Louis-Jacques Rollet-Andriane.

O Império do Sentidos (1976): a história real do romance entre um homem casado e uma prostituta que se apaixonam e vivem um amor tão desenfreado que acaba com a morte dele, gerou um dos filmes mais polêmicos da história do cinema. O diretor Nagisa Oshima deu um tratamento de sexo explícito às cenas e o casal principal transou mesmo durante as filmagens, o que fez com que o filme não pudesse ser editado no Japão (teve de ir para a França) e fosse proibido e/ou cortado em diversos países do mundo. A história do filme até que é bem interessante, especialmente a conexão entre os dois e as cenas são bem quentes mesmo (a do ovo é ótima), mas o filme em si é muito chato. Para os de estômago fraco, o final pode chocar bastante.

Calígula (1979): imagine o que acontece quando um filme histórico, retratando um dos mais loucos, tarados e descontrolados imperadores romanos e escrito por um dos grandes nomes do século 20, é financiado por uma revista erótica. O resultado é esse “clássico” do mau gosto, que conseguiu colocar atores renomados como Helen Mirren, Malcolm MacDowell e Sir John Gielgud em cenas de sexo explícito. Na verdade, o filme foi dirigido pelo italiano especializado em filmes eróticos leves, Tinto Brass (responsável, por exemplo, por Monella com a deliciosa Anna Ammirati), baseado no roteiro de Gore Vidal. Depois de uma produção conturbada, com diretor, atores e roteirista se odiando, o produtor do filme, Bob Guccione, dono da revista Penthouse, resolve demitir Brass e tomar conta da edição do filme. Segundo ele, havia pouco sexo na história e dá-lhe colocar cenas de harcore. E mais, ao invés de chamar as modelos de sua revista, o homem contrata mulheres feias, gordas e velhas para dar um ar mais “realista”. O filme foi um fracasso de crítica e bilheteria e teve vários cortes, inclusive uma versão sem sexo.

Diabo no Corpo (1986): no ano de 1986, nós não éramos mais assim tão ingênuos em termo de sexo no cinema, mas o diretor italiano Marco Bellochio causou furor com uma cena explícita de sexo oral da então gatíssima atriz holandesa Marushka Detmers no seu parceiro de cena, Federico Pitzalis. A menina, então com 24 anos e uma das musas de Jean-Luc Godard (fez Carmem), se arrependeu amargamente da brincadeira, pois ela “acabou nublando suas outras performances”, como se o fato dela aparecer nua a todo momento no filme também não fizesse isso. A coisa deve tê-la mesmo traumatizado, porque logo depois estrelou no cinema americano com o terrível Os Reis do Mambo e depois sumiu.

O futebol americano no cinema

2011-09-16T09:39:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em setembro de 2011
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Se você for analisar o esporte no cinema hollywoodiano, verá que os filmes sempre caem na mesma história, ou é sobre alguém que se destacou ou será sobre superação individual ou coletiva. E, na maioria dos casos, junta-se as duas coisas e cria-se uma cinebiografia para lá de romanceada e dela tira-se a lição de conquista e glória. Dos esportes coletivos que o americano tanto ama, o futebol se destaca por uma carreira cinematográfica invejável. Como os caras de lá já começam a se pegar na porrada nos campos universitários, o cinema consegue trabalhar o tema desde cedo.

Pegue por exemplo, The Freshmen, comédia de 1925 de um dos reis do cinema mudo, Harold Lloyd. Ele, que tinha um domínio físico incrível, faz um calouro na faculdade, vítima de maus tratos, que tenta ser popular. Sua saída? Entrar para o time de futebol americano da escola (e o cara filmou mesmo com o time da USC, durante o intervalo de uma partida real em Berkeley).

Em 1932, os indefectíveis Irmãos Marx dão um jeito de avacalhar com o esporte universitário em Os Gênios da Pelota onde Groucho é Quincy Adams Wagstaff, presidente da Huxley University que contrata Harpo e Chico para tentar transformar o time no vencedor do campeonato, com resultados hilários.

Já em 1940, uma cinebiografia iria ajudar um ator a ter sua imagem eternamente atrelada a heroísmo e fazer dele um dos políticos mais bem sucedidos do século XX. Era Knute Rockne All American, que contava a história do lendário professor e treinador da Notre Dame University, Knute Rockne, desenvolvedor de passes e estratégias imitadas até hoje pelos amantes do esporte. O lance é que lá pelas tantas surge um jogador incrível e extremamente talentoso, que se dedica arduamente ao sucesso do time e o cara contrai uma doença fatal e morre como herói no hospital. O personagem, George Gipp, foi interpretado por nada mais, nada menos que Ronald Reagan e sim, o ajudou muito nas campanhas futuras para governador e presidente dos EUA. Nada como um bom futebol, não é?

Outro retratado nos anos de ouro de Hollywood foi Jim Thorpe, um mestiço de índio e irlandês que venceu as provas de decathlon e pentathlon nas Olimpíadas em 1912, mas viu tudo ir por água abaixo quando suas medalhas lhe foram tiradas por algumas tecnicalidades. Na decadência, acabou se tornando técnico de futebol americano. O filme de 1951 tinha Burt Lancaster como Thorpe e continha filmagens reais dos feitos do esportista.

Esquecido por um tempo e vendo uma série de filmes feitos para a TV, o futebol americano voltou às telonas em 1974 com o divertidíssimo Golpe Baixo com Burt Reynolds. No filme, ele é um antigo quaterback cumprindo pena que é convencido pelo sádico diretor da prisão a formar um time para jogar contra os guardas. E aí o que se vê na tela é quase uma rebelião, numa disputa muitoi interessante de poder e corrução. Em 2005 tivemos uma refilmagem com Adam Sandler que até que é boazinha, mas não chega aos pés do original.

Dos anos 1990 temos três destaques: um é Rudy de 1993 com o “hobbit” Sean Astin fazendo um rapaz (o Rudy, óbvio) fraco no físico e nas notas que almeja chegar a jogador do Notre Dame (escolhido pelo site Sports in Movies, como o segundo melhor filme sobre futebol americano. O primeiro lugar foi feito para a TV). Jerry Maguire de 1996, tinha Tom Cruise como um empresário com crise de consciência que decide se tornar independente e representar apenas um atleta, o jogador de futebol amicano Rod Tidwell, interpretado por Cuba Gooding Jr. Este levou o Oscar de Ator Coadjuvante e nunca mais fez nada e o filme eternizou a frase “Show me the money!”. Já Um Domingo Qualquer de 1999, dirigido por Oliver Stone, mostrava os bastidores de um time, com uma presidente pressionando bravamente o técnico veterano que tem como problema um jovem talentoso e problemático como estrela do elenco. É mais ou menos uma junção da história recente do Flamengo com os técnicos que tiveram que enfrentar o Neymar, entende?

Nos anos 2000 tivemos uma avalanche de filmes sobre o esporte, praticamente com a mesma premissa. Em 2000 veio Duelo de Titãs (baseado em fatos reais, técnico negro treina time integrado numa época onde negros e brancos não se misturavam, dando um exemplo para a comunidade), Meu nome é Radio de 2003 (baseado em fatos reais, técnico treina rapaz com problemas mentais e o torna um exemplo para a comunidade), Tudo pela Vitória de 2004 (baseado em fatos reais, treinador em time pequeno de Odessa no Texas, dá o exemplo para a comunidade falida e racista), Somos Marshall de 2006 (baseado em fatos reais, depois que um acidente de avião dizima o time da universidade de Marshall em 1970, estudantes tentam conseguir que jogar no campeonato de 1971, dando uma lição para a comunidade), Um Sonho Possível de 2009, deu o Oscar a Sandra Bullock e adivinhe? É baseado em fatos reais. E quer mais? Mulher rica ajuda rapaz pobre a se tornar estrela do futebol americano. E, por incrível que pareça, se torna um exemplo para a comunidade.

No fim das quantas, é um tema que não acabará tão cedo. Mas na minha opinião, o melhor filme sobre futebol americano ainda é Goofy Sports -- How to Play Football, o curta metragem da série de esportes do Pateta, onde a Faculdade de Taxidermia enfrenta o time da turma de Antropologia e o resultado final acaba sendo meio ponto a mais para o vencedor. Pelo menos aí você se diverte e a lição que fica é que a vida é surreal mesmo!

Dez ótimos filmes de viagem no tempo

2011-09-16T09:35:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em setemrbo de 2011
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Se existe um tema que fascina muita gente e que o cinema não se cansa de explorar é a viagem ao tempo. Seja abordando o retorno ao passado para tentar mudar as coisas ou a tentativa de conhecer o futuro antes que ele realmente aconteça, os filmes usam o recurso para divertir ou fazer pensar, mas invariavelmente faz com que alguém venha com a questão do “paradoxo”, ou seja, questione se você voltar para o passado e matar seu avô quando criança, como a coisa fica? Resposta nerd mais esclarecedora: você cria uma nova linha temporal. Pelo menos foi isso que JJ Abrahams usou no novo Star Trek com ótimo resultado.

Nesta sexta-feira (2), teremos a estreia da visão brasileira do assunto, com Wagner Moura retornando à sua juventude para evitar uma humilhação amorosa em O Homem do Futuro. Então nada melhor do que relembrar outros grandes filmes que mexeram com linha temporal e conseguiram ótimos resultados.

1. A Máquina do Tempo (1960)

HG Wells foi um escritor inglês que, como muitos do gênero, usaram a ficção científica como subterfúgio para mostrar as mazelas da sociedade e do ser humano. Em 1895, publicou a obra ‘A Máquina do Tempo’ que se tornou um tremendo filme em 1960, com Rod Taylor como o homem que inventa um dispositivo que o leva para o ano de 802.701. Lá, encontra uma sociedade de adultos com atitudes infantis, vivendo bucolicamente e depois descobre que, na verdade, eles eram “gado” para uma raça de monstros subterâneos, os morlocks. O clássico, que ganhou um Oscar de Efeitos Especiais, pela incrível cena da passagem do tempo, foi dirigido por George Pal, que também levaria às telas A Guerra dos Mundos, de Wells. Em 2002, o bisneto do escritor fez sua versão da obra com Guy Pearce no papel principal e mostrou que a genialidade não é hereditária na família. O filmeé uma bomba. Mais sorte teve Nicholas Meyer que, em 1979, dirigiu a divertida fantasia Um Século em 43 Minutos, onde HG Wells teria realmente construído a máquina, mas ela é roubada por Jack, o Estripador que a traz para a São Francisco dos anos 1970. O escritor, temendo pelo futuro, vai no encalço do assassino, mal sabedo que o pobre Jack está muito mais compatível com a sociedade atual do que ele pensava.

2. Efeito Borboleta (2004)

Com base na teoria do caos, cujo dito popular diz que o bater as asas de uma borboleta em um canto da Terra pode provocar um tsunami em outro canto, esse filme bacaninha e menosprezado mostra Ashton Kutcher como um rapaz que possui o poder de incorporar em si mesmo quando criança e alterar os acontecimentos de sua vida. O problema é que a cada vez que ele faz alguma coisa, muda os eventos radicalmente e só consegue piorar a sua situação. E tenho que tirar o chapéu para os diretores que, em um mundo onde alívio é entregue de graça no cinema, tiveram a coragem de fazer um filme sem final feliz. Teve continuações descartáveis.

3. Jornada nas Estrelas IV: A Volta para Casa (1986)

A série clássica Jornada nas Estrelas brincou bastante com viagem ao tempo e nada mais natural do que levar o assunto para o cinema, nas mãos do próprio Sr. Spock. Leonard Nimoy já era ecologista de carteirinha numa época em que isso era sinônimo de chatice e dirigiu o quarto episódio da franquia mostrando Kirk e sua turma voltando para a São Francisco de outrora em busca de uma baleia jubarte, o único bicho que poderia salvar a Terra do futuro de uma sonda destrutiva e que se escontrava em extinção no século 23. É o mais engraçado dos filmes de Jornada, com muita piada em cima dos personagens estarem perdidos no passado atrasado. Viagem ao tempo acabou voltando para a franquia, agora com o pessoal a Nova Geração, no ótimo Primeiro Contato.

4. Em Algum Lugar do Passado (1980)

Esse filme fez toda uma geração se matar de chorar nos cinemas ao contar a bela história do um rapaz (Christopher Reeve) que se torna obcecado por uma atriz de 1900 e consegue voltar no tempo através de auto-hipnose, para assim viver um romance com ela. A trilha sonora lacrimosa de Roger Williams ficou famosa e usada em casamentos e programas de humor. O filme abriu caminho para outros bons romances com tempo envolvido como Te Amarei para Sempre, A Casa do Lado e outros só simpáticos como Kate & Leopold.

5. A saga do Exterminador do Futuro

James Cameron pegou todo mundo de surpresa em 1984 com essa ficção incrível que deu fama e fortuna para Arnold Schwarzenegger (depois que Stallone recusou o papel). O filme gerou várias continuações, mas a segunda ainda consegue ser a melhor de toda a cinessérie. O andróide de Arnie acabou entrando duas vezes na lista de melhores heróis e vilões do cinema, promovida pela AFI. Pelo primeiro Exterminador, ele ficou em 22o lugar entre os 50 vilões e pelo segundo filme da série é 48o herói.

6. A Fuga do Planeta dos Macacos (1971)

Podemos considerar O Planeta dos Macacos como um filme de viagem ao tempo (embora ele seja muito mais do que isso, ficando entre as nelhores ficções já feitas), mas é no terceiro filme da série que a coisa fica mais explícita, com um grupo de macacos chegando ao passado e fazendo todo mundo ficar de cabelo em pé quando descobrem que o filho dos símios Dr. Cornelius e Dra Zira vai chefiar a revolta da macacada no futuro. Divertido e bem estruturado, é a única sequencia do filme original que realmente vale a pena.

7. Peggy Sue – Seu Passado a Espera (1986)

Na mesma época de De Volta para o Futuro, Francis Ford Coppola mostrou uma pessoa voltando aos nostálgicos anos 1950. Kathleen Turner, então grande musa oitentista, era uma mulher de 43 anos que leva uma vida fracassada e, em uma reunião de antigos colegas de escola, desmaia e acorda no passado, tendo a chance de mudar sua vida. O filme tem ótimas cenas de humor (como ela tentando fazer com que o namorado – e futuro marido – vivido por Nicholas Cage, grave ‘She Loves You’ antes dos Beatles) e momentos ternos (como Turner com os avós, falecidos no futuro), mas trata principalmente de lidar com algumas frustrações da vida.

8. Corra, Lola, Corra (1998)

Não é propriamente um filme de viagem ao tempo, mas lida – principalmente – com o tempo em si ao mostrar a história de uma jovem alemã que precisa conseguir cem mil marcos em 20 minutos ou seu namorado pode perder a vida. O diretor Tom Tykver mostra a mesma situação, de três maneiras diferentes, com uma pequena variação no tempo em que a menina se desloca, fazendo alterar completemente o curso da ação. Mais ou menos quando você perde aquele semáforo aberto e se vê parando em todas as esquinas a seguir.

9. Os 12 Macacos (1995)

Terry Gilliam é um diretor que ou se ama ou se a0deia. Eu, particularmente, sou fã de seu trabalho em obras como Brazil – o Filme, O Pescador de Ilusões e outro sobre viagens temporais, Os Bandidos do Tempo. Em 12 Macacos temos um prisioneiro (Bruce Willis) vindo do futuro para impedir que um louco solte um vírus devastador na Terra. Tomado com insano, é mandando para um hospício onde conhece Brad Pitt, que pode ter muito a ver com o destino da humanidade. As cenas da Nova York deserta, cheia de animais selvagens (que podem ter inspirado, anos depois, algumas sequencias de Eu sou a Lenda) e o final desolador são fantásticas.

10. Toda a série de De Volta para o Futuro

Era para ser uma geladeira e ter apenas um capítulo, mas quis o destino que o herói andasse numa máquina do tempo acoplada em um De Lorean e que o filme fizesse tanto sucesso que gerasse duas crias. De Volta para o Futuro de 1985 é mais que um clássico tipo “sessão da tarde”. É dinâmico, bem feito, atemporal (ok, um trocadilho bacaninha nesse post) e com um dos finais mais transados em aventuras juvenis. De Volta II já fica mais pesado com o vai e volta no tempo e a Terra alternativa onde Biff Tannen manda em tudo, mas é com De Volta III que temos uma das grandes homenagens e brincadeiras em cima do faroeste com sequencias e piadas para deixar qualquer cinéfilo feliz da vida (sempre rio com o lance de “Clint Eastwood vai ser conhecido cmo o maior covarde do oeste”). Não há mais lista de viagem ao tempo sem esses três filmes e com certeza, eles podem ser considerados os melhores do gênero.

O grande filme de ação de Hitchcock

2011-09-16T09:29:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em agosto de 2011
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Cheguei à conclusão que Intriga Internacional de 1959 é um filme que se comporta como um bom vinho. Quanto mais tempo passa, melhor fica. E não é para menos! Possui uma série de ingredientes campeões para dar certo. A começar pela direção segura do próprio Hitch à vontade em um de seus temas recorrentes, o do homem errado. Depois vem o roteiro fantástico de Ernest Lehman, que escrevera Sabrina, o cáustico A Embriaguez do Sucesso e depois nos daria Trama Macabra. Some a isso a fantástica música de Bernard Herrmann e a abertura de Saul Bass e já se tem um filmão.

A idéia do filme começou quando Hitchcock comentou com Lehmann em um almoço que queria poder fazer um filme com uma perseguição nos rostos dos presidentes do Monte Rushmore. Disse ainda que queria uma cena que fosse passada no prédio da ONU, onde uma sessão não poderia começar enquanto não acordassem o representante do Peru (palavras dele, não minhas). Assim, o roteirista desenvolveu a história de um publicitário de sucesso, Roger Thornhill, que é confundido com um espião, George Kaplan, e precisa escapar de vilões e ainda tentar achar o verdadeiro Kaplan. O problema é que o agente não existe. É apenas um personagem inventado pela inteligência para distrair seus inimigos. Ainda no caminho surge uma bela loura sedutora para complicar ainda mais (ou não) a vida de Thornhill.

Hitchcock acreditava que vilões deveriam ser muito bem construídos ou o filme naufragava, então o sempre classudo James Mason foi escalado para ser o homem que transforma a vida do publicitário em um inferno e um “mefistofélico” Martin Balsam era seu braço direito (é engraçado como este só ficou “simpático” depois de velho). James Stewart, veterano dos filmes de Hitch, queria desesperadamente o papel de Thornhill, mas o diretor o achava “muito velho” para o personagem. Os estúdios tentaram empurrar Gregory Peck, mas Cary Grant acabou sendo escolhido, mesmo sendo quatro anos mais velho que Stewart. Hitchcock tinha uma paixão platônica por louras sensuais como Grace Kelly até mesmo para suplantar o fato de ser feio, velho e muito gordo. Em Intriga Internacional a bola da vez foi Eva Marie Saint, que aparecera em Sindicato de Ladrões.

Aliás as cenas entre Eva e Grant são daquelas de fazer você pensar em porque nunca uma mulher desconhecida falou com você daquele jeito. Existe uma química toda especial entre os dois e o processo de sedução é verdadeiramente invejável, com diálogos precisos e troca de olhares esclarecedoras (se você assistiu também Os Agentes do Destino e prestou atenção em Matt Damon e Emily Blunt sabe do que estou falando).

Outra coisa que se destaca neste clássico são as cenas de ação. A mais famosa acabou sendo a de Grant sendo perseguido por um avião em meio a um campo aberto. O extraordinário da sequencia é justamente os momentos de silêncio que antecedem a tensão, com Grant de um lado da estrada e um caipira do outro até que este último comenta que o avião estava pulverizando uma área que não possuía plantações. É o bastante para sabermos que algo de ruim vem por aí. Quando entrevistado por Truffaut, Hitch disse que quis zombar com o clichê do “personagem que vai em direção à própria morte”, criando todo um clima só para Grant poder escapar. E, obviamente, temos a sequencia final no Monte Rushmore. Aliás, antes dela, temos um dos mais famosos furos do cinema, quando na cena do tiro no restaurante do parque, se você prestar atenção em um menino no lado direito da tela, verá que ele leva os dedos ao ouvido bem antes do tiro ser disparado. E, em tempo, apesar do filme ter uma sequencia na ONU (filmada sem permissão), não há nenhuma menção do delegado do Peru.

Hitchcock tinha um contrato com a MGM onde o estúdio não podia interferir com o filme e assim conseguiu fazer um dos melhores filmes de mistério e espionagem já produzidos. Acabou sendo escolhido o 55o melhor filme do século pelo American Film Institute e o grande encerramento da fase de ouro de Alfred Hitchcock, já que no ano seguinte ele partiria para uma experiência mais aterradora com Psicose.

Well done, Sir Sean Connery

2011-09-16T09:23:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em agosto de 2011
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Sir Thomas Sean Connery, o escocês mais famoso do mundo depois do uísque, chega aos 81 anos de idade hoje, 26 de agosto e ainda é um daqueles caras que a gente quer ser na próxima encarnação. Connery é considerado por muitos o melhor James Bond, conseguiu escapar brilhantemente do espectro do personagem e encarnar tipos fascinantes como um almirante russo em A Caçada ao Outubro Vermelho, um rei grego em Os Bandidos do Tempo, um irlandês em A Lenda dos Anões Mágicos, um americano em Encontrando Forrester entre tantos outros. E todos escoceses, segundo ele.

Connery foi leiteiro, marinheiro, salva-vidas, polidor de caixões e modelo até cair no teatro em 1951 e depois em pequenos papéis no cinema. Logo no começo de sua carreira cinematográfica ocorreu um incidente que iniciou a sua fama de machão. Ao trabalhar em Vítima de uma Paixão ao lado de Lana Turner, Sean teve que enfrentar o ciume doentio do namorado da atriz, o gangster Johnny Stompanato. O bandido invadiu o set de arma em punho e ameaçou o ator, que simplesmente desarmou o cara e meteu-lhe um direto na cara, derrubando-o. Por alguns meses, Connery teve que tomar cuidado porque o chefão de Stompanato, o mafioso Mickey Cohen, queria pegá-lo.

E foi por essa atitude máscula, pelo jeito blasé, o charme e elegância que em 1952, Connery se tornou James Bond, contrariando o criador do personagem que preferia alguém mais aristocrático como David Niven ou James Mason. Foram cinco filmes do personagem na cronologia oficial e um “por fora”, na refilmagem de ‘Thunderball’, Nunca Mais Outra Vez. Essa masculinidade heróica pontuou todos os outros papéis de sua carreira, inclusive já na idade avançada, trabalhando em ótimas aventuras como Highlander – O Guerreiro Imortal, Os Intocáveis e o divertido e exagerado A Rocha e outras bem duvidosas como A Liga dos Cavalheiros Extraordinários ou Armadilha. Também estreou dramas interessantes tais como Encontrando Forrester e Corações Apaixonados. E, em uma homenagem incrível, foi o pai de Indiana Jones em A Última Cruzada.

Sean Connery também sempre foi o rei de declarações polêmicas, daquelas que as pessoas pedem uma retratação e ele faz que não está nem aí. Causou furor ao dar uma entrevista nos EUA e quando indagado se era verdade que ele tinha batido em sua ex-mulher, tascou “que dar uns tapas de vez em quando era necessário e bom”. Ao ser criticado por ter deixado de torcer pelo Celtic FC e passar a apoiar os Rangers FC, disse “eu torço para quem joga melhor. Ter uma dedicação religiosa a um time não diz nada para mim”. Recusou ser Gandalf na trilogia de O Senhor dos Anéis porque “não entendeu nada”. E finalmente, quando decidiu se aposentar das telonas depois do péssimo A Liga Extraordinária, afirmou que estava farto com os idiotas e com o abismo cada vez maior entre as pessoas que sabem como fazer filmes e aqueles que o aprovam. E complementou: “Eu não digo que eles são todos idiotas – Eu só estou dizendo que há um monte deles”.

Connery chega aos 81 anos como Cavaleiro do Império Britânico, com um Oscar, dois Bafta e três Globos de Ouro na estante, uma estátua de bronze em Tallinn, capital da Estônia e em 1999 foi escolhido o homem mais sexy do século pela revista People. Jolly pretty good and congratulations, old chap!

‘Sindicato de Ladrões’: entre o dedodurismo e fazer o certo

2011-09-16T09:20:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em agosto de 2011
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Em tempos onde a cada escândalo político os nossos homens na Capital Federal ficam mais preocupados em saber quem vazou informações do que descobrir se seu parceiro de partido é mesmo desonesto, nada mais interessante e atual que assistir um dos maiores filmes norteamericanos de todos os tempos, Sindicato de Ladrões de 1954.

Este é um clássico que só tem predicados. Ganhou oito Oscars (melhor filme, diretor, ator, atriz coadjuvante, roteiro, fotografia em P&B, edição e direção de arte em P&B), é considerado o melhor trabalho de Marlon Brando e o American Film Institute o encheu de prêmios quando foi escolher os 100 maiores do século – pegou 8o lugar entre os melhores filmes, 23o como melhor herói para o personagem de Marlon Brando, 3o lugar entre as melhores frases de filmes (“Você não entende! Eu poderia ter classe. Eu poderia ter sido um lutador. Eu poderia ter sido alguém em vez de um vagabundo, que é o que eu sou”), 22o lugar entre as trilhas sonoras, entre outros. Até mesmo o Vaticano, em 1995, o elegeu um dos 45 melhores filmes de todos os tempos.

Sindicato de Ladrões tem sua ação passada nos portos de Hoboken em New Jersey, onde mafiosos dominavam o sindicato de estivadores. Qualquer um que decidisse colaborar com o comitê de investigações criminais do governo tinha um fim terrível. O ex-boxeador tornado portuário Terry Malloy (Brando) acaba entrando em crise de consciência quando, inadvertidamente, ajuda os bandidos a matar um “canário” (ou seja, um cara que “canta” para a polícia). A coisa complica mais ainda para ele quando se apaixona pela irmã do defunto (Eva Marie Saint em sua estréia nas telonas) e ele fica entre a lealdade a ela ou a seu irmão (o sempre ótimo Rod Steiger), braço direito do chefão Johhny Friendly (Lee J. Cobb). Ainda para colocar mais lenha na fogueira, um padre (Karl Malden) está incentivando os trabalhadores a dedar as atividades criminosas.

Numa época onde os americanos ‘baby boomers’ estavam começando a ver que seu país não era aquele idílio terrestre com perseguição a esquerdistas, limitação dos direitos individuais e a guerra fria começando com toda a força, o filme caiu como uma bomba e fez um sucesso imediato. Acontece que a história por trás das filmagens é tão ou mais interessante que o próprio clássico.

A idéia do roteiro veio de uma série de reportagens publicadas em 1949 no jornal New York Sun pelo jornalista Malcolm Johnson, mostrando a corrupção nas docas de Manhattan e do Brooklin. O diretor Elia Kazan e seu amigo, o teatrólogo Arthur Miller, escreveram a história para as telas e apresentaram aos estúdios, que pediram para substituir os mafiosos por comunistas. Miller recusou-se terminantemente e foi enquandrado como “anti-americano”. Em 1952, Kazan, para preservar sua carreira e continuar dirigindo filmes, deu declarações espontâneas para o Comitê de Atividades Anti-americanas do Senador MacCarthy e sua atitude acabou com a vida profissional de muita gente. Miller rompeu com o parceiro e Kazan chamou outro ‘dedo-duro’, Budd Schulberg para dar um trato no roteiro (mantendo os mafiosos).

Os estúdios queriam alguém de peso para estrelar o filme e chamaram Marlon Brando, que num primeiro momento recusou. Frank Sinatra se ofereceu a fazer o papel de Malloy, mesmo porque era de Hoboken e conhecia as condições dos homens do porto, mas o jovem olhos azuis ainda não era “O SR. Sinatra” e assim o ator Karl Malden fez uma artimanha para conseguir conquistar Brando. Pegou seu maior rival de Actor´s Studio e fez com que Kazan filmasse uma cena com ele e a atriz Joanne Woodward. Brando assistiu a cena e fechou o contrato com o estúdio para desgosto e ódio de Frank Sinatra. Em tempo, o ator desconhecido que fez a cena proposta por Malden era um jovem Paul Newman que, anos depois, se casaria com Joanne Woodward e faria história no cinema.

É interessante notar que os outros atores do filme vieram de teatro (como Steiger) ou eram pessoas que realmente trabalhavam nas docas. Os próprios guarda-costas do chefão Friendly era antigos boxeadores. Também é de se destacar a interpretação de Marlon Brando. É através dele que temos as grandes cenas do filme como ele brincando e vestindo uma luva de Eve Marie Saint (algo que fez naturalmente nos ensaios e Kazan incorporou à cena), a famosa cena do taxi com Steiger (que ficou eternamente magoado porque nas cenas de close ele estava sozinho, já Brando saiu do set para ir à terapia) e a cena final, com seu andar cambealeante para desafiar o poder local.

Para muitos, Elia Kazan justificou sua atitude em entregar colegas ao Comitê, através da decisão tomada por Malloy no filme. De qualquer forma, o diretor de tantos filmes excelentes como A Luz é para Todos, Uma Rua Chamada Pecado, Vidas Amargas e Clamor do Sexo nunca conseguiu se desatrelar da fama de alcagueta. Em 1999, causou polêmica a decisão premiá-lo com um Oscar Especial pela sua obra, mas como disse Gregory Peck “o trabalho de um homem deve ser separado de sua vida pessoal”. E assim, sob algumas vaias e muitos aplausos, Kazan recebeu sua estatueta das mãos de Robert De Niro e Martin Scorcese e Sindicato de Ladrões continuará sempre como uma das mais belas peças sobre fazer o certo e defender o justo, apesar de toda oposição em contrário.

Um lanterna verde demais

2011-08-19T12:37:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em agosto de 2011
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Para quem lê HQs, o Lanterna Verde é um personagem bem bacana. Teve duas versões, uma com poderes mágicos criada em 1940 e outra, com poderes cósmicos em 1959. Nesta segunda, o portador do anel verde era um piloto de caças, Hal Jordan, que encontra um alienígena moribundo que faz parte de uma tropa interplanetária, os Lanternas Verdes. Jordan passa a combater o crime com a ajuda do anel energético que cria construtos com a força do pensamento. O personagem passou por inúmeras reformulações com o passar do tempo, indo de herói para vilão, para depois retornar ao seu papel de maior combatente da força esmeralda e um dos grandes best sellers da DC Comics nos últimos cinco anos graças a três sagas interligadas, ‘A Guerra dos Anéis’, ‘A Noite Mais Densa’ e ‘O Dia mais Claro’. Ou seja, o cara sempre foi jovem, intérprido, bom no que fazia e muito cool.

Era óbvio que, com o sucesso dos filmes de super-heróis, o personagem iria parar nas telonas de cinema e conquistar uma nova geração. Ao contrário da Marvel, sua maior concorrente, a DC Comics não tem muita sorte com esse tipo de transposição dos quadrinhos para a sétima arte. Teve Superman e Superman II no começo da década de 1980, que eram fantásticos, e depois a série irregular de Batman nos anos 1990, mas tirando o Homem-Morcego de Chris Nolan no século 21 (quando esse genial diretor resolveu deixar o super-herói mais próximo da realidade), o resto é um fiasco. Vidce a tentativa frustrada de levar a Mulher-Maravilha para uma nova série de TV, já abortada no piloto.

Então para se blindar, nada melhor do que chamar para a direção o homem que ressucitou James Bond duas vezes (com Goldeneye e Cassino Royale), Martin Campbell, investir em efeitos especiais deslumbrantes e ter no elenco um cara que, em poucos minutos, roubou a cena de X-Men Origens: Wolverine, Ryan Reinolds; bons atores como Tim Robbins e Peter Saarsgard (do ótimo Educação); o ‘Jose Lewgoy’ gringo Mark Strong (0 cara só faz papel de vilão como em Sherlock Holmes, Kick-Ass, Rock´n´rolla etc) e ainda a gracinha Blake Lively como mocinha do filme. Com essa fórmula não tem como dar errado, não é?

Deu. Lanterna Verde é chato, primário, irregular, sem ritmo e ótimo somente para aqueles que tem até 12 anos de idade. Para começar, existe uma coisa que todos deveriam ter aprendido com George Lucas e sua série recente de Star Wars: é impossível trabalhar bem na frente da tela verde. Se bons atores e atrizes, como Natalie Portman por exemplo, parecem robôs nessa situação, o que dizer de um cara medíocre como Reynolds? Seu Hal Jordan carece de carisma, é chato e óbvio e sua interpretação resume-se a duas caretas, uma séria e outra rindo.

Além disso, mesmo que o rapaz tivesse a força interpretativa de um Marlon Brando, nenhum filme sobrevive a um roteiro ruim e simplista e olha que o este tem quatro roteiristas. Por duas horas o que vemos é um desfile de clichês, como a cena do ‘treinamento do herói’ (porque todo sargento de treinamento tem que falar as mesmas frases, não importa a época, o filme ou o planeta?), cenas constrangedoras como a exposição das qualidades humanas no Conselho dos Guardiões (que me lembrou o final de outro péssimo filme dos anos 1980, Minha Noiva é un Extraterrestre) e coisas patéticas como os construtos idiotas que o herói usa para salvar pessoas (até mesmo um dos personagens do filme reclama). De resto são piadas sem graça (nem a tentativa de imitar o tom de voz do Batman funciona), não há nenhuma química no casal principal e no final, é uma oportunidade perdida de se fazer um grande filme com um grande personagem.

Uma vez, um editor de quadrinhos de heróis me explicou que um dos motivos do sucesso da Marvel foi ter personagens em que as pessoas pudessem se refletir. A trinca principal da DC era um alienígena, um multibilionário e uma mulher mitológica, enquanto na rival temos num menino nerd com poderes de aranha, um médico deficiente que ao bater sua bengala no chão se transformava em um deus nórdico e um bando de adolescentes que ao invés de espinhas, tinha superpoderes. Nas telonas, a Marvel parece ter um projeto para seus personagens, modernizando-os sem perder a essência e entendendo que o meio cinema é diferente do meio quadrinho. Ela, no geral, respeita sua mitologia e não desrespeita o público, fanático ou não. A DC parece não compreender a importância de suas criações no imaginário pop e os coloca já como perdedores nas telas de cinema (estranhamente nas animações isso não ocorre). Eles ficam sem personalidade e sem a força que tem nos quadrinhos.

Enfim, na sala mais densa, o Lanterna Verde não vai tornar seu dia mais claro, mas seguramente vai ganhar uma sequência (no final dos créditos tem a famosa cena adicional com Sinestro e um anel amarelo). Só nos resta agora aguardar para ver o que a dupla DC/Warner vai fazer com o Homem de Aço dirigido por Zack Snyder, aquele que conseguiu realizar um ótimo trabalho com as HQs 300 e Watchmen, mas patinou feio com Sucker Punch.

E, em tempo, Ryan Reynolds volta às HQs em 2013 como o mercenário falastrão Deadpool. Desta vez da Marvel.

Sean Penn, politicamente nervoso

2011-08-19T12:33:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em agosto de 2011
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No Oscar de 2009, Robert De Niro foi apresentar Sean Penn, então concorrendo ao prêmio de melhor ator por Milk e disse “Sean, como você pode? Você é o cara mais macho que e conheço e conseguiu fazer um perfeito gay. Como você pode?”. Sean Penn pode porque é, de longe, o melhor ator de uma geração. O cara que começou fazendo uma pontinha em um episódio da série de TV Os Pioneiros aos 14 anos de idade (porque seu pai era o diretor) é hoje uma grife, no sentido de transformar qualquer filme em um ótima experiência.

Sean já teve várias facetas. Fez um tremendo sucesso com o drogado surfista Jeff Spicoli de Picardias Estudantis de 1982, quase se transformou no Sr. Madonna quando se casou com a cantora em 1985 e viu sua carreira crescer com boas escolhas de papéis como o filho de Chris Walken em Caminhos Violentos, o oficial novato de As Cores da Violência, o advogado de Pacino em Pagamento Final até que surgiu um filme que mostraria a força de sua interpretação. Em 1995, Penn fez até estátuas chorarem com Os Últimos Passos de um Homem, onde interpretou um condenado no corredor da morte e seus últimos dias ao lado de uma freira, baseado no trabalho real de Helen Prejean. Pelo papel, Sean ganhou seu primeiro Oscar.

Em 2001, o ator deu mais um show de interpretação como um deficiente mental que luta pela custódia da filha de sete anos no sensível Uma Lição de Amr, um filme que na mão de qualquer outro ator escorregaria no piegas, mas não nas dele (levou uma Palma de Ouro em Cannes pelo personagem). Depois vieram Sobre Meninos e Lobos (numa atuação de dar medo), 21 Gramas, A Grande Ilusão (a boa refilmagem do clássico de 1949), o já citado Milk (quando levou sua segunda estatueta) e agora A Árvore da Vida. Em 2013, ele aparecerá como o chefão Mickey Cohen em The Gangster Squad ao lado de Josh Brolin e Ryan Gosling.

Mas o que impressiona também nesse homem é sua força vital. Penn é daqueles que defende seu ponto de vista e é extremamente politizado. Tudo isso sem deixar de ser um cara bravo pacas. Quando casado com Madonna ganhou fama de violento depois de esmurrar um fotógrafo. Depois, assumiu uma guerra pessoal contra George W. Bush e sua campanha no oriente médio. Chegou a visitar o Irã e o Iraque, gastou US$ 56 mil para colocar um anúncio no Washington Post em 2002, pedindo ao presidente que acabasse com suas agressões a outros países e à liberdades civis e por causa disso ficou amigo do “ditador democrático” Hugo Chávez. De quebra, mandou uma carta aberta aos criadores de South Park, por causa de certas piadas do filme Team America onde terminava com um singelo “All best, and a sincere fuck you”.

Por outro lado é um ardente defensor dos direitos dos gays, lésbicas e transexuais, foi ajudar pessoalmente no resgate de vítimas do furacão Katrina em Nova Orleans e quando do terremoto do Haiti, bancou um campo de refugiados ajudando mais de 55 mil pessoas. Se você somar ao fato de que já esteve envolvido com as mulheres do naipe de Susan Sarandon, Robin Wright, a cantora Jewel, Scarlet Johansson e Elisabeth McGovern, ele, que completa 51 anos de idade hoje, 17 de agosto (junto com Bob De Niro, aliás, que faz 68 anos), se torna seguramente o cara que a gente gostaria de ser.

Jane Birkin, o mais famoso gemido

2011-08-19T12:29:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em agosto de 2011
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Olhe bem para a foto ao lado. Preste bem atenção nesse homem e grave a fisionomia dele para os momentos em que você achar que aquela menina é muita areia para o seu caminhãzinho. Pois esse cara aí era Serge Gainsbourg, compositor e cantor francês, feio, magro demais, fumante inveterado, orelhudo, entornava todas, criador de uma das músicas mais nauseabundas já lançadas e que, apesar de tudo isso, conquistou duas das maiores musas dos anos 1960, Brigitte Bardot e a espetacular Jane Birkin (agora sim, olhe para a foto abaixo).

Birkin é inglesa de Londres, nascida em 1946 que, entre 1965 e 1968, foi casada com o compositor das trilhas dos filmes de James Bond de Sean Connery, John Barry. Bonita, magra, branca, com belíssimos olhos verdes, despontou no cinema com uma pequena participação em Blowup de 1966, dirigido por Michelangelo Antonioni. Em 1968, sem saber francês, a menina foi para a França disputar o papel principal no filme Slogan de Serge Gainbourg. Ganhou a personagem e o diretor.

Serge vinha de um tórrido affair com Bardot e foi com ela que gravou a versão original de ‘Je t’aime… moi non plus’, aquela música que reproduz o diálogo de dois amantes e a mulher fica sussurrando e tendo orgasmos. O lance é que Bardot se casou com o industrial alemão Gunther Sachs, que não queria ficar escutando sua dileta esposa gemendo nas rádios e proibiu seu lançamento (uma das histórias que rolou na época é que os dois haviam gravado a canção fazendo sexo de verdade, ao que Gainsbourg comentou: “se tivesse sido assim, a música seria um lado inteiro de um long-play”).

Assim, abandonado por Brigitte e apaixonado por Birkin, Serge regravou ”Je T´Aime’ com seu novo amor e o casal e a música estouraram nas paradas, mais pela polêmica, do que pela qualidade musical. A canção foi condenada pelo Vaticano, proibida em vários países (o Brasil militar, inclusive, mas também pela Inglaterra, EUA, Itália etc) e muito tempo depois f0i regravada por Donna Summer e – SOCORRO! – pela orquestra de Ray Connif.

Em 1973, Birkin chocou o mundo de novo atuando como a amante da ex-amante de seu marido, Brigitte Bardot, no filme Don Juan (também conhecido como Se Don Juan fosse Mulher), péssimo em roteiro e atuações, mas que conseguiria atrair marmanjos ao cinema com suas cenas de teor lésbico. A inglesinha cativara os franceses e em 1975 recebeu uma indicação ao César (o Oscar francês), por sua participação em Je t’aime… moi non plus – 0 filme. Depois disso trabalhou com grandes nomes do cinema francês, fez dois filmes americanos baseados em Agatha Christie (Morte no Nilo e Assassinato num Dia de Sol - ambos com Peter Ustinov como Poirot) e continuou com a carreira musical e celebridade, tornando-se em 1982 modelo de bolsa da famosa marca Hermés, a bolsa Birkin.

Seu neurótico casamento com Serge durou até 1980 quando ela o deixou pelo diretor de cinema Jacques Doillon. De legado, além da música preferida do Djalma Jorge (essa só os paulistanos acima de 40 anos vão sacar), o casal musical deixou uma filha, Charlotte Gainsbourg, que ganhou a Palma de Ouro de melhor atriz no Festival de Cannes de 2009 pelo polêmico Anticristo de Lars Von Trier. A história de Serge e suas musas podem ser conferidas no filme Gainsbourg – O Homem que Amava as Mulheres de Joan Sfar, ainda em cartaz nos cinemas brasileiros, com Birkin sendo interpretada por Lucy Gordon e Bardot por Leticia Casta.

John Cazale, o melhor coadjuvante de todos os tempos

2011-08-19T12:27:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em agosto de 2011
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Se não tivesse morrido de cancer em 12 de março de 1978, John Cazale teria completado 75 anos hoje. Cazale é um desses fenômenos na história de alguma arte que acontece muito raramente, mas deixa marcas. Isso porque o cara só trabalhou em cinco filmes em toda a sua carreira, todos como coadjuvantes e todos esses filmes não só concorreram ao Oscar de Melhor Filme, como se tornaram clássicos e indispensáveis. E, somando a tudo isso, está o fato de que esse ator, natural de Boston, está excelente em todos eles.

Cazale começou no teatro no começo de seus 20 anos e fez uma grande amizade com outro estreante, Al Paci. Os dois trabalharam juntos em algumas peças e ganharam prêmios Obie , dados aos melhores do circuito Off-Broadway. John também chegou a dividir os palcos com Robert De Niro e Meryl Streep (com que namorou até sua morte).

A chance nos cinemas veio com O Poderoso Chefão no marcante papel de Fredo, o mais fraco dos irmãos Corleone. Copolla se impressionou tanto com o trabalho que o chamou para seu próximo filme, o ótimo A Conversação ao lado de Gene Hackman e aumentou a participação de seu personagem em O Poderoso Chefão 2 – aquele onde Fredo decepciona MUITO seu irmão Michael.

Em 1975, Pacino e Cazale estrelam o melhor filme de assalto de todos os tempos, Um Dia de Cão. O clássico é baseado em fatos reais ocorridos em NY e o diretor Sidney Lumet estava receoso de colocar Cazale, já que o ator em nada parecia com o verdadeiro Sal (que tinha apenas 18 anos de idade quando do crime). Suas dúvidas se dissiparam no teste e sua interpretação foi tão forte que um jornalista da Assciate Press chegou a escrever que “Cazale quebrou corações na tela com representações de homens voláteis, vulneráveis e vacilantes, especialmente o parceiro de Pacino no trágico assalto a banco de Um Dia de Cão“.

Seu último filme o icônico (e hoje sabido irreal) O Fraco Atirador. Ele já estava em fase terminal de câncer ósseo e o diretor Michael Cimino mudou a ordem das filmagens para que ele e sua noiva, Meryl Streep, pudessem acabar suas participações antes. O ator virou um símbolo do homem sensível que tem um grande amor por aquilo que faz. E em 2009 tornou-se o tema de um documentário, I Knew it Was You.

Sharon Tate e a morte que encerrou uma década

2011-08-09T18:00:00.000-03:00

Publicado no blog da revista Alfa em agosto de 2011
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Sharon Tate era uma atriz medíocre. Só que Sharon Tate era linda de doer. E gostosíssima. Para se ter uma idéia, depois de trabalhar só de biquini no filme Don´t Make Waves de 1967 com Tony Curtis, o estúdio encheu as salas de cinema com cartazes em tamanho natural da menina! E sua personagem, Malibu, teria inspirado a criação da Malibu Barbie.

Dos 12 filmes que trabalhou só dois são dignos de nota: A Dança dos Vampiros e O Vale das Bonecas. O primeiro, uma comédia amalucada e um tanto datada, foi dirigida e estrelada por Roman Polanski, que acabou seduzindo a moça e se casando com ela. O segundo foi um escândalo no seu lançamento por mostrar garotas em busca de sucesso que se envolvem com sexo e drogas.

Sharon Tate poderia ter sido só uma nota de rodapé na história do cinema se em 09 de agosto de 1969 não tivesse sido morta pela famigerada “família Manson”. Charles Manson era um cara totalmente doido que acreditava que haveria uma guerra entre raças e que o grupo radical Panteras Negras ganharia. Só que o louco também acreditava que precisava ganhar a confiança dos negros, porque eles precisariam de um branco para governar o mundo (palavras dele, não minhas). E ele pensou tudo isso inspirad0 pela música ‘Helter Skelter’ dos Beatles.

Manson também era um músico frustrado e para impressionar todo mundo, resolveu matar quem estivesse na casa do produtor musical Terry Melcher (que se recusara a gravar uma de suas músicas) como forma de mandar a mensagem que os ricos seriam massacrados. Acontece que Melcher não morava mais lá e calhou de Tate e alguns amigos estarem no local e assim a atriz acabou esfaqueada e morta, grávida de nove meses.

A escritora Joan Didion declarou anos mais tarde que os anos sessenta acabaram naquela 09 de agosto. Toda a mensagem de paz, amor livre, direitos iguais e toda simbologia que envolveu a geração hippie foi destruída naquele assassinato. Um clima de paranóia foi estabelecido, mesmo depois que todos os envolvidos foram presos e condenados à prisão perpétua.

Tate não deixou um legado como atriz, mas marcou profundamente a justiça americana. No começo da década de 80 soube-se que uma das integrantes da família Manson havia entrado com um pedido de habeas corpus, angariando 900 assinaturas para sua liberação. Foi o bastante para a mãe de Sharon fazer uma campanha brutal contra o indulto, conseguindo que mais de 300 mil pessoas assinassem seu documento. Pelo resto de sua vida dedicou-se a impedir que os assassinos de sua filha saíssem da prisão e acabou criando uma fundação de apoio a família de vítimas de crimes violentos. Por causa dela e graças ao que aconteceu à sua filha, os familiares podem hoje opinar nos comitês de liberdade condicional na Califórnia.

Quanto a Polanksi, sempre declarou ter ficado arrasado com a morte da esposa grávida, dedicando seu filme Tess a ela, mas isso não o impediu de ter que fugir dos EUA graças a um processo por estupro que rola até hoje. Mas isso é assunto para outro post.

Meus cinco clássicos favoritos de John Huston

2011-08-09T17:57:00.000-03:00

Publicado no blog da revista Alfa em agosto de 2011
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Hoje é celebrado o aniversário de nascimento do diretor mais rebelde e genial que Hollywood teve o prazer de consagrar e seguramente um dos meus favoritos: John Marcellus Huston. Ator em 55 filmes, roteirista de 39 e diretor de 47 títulos, Huston foi um cara que soube passar por cima das dificuldades que a vida lhe deu e mostrar seu verdadeiro talento. Foi uma criança doente, que depois de passar algum tempo internada num sanatório por ter o coração grande demais e problemas renais, desistiu da escola e foi ser lutador de boxe, tendo ganho um campeonato amador de peso leve, vencendo 22 das 25 lutas.

Nunca conseguindo parar quieto no lugar, foi ator na Broadway, mas desistiu de tudo para se tornar soldado e vaqueiro no México. De volta aos EUA, acabou em Hollywood, primeiro como roteirista e depois como diretor e ator. Sua estréia na direção foi justamente com o filme que definiu o noir, Relíquia Macabra. Por cinco décadas Huston dominou a sétima arte. Disse certa vez que vivera várias vidas e que invejava o homem que leva uma só, com um trabalho, e uma mulher, em um país, sob um único Deus. Segundo ele, “pode não ser uma existência muito emocionante, mas pelo menos, quando ele chega aos 73 anos, sabe que idade tem”.Ele faleceu em 1987, aos 81 anos de idade e abaixo, em sua homenagem, listo meus cinco filmes favoritos:

Relíquia Macabra (1941): a estréia de Huston na direção e o início de sua longa amizade com Humphrey Bogart na adaptação fidedigna do livro de Dasheill Hammet. Bogie é o detetive particular Sam Spade, quintessência do macho frio e calculista que investiga o paradeiro de uma estatueta de um falcão, que seria feita de ouro. Foi o filme que definiu o estilo noir com diálogos secos, personagens sem emoção, violência e fotografia soturna. O filme transformou Bogart em astro e fez de Peter Lorre o coadjuvante preferido de muita gente. A frase, “a coisa com o qual os sonhos são feitos” entrou para os anais do cinema. Se você quer ver como um homem realmente durão age, tem que assistir esse filme!

O Tesouro de Sierra Madre (1948): um verdadeiro tratado sobre ganância e riqueza, deu o Oscar de direçlão a Huston e o de Melhor Ator Coadjuvante ao pai dele, Walter Huston. Bogart, Walter e Bruce Bennet são três americanos miseráveis no México que se unem para explorar ouro nas montanhas de Sierra Madre. Ao encontrar um rico veio, eles passam a enfrentar bandoleiros e Bogie vai aos poucos enlouquecendo, tomado pelo medo que seus companheiros o roubem. É um filmaço, com um final extremamente interessante e com um roteiro que acabou sendo imitado várias vezes, inclusive em outro clássico cult, Cova Rasa. A frase de um dos bandidos mexicanos, “distintivos? Nós não temos distintivos. Nós não precisamos de distintivos. Eu não tenho que lhe mostrar nenhuma drosga de distintivo.” entrou para as 100 melhores do cinema na escolha do AFI.

Moby Dick (1956): a obra de Herman Melville é um grande estudo sobre vingança e ganhou uma adaptação à altura com Richard Basehart como Ishmael, Gregory Peck como o temido Capitão Ahab e ainda tem uma ponta de Orson Welles como um pastor. Com roteiro de Ray Bradbury, o filme não teve boa receptividade na época em que foi lançado, mas ganhoiu status com o passar dos anos e é, sim, imperdível para quem quer aprender um pouco sobre liderança e obsessão.

O Homem que Queria Ser Rei (1975): Huston juntou dois ingleses totalmente carismáticos, Michael Caine e Sean Connery e filmou no Afeganistão, a ótima história de Kipling, sobre dois soldados britânicos que, no século 19, vão a uma região do Oriente que não vê um homem branco desde os tempos de Alexandre, o Grande. Tomados como deuses, os dois vão da glória à tragédia. Huston tentou fazer esse filme primeiramente com Clark Gable e Bogart nos anos 50 e depois com Burt Lancaster e Kirk Douglas. Acabou se tornando o filme favorito de Caine (que teve a chance de trabalhar com a esposa, Shakira).

A Honra do Poderoso Prizzi (1985): Huston juntou sua filha (Anjelica, a Morticia dos filmes da Família Addams) e seu então cunhado (Jack Nicholson) numa comédia de máfia sobre um matador de uma poderosa família que se apaixona por uma concorrente, Kathleen Turner, na época uma tremenda mulher sensual. O filme concorreu oito Oscars , dando o de atriz coadjuvante a Anjelica levou quatro Globo de Ouro. Para quem curte filme sobre a cosa nostra, e uma abordagem muito diferente.

Obviamente que existem outros grandes filmes do diretor como Uma Aventura na África, Os Desajustados, A Bíblia, O Pecado de Todos Nós, Roy Bean – O Homem da Lei , entre outros e são igualmente obrigatórios para aqueles que querem ver um filme estruturado e impressionante. Em resumo, Huston é imperdível.

Tanti auguri, Antonio!

2011-08-09T17:55:00.000-03:00

Publicado no blog da revista Alfa em agosto de 2011
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Hoje Tony Bennett, o lendário cantor romântico de jazz, completa 85 anos de idade. E o que ele tem a ver com cinema? Como ator nada, porque raríssimas vezes arriscou mostrar algum lado dramátrico, trabalhando em alguns seriados de TV anos anos 1960 e 1970. Só que podemos afirmar que não há filme de máfia italiana os dias atuais sem Bennett na trilha (isso ao lado de Louis Prima) ou a coisa não tem graça.

Tony Bennett é um dos grandes exemplos de retomada e superação de um artista. Sucesso nos anos 1950 e 1960 (e, por mais que as pessoas o relacionam com a coisa, não fez parte do Rat Pack de Sinatra), ele viu sua carreira quase afundar com o advento do rock n´roll. Sua tentativa de se manter no topo custou-lhe a saúde e o casamento até que no início dos anos 1990, seu filho começou a colocá-lo em programas de TV com tinham apelo com o público mais jovem (começando por Letterman) e em 1994, o cara gravou um Unplugged para a MTV, sendo redescoberto por um pessoal que curtia rap, country e rock e ganhando inúmeros prêmios. E essa retomada não se limitou às rádios. O cinema também dobrou-se ao seu estilo, especialmente quando a máfia foi “ressucitada” por Martin Scorcese e outros grandes diretores.

E Bennett e bandidos ítalos americanos tem muito a ver. É só assistir a abertura do grande Os Bons Companheiros e se deparar com aquela máfia romântica, em um bairro italiano típico, com ‘Rags to Riches’ ao fundo, compondo um das mais belas combinações entre imagem e música já mostrado. É óbvio que vamos ver que o mundo não é tão cheio de honra assim e que o personagem principal irá mesmo de ‘mendigo a riqueza’ como diz a canção para depois cair na pobreza de novo, mas tudo bem.

Naquele mesmo ano de 1990, Bennett já havia mostrado sua voz em outros dois filmes de gangsteres: a ótima comédia Um Novato na Máfia (com ‘I wanna Be Around’), aquela em que Brando brinca com seu personagem mais famoso, Don Corleone e ainda na não tão engraçada assim Meu Pequeno Paraíso, com Steve Martin e Rick Moranis.

Quando Bob De Niro resolveu ir para trás das câmeras em 1993 com o bom Desafio no Bronx, mostrando um pai desesperado com a amizade de seu filho com um gangster, lá estava Tony. No divertido O Nome do Jogo, aquele em que John Travolta faz um dos mafiosos mais cool da história das telonas, Chilli Palmer, Bennett canta ‘Are You Havin’ Any Fun’. No incompreendido Cassino (que só foi se tornar cult anos depois de seu lançamento), o cantor marcou presença com ‘Who Can I Turn To When Nobody Needs Me’ e não podia ficar de fora também da trilha incidental de Meu Vizinho Mafioso 2.

A participação mais divertida, porém foi mesmo em A Máfia no Divã. A sensacional comédia de Harold Ramis de 1999 com De Niro fazendo um mafioso em crise que passa a ter sessões de terapia com Billy Crystal brinca com inúmeros elementos dos filmes da cosa nostra e ainda traz no elenco algumas figurinhas carimbadas do gênero, como Chazz Palminteri e (o infelizmente falecido) Joe Viterelli. Entre muitas confusões e neuroses, no final, o Dr. Ben Sobel recebe o melhor pagamento por ajudar um chefão com crise de pânico: um show privativo de Tony Bennett no quintal de sua casa. Quem não haveria de querer uma coisa dessas?

A Antonio Dominick Benedetto, Buon Compleanno!

Rango, a animação mais adulta do oeste

2011-08-09T17:51:00.000-03:00

Publicado no blog da revista Alfa em agosto de 2011
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Em 1989, os desenhos animados do cinema deram uma volta por cima quando a Disney lançou A Pequena Sereia. Era a época que Michael Eisner assumira a direção do estúdio e resolveu chacoalhar as coisas exigindo animações que agradassem tantos adultos como crianças. Para os pais era ótimo, porque você poderia levar seus filhotes e ainda rir com boas piadas ou situações. E assim, anos mais tarde, dá-lhe Robin Williams detonando cultura pop em Alladin, A Bela e a Fera concorrendo ao Oscar de Melhor Filme e todos os desenhos da Pixar serem geniais e abrindo caminho para outros estúdios.

Este ano de 2011 passou totalmente despercebida uma animação que trazia uma característica muito interessante: a maior parte dela era feita para adultos. E a explicação disso é muito simples, por trás está boa parte da equipe de primeira cinessérie de Piratas do Caribe. Estou falando de Rango, primeiro longa animado da Industrial Light & Magic de George Lucas, escrita e dirigida por Gore Verbinski (o diretor dos três primeiros Piratas), com roteiro de John Logan (Gladiador, Um Domingo Qualquer, O Último Samurai) e “estrelado” por Johnny Depp, Isla Fisher (a Becky Bloom), Bill Nighy (o Davy Jones), Harry Dean Stanton (que atravessou o deserto em Paris, Texas), Ned Beatty, Alfred Molina (o Doc Oc de Homem-Aranha 2), entre outros.

Rango é uma tremenda brincadeira em cima de faroestes (a começar pelo nome que emula um grande personagem do gênero, Ringo) e conta a história de um camaleão (Depp) que cai do carro da família que o cria e acaba em uma cidadezinha de animais no deserto de Mojave que sofre com o problema de falta de água. E aí, dá-lhe personagens totalmente surreais como o pássaro com uma flecha atravessada do olho esquerdo até o lado da cabeça, a menininha agressiva, a fazendeira que paralisa quando fica nervosa e, obviamente, o latifundiário cruel e seu bando.

E também há um desfile de citações para aqueles que, como eu, que gostam de buscar detalhes. Logo no começo, por exemplo, o réptil voa pela estrada e bate no pára-brisa do carro de Hunter S. Thompson, que escreveu Medo e Delírio em Las Vegas, cujo filme Depp participou. Depois vem referências a Chinatown (a tartaruga-prefeito é baseada no personagem de John Huston no clássico de Polansky), Apocalypse Now, Guerra nas Estrelas e, obviamente, uma série de westerns clássicos ou não, sem esquecer de um de seus deuses máximos: o velho e bom Clint Eastwood (imitado magistralmente por Timothy Olyphant de Deadwood e Hitman).

Aliado a tudo isso há uma trilha sonora ótima (Hans Zimmer com participação do grupo Los Lobos), com canções de matar de rir (interpretadas pelas corujas mariachi) com uma animação que é de um detalhismo fantástico e de beleza ímpar. E, há muito humor negro e diálogos absurdos, o que o faz uma ótima pedida para um domingo modorrento, de preferência sem crianças (já estou avisando, elas vão achar um porre).

Clara Bow, a primeira sex symbol

2011-08-09T17:49:00.000-03:00

Publicado no blog da revista Alfa em julho de 2011
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Quando Clara Bow terminou um namoro, soube que o ex -- desesperado -- havia tentado se matar, cortando os pulsos. Indagada sobre como se sentia com isso, ela disparou: “Cortar os pulsos? Homens não cortam os pulsos, homens usam armas”. Essa é uma das muitas lendas dessa atriz do cinema mudo, que foi considerada o primeiro grande símbolo sexual de Hollywood e que inspirou Max Fleischer na criação de Betty Boop. Bow ditou moda, foi alvo de escândalos e reinou tranquilamente sobre a capital do cinema até a aparição dos filmes falados.

Em oito anos, fez mais de 45 filmes. Saiu de uma salário de US$ 35 por semana em 1922 para US$ 5 mil em 1929. Nada mal para uma menina, filha de uma esquizofrência que tentou matá-la e de um pai ausente que quando estava em casa a agredia verbal, fisica e sexualmente.

Seu maior sucesso foi o filme It de 1927. Nele, Bow vivia a vendedora de uma loja que faz das tripas coração para conquistar o dono do estabelecimento e mudar de vida. E consegue, graças ao seu “it” ou seja, o apelo sexual abre portas para a menina. O filme foi o bastante para colocá-la no imaginário de qualquer marmanjo norteamericano daquela década. Também a pôs nos tablóides, já que inúmeras esposas entraram com processos judicuais, alegando que Clara roubou seus maridos. O máximo dos escândalos veio com a fama de que ela teria transado com todo o time de futebol americano da Universidade do Sul da Califórnia em 1927. Mas sabe-se que ela teve um romance tórrido com Bela Lugosi (o mais famoso Drácula do cinema) e o indivíduo manteve uma foto dela nua em seu quarto pelo resto da vida.

Clara colocava lenha na fogueira, agindo como uma mulher liberada e que não devia nada para ninguém. É dela a famosa frase “quanto mais conheço os homens, mais amo os cachorros”. Para o público feminino, ela alternava entre o mau exemplo e o modelo de sedução. Muitas criticavam sua imagem sexualizada, mas quando, por exemplo, se descobriu que sua ruivez era graças a aplicação de henna nos cabelos, o produto vendeu como água.

Sua carreira acabou graças, principalmente, a dois fatores. O primeiro foi quando os atores precisaram falar nos filmes. Clara tinha presença, mas um sotaque irritante. Seu último trabalho foi em 1933. Depois, a moça herdou a doença da mãe, a esquizofrenia. Casada com um político, tentou o suicídio quando ele resolveu concorrer a uma vaga na Câmara dos deputados. Sobreviveu, mas afirmou que preferia a morte a voltar para a vida pública.

Clara Bow nasceu em 29 de julho de 1905 e faleceu em 27 de setembro de 1965. Sobre ser um símbolo sexual disse “é um fardo pesado para carregar quando se está cansada, magoada e confusa”. Marilyn Monroe que o diga.

‘A Encruzilhada’, o pequeno clássico do Blues

2011-08-09T17:46:00.000-03:00

Publicado no blog da revista Alfa em julho de 2011
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Li na última edição de Veja que um pequeno clássico dos anos 80 está sendo relançado no Brasil em DVD. É A Encruzilhada, filme de 1986 que marcou a juventude de muita gente e acabou introduzindo uma leva grande de moleques no blues. É um daqueles filmes despretenciosos, leves e puros que presta uma homenagem sincera ao ritmo já chamado de “dor de corno americano” e consegue mostrar e refletir todos os aspectos dessa forma musical que inspirou Rolling Stones, Bob Dylan, Eric Clapton e uma centena de roqueiros famosos.

Contando a história de um moleque de 17 anos de idade, prodígio no violão clássico e fanático pela melodia dolorosa do sul dos EUA, que encontra um antigo parceiro do lendário bluesman Robert Johnson em uma prisão para terceira idade e parte para o Mississipi em busca da perdida 30a. canção do músico (Johnson teria gravado somente 29), A Encruzilhada vai brincando com o mundo do blues, desde os músicos que vendem a alma ao demônio para conseguir a maestria nos instrumentos, à dor da separação como inspiração para tocar, passando, obviamente, pela vida de vagabundo nas estradas do interior.

O filme foi uma confluência de talentos vindos de outros clássicos da época e muitos deles sumiram depois, sem deixar muitos vestígios:

1) O personagem principal foi interpretado por Ralph Macchio, recém saído do megasucesso Karate Kid que treinado pelo guitarrista Arlen Roth, não faz feio dublando um músico verdadeiro. Depois da continuação das aventuras de Daniel San, o rapaz nunca mais fez sucesso.

2) No papel de Willie Brown, o velho gaitista bluesman, estava Joe Seneca, então com 67 anos de idade, que já havia sido cantor e que chamou a atenção dos críticos com uma pequena participação em O Veredito de 1982 e Silverado de 1985.

3) A gatinha Jami Gertz faz o par quase romântico de Macchio e depois participaria de mais dois filmes marcantes dos anos 1980: Os Garotos Perdidos e Abaixo de Zero para depois cair no ostracismo.

4) Não podemos esquecer da participação marcante do virtuoso da guitarra, Steve Vai, então com 25 anos de idade, como o guitarrista do diabo, no duelo de guitarras mais marcante da história das telonas (Va, na verdade, tocou as duas partes).

5) A trilha sonora e os solos de blues do menino foram tocados pelo ótimo Ry Cooder, que estourara em 1984 fazendo a música do cult Paris, Texas de Wim Wenders.

6) E, finalmente, a direção é de Walter Hill, que nos brindou com grandes classicos como Cavalgada de Proscritos, Warriors – Selvagens da Noite (este, se você não viu, não sabe o que está perdendo), 48 Horas (que mostrou que Eddie Murphy podia fazer filmes sérios sem perder a graça) e um dos musicais mais kitchs e memoráveis já produzidos, Ruas de Fogo (que imortalizou a canção ‘I Can Dream About You’). Apesar deste currículo, Hill não conseguiu fazer sucesso nos anos 1990 e acabou dirigindo o seriado Deadwood para a TV.

Esqueça aquele amigo músico que vai dizer que Macchio dubla bem mas erra na mão direita. Esqueça aquele cunhado que sabe tudo e vai dizer que o filme comete o crime de colocar Willie Brown como gaitista, porque na vida real ele era guitarrista (e dos bons). Esqueça aquele tio que dirá que o solo que o menino faz no final é ‘Capricho Número 5′ de Paganini (1782-1840), uma vez que ele foi o primeiro músico carregar a fama de ter vendido a alma ao tinhoso em troca de talento (e mais de um século depois inspiraria outro guitarrista infernal, Yngwie Malmsteen). Esqueça tudo isso e curta A Encruzilhada, mesmo se você não é o maior fã de blues. E, se gostar, corra atrás da trilha sonora.

The blues ain’t nothin’ but a good man feelin’ bad,

thinkin’ ’bout the woman he once was with.

O verdadeiro faroeste caboclo de ‘O Cangaceiro’

2011-08-09T17:43:00.000-03:00

Publicado no blog da revista Alfa em julho de 2011
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Em 1953, enquanto Hollywood soltava um de seus mais icônicos westerns, Os Brutos Também Amam, o Brasil conquistava o mundo com o que o pesquisador Salvyano Cavalcanti de Paiva chamou de ‘nordestern’. O filme era O Cangaceiro do diretor Lima Barreto (não confundir com o escritor carioca do século 19), considerada a melhor produção dos famosos estúdios Vera Cruz. A obra, escrita por Barreto e com diálogos da escritora Raquel de Queiróz, flertava com o cinema americano, só que ao contrário do faroeste gringo, onde grandes psicopatas e sociopatas como Jesse James ou Billy the Kid ganhavam cinebiografias romantizadas e bastante elogiosas, em terras brasileiras o bandido era apresentado como bandido mesmo, sem limites e sem piedade.

O filme mostra o bando do Capitão Galdino Ferreira, cruel líder de cangaceiros que não só não deixa o progresso chegar ao sertão, como invade uma pequena cidade e sequestra uma professorinha. O problema é que seu maior amigo e braço direito, Teodoro, se apaixona pela moça e contrariando as ordens do chefe, foge com a menina, dando início a uma perseguição implacável pelo sertão.

O Cangaceiro tem um ritmo irregular, algumas interpretações mais duras que as do Stallone, mas apresenta recursos narrativos de vanguarda e uma violência que desmistifica a imagem romântica do cangaço, especialmente a aquela relacionada a Lampião, seu maior representante. Quando o bando invade a cidadezinha, por exemplo, vê-se os bandidos amarrando moças claramente com intenção de estuprá-las e marcando seus rostos com ferro quente (diz-se que Virgulino Ferreira fazia o mesmo com aquelas que considerava mais “devassas”). Os caras chegam inclusive a roubar cofrinho de criança. Ao mesmo tempo, mostra os governantes da cidade não fazendo absolutamente nada para salvar as pessoas e ainda por cima puxando o saco do cangaceiro (um desses políticos se despede com um ‘Boa viagem e volte sempre’).

No lado narrativo, existem grandes cenas como de Gaudino com um padre (e a consequência disso), a execução de Teodoro (uma das mais criativas que já assisti e que, provavelmente, gerou o nome do filme em inglês, The ninth bullet), o desespero e papel duplo das mulheres que acompanhavam os cangaceiros e ainda a emboscada com os volantes.

A obra de Lima Barreto acabou ganhando o prêmio de Melhor Aventura no Festival de Cannes de 1954 e também o de melhor trilha sonora, consagrando a balada popular ‘Olê Muié Rendeira’, interpretada por Vanja Orico, com arranjos de Gabriel Migliori e coro dos Demônios da Garoa. Ficou anos em cartaz na França e, comprada pela Columbia Pictures, foi distribuída para mais de 80 países no mundo. O ator Milton Ribeiro, que fazia Galdino, virou personagem de história em quadrinhos e também o maior representante das aventuras de cangaço no Brasil, trabalhando depois em filmes como Corisco – o Diabo Louro, Lampião – O Rei do Cangaço, A Morte Comanda o Cangaço entre outros. Já Vanja Orico, que já havia cantado antes em Mulheres e Luzes de Federico Fellini, ganhou os palcos no mundo e acabou virando motivo de piada do sempre sensacional cronista carioca Stanislaw Ponte Preta, que cunhou a expressão “Vanja vai, Vanja vem” para mostrar passagem de tempo, uma vez que a moça viajava o tempo todo.

E uma curiosidade ótima de O Cangaceiro: a obra foi filmada em Vargem Grande do Sul, no interior de São Paulo, e um dos coadjuvantes era o compositor Adoniran Barbosa e foi graças a esse filme que ele conheceu o pessoal do Demônios da Garoa e fizeram uma das parcerias mais famosas e geniais da história da MPB. No final de 2010 foi anunciado que o filme passaria por uma restauração e seria lançado em DVD duplo.

Natalie Wood, a ascensão e queda da musa teen

2011-08-09T17:40:00.000-03:00

Publicado no blog da revista Alfa em julho de 2011
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Hoje, 20 de julho, seria aniversário de Natalie Wood, uma atriz que tem uma marca muito interessante: antes dos 25 anos de idade, ela, que começou no cinema aos sete ao lado de Orson Welles, recebeu três indicações para o Oscar e depois só viu sua carreira ir ladeira abaixo até que, em 1981, morreu afogada com 43 anos de idade.

Foi casada duas vezes com Robert Wagner (aquele do seriado Casal 20 e o braço direito do Dr. Evil na série Austin Powers) e, ainda teenager, namorou caras mais velhos como Elvis e Denis Hopper. Em sua carreira, Wood trabalhou em 56 filmes para cinema e TV, mas quero destacar quatro grandes filmes com grandes atuações.

O primeiro é Juventude Transviada de 1955, uma obra que mudou a maneira do mundo enxergar os jovens e inaugurou, ao lado de O Selvagem com Brando, os filmes sobre rebeldia juvenil. Natalie era o par romântico de James Dean, o revoltado “garoto novo na cidade” que coleciona inimigos e problemas por onde passa. O clássico consagrou o canivete automático como acessório obrigatório para qualquer macho revoltado e a “chickie race” (corrida de carros onde o último a saltar do carro em movimento, antes de cair em um despenhadeiro, ganha), mas meio que se tornou maldito já que os três protagonistas tiveram morte violenta: Dean ao volante, Wood ao cair de um barco – bêbada – e afundar por estar usando um pesado casaco de peles e Sal Mineo, assassinado por um amante.

No ano seguinte, ela teve um pequeno, mas essencial papel em Rastros de Ódio de John Ford. É um dos grandes filmes de John Wayne, onde o Duke é um cowboy racista e violento que parte numa busca desenfreada para resgatar a sobrinha, raptada por um comanche. Como a procura dura anos, quando ele encontra a menina, ela está totalmente integrada aos indígenas e o homem tem que lutar contra si mesmo para não matar a coitada. É um faroeste imperdível, tenso, onde o personagem de Wayne está deslocado no tempo. É o homem rude e cheio de ódio que estava desaparecendo e a cena onde a porta se fecha com ele se afastando da casa em direção à vastidão do Oeste reflete esse espírito.

Clamor do Sexo de 1961 foi um grande sucesso no seu lançamento justamente por questionar se vale a pena manter-se pura e virgem até se casar ou se é melhor dar vazão aos desejos mais profundos. Colocou Wood como a comportada namorada de Warren Beaty (seu começo como galã), que enlouquece por não poder se entregar ao moço. Foi o primeiro filme hollywoodiano a mostrar um beijo de língua, ganhou um Oscar de Melhor Roteiro e ainda entrou na lista dos 50 melhores filmes universitários de todos os tempos da revista Entertainment Weekly.

Finalmente temos West Side Story,também de 1961, o ótimo musical que põe Romeu e Julieta em Nova York e mostra um ex-líder da gangue branca dos Jets se apaixonando pela irmã do chefe da gangue inimiga, os portoriquenhos Sharks. O espetáculo era um grande sucesso na Broadway e quebrava o estilo de dança mais comum dos musicais, apresentando coreografias ousadas e modernas desenvolvidas por Jerome Robbins. Wood ficou com o papel de Maria depois que Audrey Hepburn recusou (estava grávida), mas nas cenas de canto foi dublada por Marni Dixon. Destaque para as músicas ‘America’ e ‘I Feel Pretty’, além da chatinha ‘Maria’.

É interessante notar que a partir daí, Natalie foi perdendo seu encanto e novidade. Seu último grande sucesso polêmico foi Bob & Carol & Ted & Alice, uma comédia de 1969 sobre troca de casais. Como adulta, a atriz não atraía tantas atenções como era quando teenager e só constou de produções menores.

Sua morte nunca foi plenamente explicada. A versão oficial é que caiu do barco depois de ter ingerido “de seis a oito cálices de vinho”, mas até hoje sua irmã acredita que ela foi empurrada pelo marido, o ator Robert Wagner, depois de uma discussão causada por ciúmes. Ele, obviamente nega, foi inocentado de todas as acusações e está, desde 1990, casado com a ex-Bond Girl Jill St John (de Os Diamantes são Eternos).

Um filme para crianças, BBBs e políticos

2011-07-19T10:50:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em julho de 2011
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Décadas antes de programas de televisão louvarem a ignorância, décadas antes do Ministério da Educação sair em defesa ferrenha de um livro que justifica o português errado, décadas antes de um mundo onde presidentes (não é só aqui) tinham orgulho de nunca ter lido um livro, houve Nascida Ontem, filmaço de George Cukor, lançado em 1950. Nascida Ontem deveria constar no currículo escolar como o filme que mostra que a ignorância é a maior inimiga da cidadania, por mais que ela aparente, muitas vezes, ser uma benção.

Explicando melhor, Nascida Ontem mostra um homem poderoso, ignorante, sem educação e milionário (fez fortuna com ferro-velho) que vai a Washington tentar comprar um ou dois congressistas e contrata um jornalista para “educar” sua burra namorada. Acontece que, ao mergulhar na capital federal e aprender sobre as motivações dos fundadores da nação, aentrando em contato com documentos como a Constituição e Declaração de Independência e lendo sobre aqueles que fizeram a história do mundo, a moça começa a questionar as ações de seu homem. Por mais que pensar, segundo ela, cause dor de cabeça e angústia. Aos poucos, ela começa a desejar ser menos usada, ter mais amor próprio e aceita abdicar de uma vida confortável por uma existência digna.

O roteiro é baseado numa peça de Garson Kanin e Cukor a filmou quase como teatro, chegando a fazer os atores se apresentarem ao vivo, em frente a platéia, por seis vezes antes da filmagem, para ver o ritmo das piadas. E é um filme que cresce -- especialmente -- graças à qualidade de seus atores. Um William Holden no começo de carreira faz o jornalista, Paul Verrall, enquanto o corrupto ricaço é interpretado, com toda força possível, pelo ótimo e hoje esquecido Broderick Crawford (que estourara um ano antes em A Grande Ilusão). E num papel que havia sido destinado a Rita Hayworth e que Marilyn Monroe disputou e não levou, está a excepcional Judy Holliday.

Holliday teve uma carreira meteórica no cinema. Começou nos bastidores do teatro, trabalhando para o grupo de Orson Welles como operadora de quadros de interruptores e aos poucos foi galgando até os palcos. No cinema, a grande chance veio como a esposa que atira no marido infiel na ótima comédia da dupla Katherine Hepburn e Spencer Tracy, A Costela de Adão. O sucesso deste filme lhe deu a Billie Dawn de Nascida Ontem. E è nele que dá para se notar o timing de comediante que Judy tinha e a capacidade de interpretar brincando com os olhos e tom de voz, sem nunca perder a naturalidade. A sequência em que ela joga Gim Rumy com Crawford, é um trabalho de gênio e totalmente hilária, sem nunca forçar nada (confira abaixo). Judy ganhou seu Oscar de Melhor Atriz por esse filme, e por mais que fizesse sempre o papel de loura burra, era extremamente inteligente e politizada, chegando a ser investigada como comunista pelo comitê do Senador MacCarthy na década de 1950. Foi inocentada, mas sua carreira nunca mais foi a mesma depois disso. Dedicando-se mais ao teatro e à música (foi namorada do deus do jazz Gerry Mullingan), ela faleceu três semanas antes de seus 44 anos, em 1965, devido a um câncer de mama.

Nascida Ontem, apesar de toda sua inocência típica dos idos de 50 (lá pelas tantas um advogado diz que é raríssimo achar um senador corrupto), diz muito para os dias de hoje. Mostra que você até pode abdicar de conhecimento em troca de poder e grana, mas uma hora a conta pode chegar. É um filme que tenta localizar o poder do cidadão e a vantagem em fazer valer os seus direitos. É uma obra que mostra que sim, seu voto pode valer muito mais que um dia de folga e que um ser humano não deveria ter um preço. E por mais que as coisas às vezes parecem apontar para outro caminho, ainda é melhor acreditar nesses valores.

Cinco grandes bandas de rock fictícias do cinema

2011-07-19T10:41:00.000-03:00

Publicado no blog da revista Alfa em julho de 2011
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Hoje, 13 de julho, é o Dia Mundial do Rock, efeméride transadinha criada depois que Bob Geldof organizou o Live Aid em 1985. Rock´n´roll e cinema tem uma história de amor e ódio. A sétima arte até entrou na onda desse ritmo frenético quando surgiu nos anos 50, mas enfrentou a reação enérgica dos pais, assustados com a sexualidade da música. No Brasil é famosa a história de Sementes de Violência de 1956, classicão com Glenn Ford e direção do ótimo Richard Brooks, que Jânio Quadros proibiu de ser exibido em São Paulo porque aparecia Bill Halley e seus Cometas cantando Rock Around the Clock. Nos anos 1970, vieram grandes documentários com bandas famosas como Woodstock, The Song Remain the Same, Gimme Shelter, entre outros e, nas décadas seguintes, foi a vez dos cantores tentarem se lançar no cinema (alguém ainda se lembra de Madonna peladona em Corpo em Evidência? Ou de Jagger e Dylan em um faroeste?). Ou seja, as duas artes andam lado a lado. E em homenagem ao ritmo que encanta há várias gerações, aqui vão 10 bandas surgidas nas telonas, algumas que até tentaram carreira no mundo real e outras que adoraríamos ter visto um show!

1. The Rutles: mega sacada do ex-Monty Python Eric Idle, tirando um tremendo sarro em cima dos Beatles no filme The Rutles: All You Need is Cash de 1978, depois do sucesso do sketche na TV. O documentário mostra a ascensão e queda da banda, desde seu início nos inferninhos alemães até a separação do grupo quando Nasty (ouLennon) se apaixona por uma artista neonazista (huuum…Yoko?) e apresenta músicas de ábuns como ‘Tragical History Tour’, ‘A Hard Day´s Rut’, ‘Ouch’, entre outros. A paródia teve a benção dos Beatles (e produção de George Harrison), gerou álbuns e mais álbuns (inclusive ‘Archeology’ em homenagem ao ‘Anthology’) e uma continuação, The Rutles 2: Can´t Buy Me Lunch. Participam da brincadeira Mick Jagger e Paul Simmon.

2. Spinal Tap: a comédia favorita de nove entre dez roqueiros, Isto é Spinal Tap é um falso documentário (ou mockumentary) mostrando a turnê da “banda inglesa mais barulhenta do mundo” pelos Estados Unidos em uma série de shows fracassados e clipes geniais. Duas cenas que marcaram história: o guitarrista Nigel Tufner mostrando que seu amplificador vai até o ’11′ e não dez, e a banda perdida nos bastidores de um show, sem conseguir chegar ao palco, porque os corredores parecem um labirinto.

3. The Commitments: mais um que começou nas telas e tentou ter vida própria fora delas, tendo vindo inclusive para o Brasil (num show ótimo, onde os cantores se divertiram mais que a platéia). O filme de 1991, dirigido por Alan Parker, traz a tentativa de um jovem em formar uma banda de soul music na Irlanda. Muitas piadas ótimas sobre como um bando de branquelões conseguiriam cantar algo genuinamente negro e uma trilha repleta de grandes músicas (potencializadas especialmente pelo vozeirão a la Joe Cocker do vocalista Andrew Strong). Vale também pelo toque de humor negro na cena onde, num hospital após um acidente com o baixista, eles começam a discutir se ficariam famosos se o colega morresse e discorrem sobre como grandes artistas faleceram.

4. The Wonders: a simpática e nada memorável estréia de Tom Hanks na direção também foca em bandas juvenis, mas desta vez em 1964, no auge da Beatlemania (em quem o filme se inspirou). Tem Liv Tyler, tem Hanks e tem a baladinha bacana ‘That Thing You Do’.

5. Stillwater: Quase Famosos é um filme obrigatório para quem gosta de rock e quer entender um pouco mais do cenário musical dos anos 70. O diretor Cameron Crowe se baseou na experiência que teve em escrever para a revista Rolling Stones aos 16 anos de idade e criou um pequeno clássico, cheio de referências pop (para começar o nome da personagem de Kate Hudson é Penny Lane). Já o rockeiro real Peter Frampton compos as músicas do Stillwater, o grupo focado na história e baseado no Allman Brothers, e ainda ensinou Billy Crudup a tocar guitarra. Quer mais? A trilha tem ainda Elton John, The Who e Led Zepellin.

Extra: duas menções honrosas

a. Ming Tea: a banda do indefectível agente secreto inglês Auston Powers merece estar aqui, especialmente graças à música ‘Daddy Wasn´t There’ de Goldmember.

b. POP: Música e Letra é mais uma daquelas comediazinhas româticas idiotas e óbvias, mas sua abertura se torna genial e impagável graças a Hugh Grant tirando uma de George Michael dos tempos de Wham! com o grupo POP e a canção ‘POP Goes My Heart’. OK, não é rock, mas a caracterização é ótima!

‘M’, 80 anos do primeiro serial killer

2011-07-19T10:36:00.000-03:00

Publicado no blog da Revista Alfa em julho de 2011
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Existem filmes que envelhecem, que ficam datados, que parecem ter graça e sentido apenas em uma época em particular. Filmes que ganham fama por um período para se transformarem em curiosidades depois de um tempo. E existem outros que tem uma força, uma inventividade e um ineditismo, que impressiona mesmo décadas depois de seu lançamento. Em 2011, celebra-se os 80 anos do primeiro serial killer do cinema falado e de um daqueles clássicos de deixar qualquer um boquiaberto ainda hoje, M – O Vampiro de Düsseldorf, dirigido pelo genial Fritz Lang.

Lang (que não se chamava Fritz e sim Friedrich Christian) era um diretor tremendamente fracassado em 1931. Seus dois filmes anteriores, Metropolis e A Mulher na Lua, haviam custado muito dinheiro e foram muito mal em bilheteria (só seriam redescobertos décadas depois e tornados obrigatórios pelos cinéfilos). Quase desistindo da carreira cinematográfica, o diretor – incentivado por um amigo – resolveu levar às telas, em seu primeiro filme falado, a história de um serial killer. Pior ainda, um cara que assassinava crianças. Só que, apesar de ser a primeira vez que esse assunto aparece nas telonas, Lang o contou de uma maneira que ninguém esperava.

Em uma cidade alemã (só aqui no Brasil chamou-se de Düsseldorf, porque foi baseado em um caso real desta localidade), oito crianças são assassinadas e a polícia está em polvorosa. Com um verdadeiro exército de fardados nas ruas, os assaltantes, trapaceiros e prostitutas não podem mais agir e assim, os dois lados da lei, polícia e bandido, partem para – cada um a seu modo – tentar prender o assassino.

Nós só vemos um dos crimes e de uma maneira até poética. A mãe prepara o almoço para sua filhinha que está para voltar da escola. Ela, brincando na rua com uma bolinha, é abordada por um estranho (só vemos sua sombra – veja na foto acima), que assobia o tempo todo uma melodia da obra clássica “In the Hall Of The Mountain King” de Grieg . O homem compra um balão para a menina, enquanto a mãe já está histérica porque a garota não chega. De repente, em cortes rápidos, vemos cômodos vazios, a bolinha rolando na grama, o balão preso a fios de postes e um prato de comida esfriando. Ou seja, o matador fez mais uma de suas vítimas.

O monstro em si era interpretado pelo húngaro László Löwenstein, mais conhecido como Peter Lorre. O baixinho de voz suave e a arranhada, havia feito meia dúzia de comédias, antes de ser chamado para ser personagem principal do filme. A cena onde confronta os bandidos que querem julgá-lo e alega que seus atos são incontroláveis, enquanto os dos criminosos são por escolha, mostra a potência de sua interpretação e como ele trabalhava a expressão corporal, mostrando dor, arrependimento e desespero com uma naturalidade tremenda. O filme ainda tinha o indefectível Comissário Lohmann, o tira de homicídios que consegue descobrir a identidade do assassino e tem que impedir que ele seja executado pelos bandidos. O personagem fez tanto sucesso que voltou depois em duas versões de O Testamento do Dr. Mabuse, ambas de Lang.

M é um grande thriller psicológico. É também um clássico do humor negro. Os bandidos, por exemplo, tem seus sindicatos diversos (até mesmo o dos trapaceadores em jogos de cartas) e um dos representantes sugere que procurem a imprensa para anunciar que eles, apesar de foras-da-lei, condenam os atos do serial killer. A história é também uma crítica velada ao clima soturno e pesado que a Alemanha vivia, entre a falência causada pela I Guerra e o começo da ascensão do nazismo. Apesar de Goebbels, o grande chefe da propaganda nazista, ter gostado do filme, ele foi banido em 1934 e redescoberto somente em 1966.

Lorre não viu o sucesso da história na Alemanha. Judeu, fugiu para a Inglaterra com medo de Hitler e seus comparsas (dizem que alertado por Goebbels) e depois foi para Hollywood onde apareceu em Casablanca, O Falcão Maltês, 20.000 Léguas Submarinas entre outros ótimos filmes. Lang, meio judeu, se mandou dois anos depois e fez fama nos EUA com Fúria, Os Corruptos, Suplício de uma Alma etc. Ator e diretor nunca mais trabalharam juntos, mesmo porque o segundo fez jus à sua fama de carrasco e fez com que Lorre sofresse muito nas filmagens, inclusive fisicamente.

M foi escolhido em seu país, como o maior e mais importante filme da cinematografia alemã. A revista Premiere o colocou como um dos 25 filmes mais perigosos de todos os tempos e a Empire como um dos 100 Maiores Filmes Não Americanos da história. Lang o considerou sua maior obra e Lorre o odiava já que sua imagem ficou marcada como a do assassino de infantes. Em M, foi usado, pela primeira vez, o recurso do ‘voice over’ (quando a voz da narrativa não faz parte da cena mostrada) e o seu matador em série, o trágico Hans Beckert, se tornou o bisavô do John Doe de Seven, de Hannibal Lecter de O Silêncio dos Inocentes, do Patrick Bateman de Psicopata Americano e de tantos outros que nos apavoram (e encantam) até hoje.

10 Coisas que você talvez não saiba sobre Stallone

2011-07-07T09:43:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em julho de 2011
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Machos do mundo inteiro, rejubilem-se. Michael Sylvester Gardenzio Stallone chega aos 65 anos de idade hoje! Apesar de um leitor deste blog, que mantém a alcunha de stallonefan, adorar me escrever, xingando cada vez que eu critico seu herói, eu tenho que tirar o chapéu para o velho Sly. Ele é um muito bem sucedido ator, diretor, produtor e roteirista (e artista plástico também, caso você não saiba), apesar de ser péssimo em quase tudo isso. Stallone, assim como seus personagens, é o que o americano chama de ‘underdog’, ou seja, você não dá nada por ele, mas ele vai lá, insiste e triunfa. Em homenagem ao nosso musculoso aniversariante e ao seu muito fiel fã, aqui vão 10 coisas sobre sua vida que são muito interessantes:

1. Seu pai era cabelereiro e sua mãe era astróloga, dançarina e promotora de luta livre feminina. O menino, pelo jeito, puxou a mãe.

2. O ar de cachorro cansado que Stallone ostenta é devido a uma paralisia parcial na parte esquerda inferior de seu rosto, já que seu parto foi um show de erros médicos. Mesmo assim, o moço nos brindou com suas atuações.

3. Sly já trabalhou duas vezes com outro novaiorquino famoso no cinema: Woody Allen. A primeira vez em uma ponta não creditada em Bananas. Na segunda vez, como seu melhor amigo na ótima animação Formiguinhaz. E ele faz mais dinheiro que Allen.

4. Quando Rocky, o Lutador apareceu, o mítico diretor Frank Capra considerou a obra ” o melhor filme dos últimos 10 anos” e fez todo um lobby para que o filme ganhasse o Oscar (o que realmente aconteceu). Rocky também fez com que Stallone fosse chamado de “o próximo Brando” pelo respeitado crítico norteamericano Roger Ebbert.

5. Foi expulso de nada mais, nada menos, que 14 escolas antes dos 13 anos de idade, por mau comportamento e atitudes antissociais e é por isso que aos 15, seus colegas de escola votaram nele como “o mais provável aluno a acabar na cadeira elétrica”.

6. Ele já foi nomeado 30 vezes para o prêmio “Framboesa de Ouro” como pior interpretação e ganhou por 10 vezes, inclusive o prêmio de “Pior Ator do Século”.

7. Seu senso de carreira é notável: recusou o papel que deu o Oscar a John Voigt em Amargo Regresso, o do andróide em Exterminador do Futuro, o de Dudley Moore em Arthur o Milionário, o do Michael Douglas em Instinto Selvagem e ainda vários outros que deram fama e fortuna a Richard Gere como Gigolô Americano, Uma Linda Mulher e A Força do Destino.

8. Era um dos dois atores favoritos de George Bush. O outro é Chuck Norris.

9. Apesar da quantidade monumental de armas que usa em seus filmes, se tornou um ativista contra a posse particular de armamentos depois que seu amigo, o comediante Phil Hartman, foi morto pela esposa drogada em 1998.

10. Em 1997, Sly engordou 18 kilos e aceitou trabalhar por apenas US$ 60 mil no bom filme Copland, que tinha ainda Robert De Niro, Ray Liotta e Harvey Keitel. Era uma tentativa de sair dos tipos heróicos e atuar em um filme sério. Não deu muito certo – assim como suas tentativas em comédias. E é por essa razão que, para se vingar, ele nos deu Os Mercenários.

Qual é a sua, Tom Cruise?

2011-07-07T09:38:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em julho de 2010
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Pois é, senhoras e senhores, Tom Cruise chega aos 49 anos de idade neste dia 03 de julho, ainda como um grande enigma. Porque a gente olha para ele e se pergunta “qual é a desse cara?”. Não podemos negar que Cruise tem um tremendo talento e um grande capacidade de escolher bons papéis. Surgiu em Outsiders – Vidas sem Rumo de Coppolla como membro do Brat Pack (grupo de moleques que fizeram um tremendo sucesso nos anos 1980 dos quais se destacam Ralph “Karate Kid” Macchio, Matt Dillon e até mesmo Demi Moore) e ganhou sucesso na simpática comédia teen Negócio Arriscado onde fez muitas meninas gritarem com sua dancinha de cueca e óculos escuros.

Depois vieram o emblemático Top Gun – Ases Indomáveis, A Cor do Dinheiro (onde teve a chance de contracenar com Paul Newman), a escorregada com Cocktail e uma recuperada incrível com Rain Man. Tivemos ainda Nascido a Quatro de Julho (que lhe deu o Globo de Ouro), Entrevista com o Vampiro (no improvável papel de Lestat), Vanilla Sky, O Último Samurai, Guerra dos Mundos e a série Missão Impossível, agora em sua quarta edição. Apesar de nunca ter levado um Oscar, podemos dizer que o rapaz tem uma carreira consistente. E tão boa, que o fez assumir, junto de sua irmã, a United Artists.

Acontece que Cruise, apesar do sorriso, não atrai muita simpatia ou, pelo menos, não por muito tempo. Seja pelo fato de ser um cientologista de carteirinha, o que o fez, por exemplo, criticar publicamente Brooke Shields por ela ter tomando antidepressivo para resolver um caso grave de depressão pós-parto e com isso ter atraído a fúria da comunidade médica norteamericana. Ou talvez pela relação “estranha” que teve ou tem com sua parceiras. Depois de casamentos com Rebecca de Mornay e Mimi Rogers, Cruise desposou Nicole Kidman e por 11 anos foram o casal modelo em Hollywood. Foi na separação que algumas neuroses do rapaz caíram na mídia, como o fato de não admitir que suas parceiras apareçam mais altas que ele. Como o garotão tem 1,70m, a coisa fica meio complicada para as mocinhas que querem usar saltos. Ou talvez ainda a discussão se ele pode ou não ter filhos. E mais, sua cena histérica no programa de Oprah Winphrey, com direito a saltos em cima do sofá, para “provar” que era louco pela própria esposa, Katie Holmes, também fizeram surgir algumas luzes amarelas de alerta no horizonte, especialmente quando é sabido que ele tem a mania de processar qualquer um que tente sugerir, mesmo que de leve, que ele é gay. Ou seja, porque um cara que já teve até mesmo Penelope Cruz nos braços, precisa tão desesperadamente provar que é homem?

Cruise é mesmo uma grande interrogação. No futuro talvez saberemos informar se ele é um modelo a seguir ou um a fugir.

O comediante que queria ser presidente

2011-06-30T11:08:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em junho de 2011
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Mel Brooks, um dos meus grandes ídolos na comédia (fica atrás somente dos Irmãos Marx no meu top 10 e seguido de Jerry Lewis), completou 85 anos ontem, 28 de junho. Sou fã incondicional de seu primeiros filmes, grandes brincadeiras em cima de gêneros do cinema e que inspirariam anos depois o trio ZAZ com Top Secret, Apertem os Cintos e Corra que a Polícia Vem Aí e os Irmãos Wayans e seus Todo Mundo em Pânico.

O legal é que pesquisando a vida de Brooks (ou Melvin Kaminsky), você acaba descobrindo que em seu álbum de formatura, o novaiorquino declarou que se tornaria presidente da república. Acabou sendo muito mais do que isso. Em 1944, aos 18 anos de idade, desarmou minas terrestres no norte da Africa, durante a II Guerra Mundial, o que dá a qualquer um um senso de humor tremendo. Atuou como comediante de stand up no início da carreira artísitca, foi para os bastidores e, junto com Sid Caeser e Carl Reiner, tornou-se um grande roteirista de programas cômicos, criando o famoso personagem Maxwell Smart, o Agente 86.

Seu primeiro grande sucesso como roteirista e diretor no cinema foi Primavera para Hitler, a amalucada história de dois produtores (Gene Wilder e o grande Zero Mostel, comediante também favorito de Woody Allen) que tentam criar uma peça louvando o líder nazista, para fracassar e ganhar o dinheiro do seguro. Já nesse primeiro sucesso estavam as marcas de Brooks: o politicamente incorreto, a zombaria em cima dos judeus e em cima dos nazistas.

Depois vieram as sátiras de gêneros, as canções, as peças de teatro na Broadway e as participações especiais em filmes e seriados. A melhor delas foi como Uncle Phill na sensacional série Mad About You, onde o comediante destilava outra de suas ótimas qualidades: o poder da improvisação. Segundo o ator, produtor e diretor do seriado, Paul Reiser, Mel conseguia pegar algo pequeno no roteiro e transformar em uma grande piada. Por exemplo, em um episódio, Reiser e John Pankow (que fazia o primo Ira) vão visitar o Tio Phill e lá pelas tantas, um deles pergunta se o velhinho tinha uma caneta para emprestar. Brooks só deveria dizer que sim mas, ao invés disso, desata a falar de todos os tipos de canetas e lápis que possui, de marcas a materiais e a câmera não foca mais Reiser. Ele estava dobrando de rir. Todo esse talento acumulado, o levou a ganhar um Oscar (roteiro de Primavera para Hitler), três Emmy (por Mad About You), três Tony (por Os Produtores na Broadway) e três Grammy, sendo um dos pouquíssimos artistas no mundo a abocanhar os maiores prêmios americanos.

Quando foi entrevistado nos anos 1980 por Roberto D´Ávila no programa Conexão Internacional da extinta TV Manchete, Brooks disse ter dois vícios. O primeiro era gelatina (e dá-lhe falar do tipos, sabores e consistências, num incrível sketch improvisado). O outro era Anne Bancroft, sua segunda esposa. Era um casal improvável. Ele, judeu e ela, católica de família italiana. Ele, comediante e ela, incrível atriz dramática. Ele se apaixonou por ela na primeira vez que a viu. Os dois se casaram em 1964 e ficaram juntos até a morte dela em 2005. Ele a chamava de meu Obi-Wan Kenobi, pois foi ela que conseguiu dar uma guinada na carreira dele, quando sugeriu que ele pegasse seu primeiro roteiro cinematográfico e o transformasse em musical. O resultado foi Os Produtores, que o tirou do ostracismo.

Se você nunca viu nada de Mel Brooks, aqui vai uma pequena lista de alguns de seus filmes:

Primavera para Hitler e Os Produtores: vale a pena ver a versão original e compará-la com o musical, que tem o chatíssimo Will Ferrell em bom papel e o genial ballet das velhinhas em andadores.

Banzé no Oeste: Brooks brinca com os clichês do faroeste e com metalinguagem no filme que John Wayne disse que não podia fazer, mas seria o primeiro na fila para assistir. Destaque para Gene Wilder como o pistoleiro mais rápido do oeste e dos índios que falam iídiche.

Jovem Frankenstein: o maravilhosa sátira dos filmes de suspense acabou usando o mesmo equipamento do clássico Frankenstein de 1931. O filme todo é bom, hilariante e tem ainda o estrábico Marty Feldman e o ótimo Peter Boyle (o rabugento pai de Everybody Loves Raymond) como o monstro.

As Últimas Loucuras de Mel Brooks: o comediante ousa fazer um filme mudo em 1976 e consegue Paul Newman, Burt Reynolds, Liza Minelli, James Caan e Anne Bancroft em participações especiais. Melhor piada: a única palavra em todo o filme (um ‘NÃO’) é dita justamente por um mímico, o famoso Marcel Marceau.

Alta Ansiedade: Brooks emula os filmes de Alfred Hitchcock, enquanto conta a história de um homem que assume a direção de um hospital pisquiátrico. Mais uma vez, o diretor brinca com metalinguagem (a câmera, por exemplo, dá um zoom e quebra o vidro de uma janela) e consegue refilmar a famosa cena do chuveiro de Psicose com total fidelidade e resultado engraçadíssimo.

A História do Mundo – Parte 1: o filme que nunca teve em seus planos uma parte dois é cheio de altos e baixos. Vale a piada em cima de Moisés, Gregory Hines como um escravo negro na Roma antiga que, ao ser preso, alega ser judeu e pede para chamar o rabino Sammy Davis Jr e a sequencia da Revolução Francesa, além do trailer da Parte II.

SOS – Tem um Louco no Espaço: a última grande sátira de Brooks, desta vez em cima dos filmes de ficção científica. Ele faz papel duplo, como o presidente da galáxia e o guru Yogurt (uma brincadeira em cima do Yoda) e faz uma piada genial com o final do Planeta dos Macacos original e com a famosa cena do bicho saindo das entranhas de John Hurt em Alien. Fez tanto sucesso que virou desenho animado.

Além destes títulos, tivemos péssimas produções como Drácula – Morto, mas Feliz e A Louca, Louca História de Robin Hodd, além dos fracos Que Droga de Vida e Sou ou Não Sou (este último, uma refilmagem de Lubtisch). De qualquer maneira, esses fracassos não tiram a maestria, o bom humor e a importância de Brooks na história do cinema e da televisão. Seguramente, ele será eternamente conhecido como um comediante com um enorme schwanzstucker.

PS. por falar em Brooks, vale também dizer que hoje, 29 de junho, seria o aniversário de Slim Pickens, que fez o chefe dos bandidos de Banzé no Oeste e se tornou mundialmente conhecido pelo Major piloto “King” Kong que salta de um avião cavalgando uma bomba atômica em Dr. Fantástico. Um detalhe interessante, antes de ser ator, Pickens foi mesmo um cowboy.

Tchau, Columbo!

2011-06-30T11:01:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em junho de 2011
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E lá se vão nossos heróis de juventude. Ontem, aos 83 anos de idade, faleceu Peter Falk, um grande ator de cinema que fez a fama e fortuna na televisão com um dos mais geniais personagens criados nesse meio, o Tenente Columbo. Sempre bem humorado, onovaiorquino Falk perdeu seu olho direito aos três anos de idade devido a uma doença e acabou transformando o fato de usar um olho de vidro em sua marca registrada, apesar do grande chefão da Columbia Pictures tê-lo desprezado alegando que “pelo mesmo preço conseguia um ator com dois olhos”.

Sucesso no teatro, ele estreou no cinema em pequenos papéis até que em 1960 foi indicado a um Oscar de Melhor Ator por Murder Inc. Foi uma virada tremenda na sua carreira e no ano seguinte o lendário Frank Capra o escala para Dama por um Dia, pelo qual foi indicado a seu segundo Oscar.

O grande sucesso mesmo veio em 1968 quando um personagem totalmente adequado a seu tipo físico caiu no seu colo. O detetive Columbo, criação genial dos roteiristas William Link e Richard Levinson, era um tenente da polícia de Los Angeles, totalmente mal ajambrado, subestimado pelos criminoso e que se fazia de idiota para pegar o assassino de repente. Falk não foi o primeiro a interpretar Columbo. Bert Freed incorporou o personagem por um episódio em 1960 e Thomas Mitchel o fez na Broadway. Mas foi Falk que o eternizou. Depois de dois pilotos com o ator, o seriado estreou sua primeira temporada em 1971 e durou até 1978 para depois ser “ressuscitado” em 1989.

A grande inovação da série era fugir do estilo ‘whodunit’ (aquele onde o espectador tenta adivinhar quem era o assassino – recurso usado em 80% das telenovelas brasileiras). Em Columbo, cada episodio começava com o assassinato. Você via quem e como matou. A grande sacada era ver como o detetive iria descobrir isso. Além disso, haviam vários elementos engraçadíssimos aliado ao personagem como seu carro, um Peugeot 403 acabado, seu cão (um Basset Hound preguiçoso), seu sobretudo amassado (substituído em um episódio, o que faz com que todos os policiais reparem e perturbem Columbo que, no final traz de volta o velho modelo) e, obviamente a misteriosa Sra Columbo, a quem o detetive cita o tempo todo sem nunca mostrá-la (a aí os produtores fizeram a grande besteira de criar uma – bem mal sucedida – série com a esposa, acabando com o mistério).

Também haviam os convidados especiais, artistas de renome como Anne Baxter, Honor Blackman, Johnny Cash, John Cassavetes, Robert Conrad, Faye Dunaway, Ruth Gordon, Laurence Harvey, Louis Jourdan, Martin Landau, Janet Leigh, Roddy McDowall, Vera Miles, Ray Milland, Sal Mineo, Ricardo Montalban, Leonard Nimoy, William Shatner, Oskar Werner, entre outros. E os roteiros não ficavam atrás. Em um episódio enfrenta um especialista em inteligência, fanático pelo filme Cidadão Kane (tinha os portões do palácio de Kane em sua casa), que programa seus cachorros a matar ao ouvir a palavra ‘Rosebud’. Em outro, tenta solucionar um assassinato onde o criminoso usou de mensagem subliminar em um filme para levar a vítima ao local do crime. Já em outro grande capítulo, o tenente tem que investigar um crime cometido pelo comissário de polícia, colocando seu emprego em risco.

Columbo deu a Peter Falk, nove indicações ao Emmy e uma estatueta. Depois dele, o ator apareceu em vários sucessos como Asas do Desejo, O Jogador, A Princesa Prometida e até dublando um velho e desdentado tubarão na animação O Espanta Tubarões. Morre com ele uma lenda da TV. Só posso esperar que nenhum luminar tente “refazer” Columbo com outro ator. Seria patético demais.

Wilza Carla e a pornochanchada

2011-06-30T10:58:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em junho de 2011
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Wilza Carla, a esquecida atriz e jurada do programa Sílvio Santos, morreu na terça-feira dia 21 e achei muito interessante que uma das manchetes na internet sobre o assunto era “faleceu a musa obesa da pornochanchada”. Quem tem bem mais de 40 anos, teve a oportunidade de curtir esse gênero de filme que acabou marcando profundamente a impressão do brasileiro sobre o cinema nacional. A pornochanchada foi um filão para muitos produtores, um berço de diretores e atores e também uma maldição para quem queria um cinema brasileiro mais sério e trabalhado.

E veio bem a calhar nos anos da ditadura. Explicando melhor, tudo no Brasil tinha “reserva de mercado”, uma estratégia tacanha de fazer com que os produtos estrangeiros perdessem a competitividade frente aos nossos, ou seja, tínhamos que consumir coisas ruins porque éramos obrigados. No caso do cinema, as salas tinham a obrigatoriedade de passar uma quantidade mínima de filmes nacionais por ano. O problema era que estúdios mais sérios como o Vera Cruz haviam fechado e a saída foi buscar talentos no cinema marginal.

Aliado a isso, apesar da censura forte, o brasileiro descobriu que peito, bunda e sexo simulado atraía multidões ao cinemas e essa combinação se tornou a fórmula de sucesso para produções toscas, baratas e, mesmo assim, com boa bilheteria. Aos poucos nomes como Carlos Reichenbach, Claudio Cunha, David Cardoso, Ody Cunha, Fauzi Mansur e atores e atrizes como Helena Ramos, Matilde Mastrangi, Nicole Puzzi, Paulo César Pereio, Sonia Braga, Nádia Lippi, Antonio Fagundes, Vera Fischer, entre outros caíram na preferência do povo.

E como a criatividade do brasileiro é algo sem concorrência no mundo, apesar da falta de sexo explícito, os títulos dos filmes tinham que puxar para uma coisa mais sexual e dá-lhe pérolas como Alucinada Pelo Desejo, Amadas e Violentadas, Roberta, a Moderna Gueixa do Sexo, Tem Piranha no Garimpo, A Ilha dos Prazeres Proibidos, A Tara das Cocotas na Ilha do Pecado, Eu Faço – Elas Sentem, A Noite das Taras e assim por diante. Os cartazes também eram sensacionais, especialmente aqueles pintados pelo genial Benício, de uma fidelidade incrível em cima do retratado.

Só que nem tudo era assim tão ruim. Algumas comédias como Histórias que Nossas Babás Não Contavam, uma genial versão de Branca de Neve, onde a princesa era a deslumbrante mulata Adele Fátima e que tinha Costinha como o caçador ou ainda O Bem Dotado – O Homem de Itú, onde Nuno Leal Maia tem problemas sérios devido ao tamanho de seu pênis ou até mesmo A Super Fêmea com Vera Fischer, se salvam nesse rol enorme de roteiros horrorosos. Também haviam as boas adaptações de Jorge Amado ou Nelson Rodrigues com Dona Flor e Seus Dois Maridos, A Dama do Lotação, Os Sete Gatinhos, entre outras. O difícil mesmo era aguentar os filmes pseudo-cabeça dessa época como Mulher Objeto ou Ariella, a Paranóica, arrastados, chatos e com interpretações de doer.

Em 1980, o ator Oásis Minitti protagonizou a chamada “primeira cena de sexo explícito em filme nacional” em Boneca Cobiçada, que tinha ainda Aldine Müller e Francisco di Franco no elenco. No ano seguinte veio Coisas Eróticas, o primeiro longa de sexo explícito, com três péssimas historinhas assinadas pelo produtor e roteirista Rafaelle Rossi e por Laente Calicchio e que conseguiu levar quase cinco milhões de pessoas às salas escuras, sendo a 12a maior bilheteria da história do cinema nacional. Depois disso, o público queria mesmo eram atores e atrizes fazendo sexo de verdade e aí a pornochanchada em si acabou morrendo aos poucos, mesmo que no começo, obras como Oh, Rebuceteio! de Claudio Cunha conseguissem unir um pouco das duas coisas (esse filme aliás tinha uma atriz bem mignonzinho e com cara de namoradinha que encantou todo mundo na época e desapareceu sem deixar rastro, Eleni Bandettini). E não podemos esquecer de Senta no Meu que Eu Entro na Sua de 1985, um clássico do mau gosto, com péssimas cenas de sexo, diálogos e dublagens de fazer gritar de rir, mas com a inventiva historinha do homem que tem um pênis no alto da cabeça (sim, com cenas explícitas dele usando a ferramenta).

A pornochanchada acabou fazendo com que as pessoas, por décadas, relacionassem cinema brasileiro com nudez e palavrão. Fez a minha alegria de juventude graças aos extinto programa “Sala Especial” da antiga TV Record, que fazia com que as noites de sexta-feira fossem mais engraçadas. E é interessante notar que as atuais produções nacionais , repletas de atores e atrizes globais, parecem até ter medo de mostrar alguém nu, excetuando, obviamente, Bruna Surfistinha porque aí já ia ser demais. Morreu Wilza Carla, morreu a pornochanchada e estamos mais certinhos e recatados. Se isso é bom ou ruim, só você vai me dizer.

O homem que foi um estilo de vida

2011-06-30T10:53:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em junho de 2011
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É difícil imaginar que um cara que ficou famoso usando um vestidinho verde e colant tenha inspirado um termo que se referia ao homem sedutor que pega todas, mas assim foi o ator Errol Flynn, nascido em 20 de junho de 1909. O australiano de nascimento foi talvez o maior representante do gênero capa-e-espada, tão comum nas décadas de 1930 e 1940. Trabalhou em As Aventuras de Robin Hood (é esse que ele aparecia com aquela ridícula roupinha verde), Capitão Blood, O Gavião do Mar, A Carga da Brigada Ligeira, Meu Reino por Amor, entre tantos outros, onde mostrava seu domínio na esgrima e geralmente era o par romântico de Olivia de Havilland.

Acontece que a grande fama de Flynn era fora das telas. O homem era um notável “ladies´man”, que seduzia e pegava o que aparecia na frente. Além disso, adorava a noite, consumia doses industriais de álcool e tinha uma atitude desencanada da vida, a ponto do escritor inglês Benjamim S. Johnson cunhar a expressão ‘Errolesque’ em homenagem ao ator. E, naquela época, uma das gírias correntes era “in like Flynn” ou ser como Flynn.

Em 1942, o ator foi acusado de estupro de duas jovens menores de idade e os estúdios montaram todo um esquema para livrar sua cara. Até mesmo um grupo de jovens formou uma associação para defender seu ídolo, a American Boys’ Club for the Defense of Errol Flynn, ou – é sério isso – ABCDEF.

O que começou a destruir a carreira de Flynn mesmo foi sua tentativa de se alistar no exército dos EUA. O homem que fazia tantos heróis nas telas, sofria do coração (já havia tido um enfarte), tinha problemas nas costas, uma malária e uma tuberculose crônicas e uma lista enorme de doenças venéreas. Recebeu um 4-F (dispensa por não ser fisicamente apto) e a história caiu na imprensa, enterrando seus feitos nas telas de cinema. Nos anos 1950, alcoólatra e drogado, ainda fez Contra Todas as Bandeiras e E Agora Brilha o Sol.

Depois de sua morte em 1959, muitos livros foram escritos colocando-o como um simpatizante do nazismo e até mesmo como espião dos krauts nos Estados Unidos, a ponto dessa imagem ser meio que eternizada no cinema e nos quadrinhos (Timothy Dalton fez uma espécie de Flynn nazista em Rocketeer), mas isso era uma grande bobagem. Flynn, por exemplo, apoiou plenamente a revolução comunista em Cuba, chegando a voar para lá e se tornar amigo de Fidel Castro.

Sabendo fazer uma grande saída, Flynn morreu de um ataque cardíaco aos 50 anos de idade, pronto para se casar com uma atriz de 15 anos e deixando uma autobiografia devastadora a ser publicada chamada My Wicked Wicked Ways (Meu jeito muito muito malvado). E , em tempo, a ele é atribuída a frase, “eu gosto do meu whiskey frio e de minhas garotas quentes”. Way to go, Flynn!

Stan Laurel, o gênio por trás da careta

2011-06-30T10:49:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em junho de 2011
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Stan Laurel foi um comediante sofisticado. Criativo ao extremo, ele foi ator, diretor, roteirista e assistente de direção, entre outros talentos e se consagrou como a parte tola e inocente da dupla O Gordo & O Magro. Laurel era inglês e era o substituto de um jovem Charles Chaplin na companhia cômica de Fred Karno ainda na Inglaterra. Foi Karno aliás, que os levou aos Estados Unidos, onde os dois resolveram ficar e trilhar seus caminhos separadamente.

Como o mundo dá voltas, em 1921 ele contracenou com um iniciante Oliver Hardy num curta chamado The Lucky Dog. Anos depois, os dois formariam uma das duplas mais famosas da história da comédia nas telas (apareceram em mais de cem filmes juntos) e uma das amizades mais fortes e fiéis fora delas. Laurel era o gênio do time. Era ele que criava piadas e gags, desenvolvia situações e dava pitacos na direção e no roteiro. Se alguém quisesse a opinião de Oliver Hardy sobre esses assuntos, ele se limitava a dizer “pergunte ao Stan”. Os dois fizeram grandes pequenos clássicos como, um dos meus favoritos, The Music Box, onde tem que levar um piano a uma casa no alto de um morro ou longas como Dois Palermas em Oxford, onde Laurel sai do papel de pateta e se torna inteligente para depois voltar à velha forma.

Ver os dois juntos em ação era um delírio. Hardy era sempre o prepotente desastrado, que metia os dois em confusão e jogava a culpa em Laurel. Laurel era de uma inocência só, fazendo você chorar de rir com suas expressões faciais, seja a cara de “não estou entendendo nada” ou chorando ou ainda com um largo sorriso no rosto. Chegou uma época onde não existia Oliver sem Stan, nem Laurel sem Hardy. Os dois fizeram um acordo verbal de nunca aparecerem sozinhos em um filme e quando Oliver morreu em 1955, Stan ficou tão devastado que não conseguiu ir ao enterro (chegou a dizer que ‘Ollie entenderia’). Caiu em uma profunda depressão e recusou todos os trabalhos que apareceram depois.

Acontece que Laurel não deixou de ser acessível. Morando em um apartamento do Oceana Hotel em Santa Mônica na Califórnia, ele fez o que hoje qualquer celebridade consideraria impossível: disponibilizou seu telefone na lista. Atendia a qualquer fã que lhe ligasse e assim “descobriu” Dick Van Dyke (que depois trabalharia em Mary Poppins, teria seu próprio programa na TV e faria a elegia de seu ídolo, quando do funeral) e também fez amizade com Jerry Lewis. Este último, aliás, queria contratar Laurel como consultor de roteiros de seus filmes por um polpudo salário, mas Stan recusou. O que fez, no máximo, foi opinar em algumas cenas de O Mensageiro Trapalhão e Lewis acabou batizando o personagem de Stanley.

Para Stan, o maior gênio da comédia foi Chaplin. Para Buster Keaton, foi Laurel. Ele faleceu em fevereiro de 1965 e escreveu seu próprio epitáfio: ‘se alguém ficar triste no meu enterro, eu nunca mais falo com ele de novo’.

E este homem, nascido em um 16 de junho, fez a minha alegria e a de muito moleque quando eu era adolescente, graças às inúmeras reprises de seus filmes na TV.

As mulheres de Woody Allen

2011-06-30T10:46:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em junho de 2011
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Woody Allen, gênios para alguns (como eu), chato para outros, mas o cara que mais entende de alma feminina no mundo (é só assistir A Outra e Vicky Cristina Barcelona para notar), está com um novo filme em cartaz, Meia-Noite em Paris. Só que, além de saber escrever e contar uma boa história, Allen é ótimo para contratar atrizes belíssimas, logo chamadas (para ódio dele) de “musas de Woody Allen”. A bola da vez é a primeira dama da França, a estonteante Carla Bruni e a gracinha Rachel McAdams (Clique aqui para ver a galeria de fotos). Para comprovar essa teoria, vamos ver quem antes encantou o mítico e difícil diretor, por ordem descrescente de aparições:

Número 1: Mia Farrow
Maria de Lourdes Villiers-Farrow, a filha de Maureen O´Sullivan (a Jane do Tarzan de Johnny Weissmuller) e ex-senhora Frank Sinatra e ex-senhora André Previn (com quem adotou os seis filhos), caiu nas graças de Allen e se tornou sua companheira até surgir o escândalo do relacionamento dele com uma de suas filha, Soon-Yi Previn. Farrow participou de nada mais, nada menos que 13 produções, entre elas Zelig, A Rosa Púrpura do Cairo, Hannah e Suas Irmãs, entre outros. É, de longe, a grande campeã em inspiração para ele.

Número 2: Diane Keaton
Keaton se tornou praticamente um símbolo sexual dos anos 1970 graças a Allen (e à sua mania de se vestir com calças masculinas, suspensórios e gravata) e ainda deve ao baixinho o único Oscar de sua carreira, ganho pelo ótimo Noivo Neurótico, Noiva Nervosa de 1977. Os dois até tiveram um caso antes de trabalhar, mas isso não impediu de fazerem seis obras juntos, como O Dorminhoco, Interiores e Manhattan.

Número 3: Diane Wiest
Ela não pode ser chamada de símbolo sexual ou propriamente de musa (mesmo porque faz papéis maternais pacas, como em Edward Mãos-de-Tesoura), mas a sempre ótima Wiest fez cinco filmes com Woody Allen como Setembro, o nostálgico e ótimo A Era do Radio, Tiros na Broadway (este em um dos papéis principais), Hannah e Suas Irmãs, entre outros.

Número 4: Judy Davis
Participando mais dentro de papéis coadjuvantes, Judy Davis apareceu em quatro produções de Woody Allen nos anos 1990. Foi Vicky em Simplesmente Alice, Sally em Maridos e Esposas, Lucy em Desconstruindo Harry e Robin Simon em Celebridades. Em breve será Gala, o grande amor de Salvador Dali em Dali 3D do diretor Philoppe Mora.

Número 5: Scarlett Johansson
A louraça deve muito a Kate Winslet, já que a inglesa recusou a trabalhar em Match Point, pois a muito queria ficar mais tempo com os filhos. Johansson abocanhou o papel, caiu nas graças no baixinho e acabou aparecendo em mais duas produções: Scoop – O Grande Furo e no sensacional Vicky Cristina Barcelona (este ainda trazia Penelope Cruz e Rebecca Hall como as diferentes facetas de toda mulher).

Número 6: Mariel Hemingway
A belíssima e problemática neta do famoso escritor e jornalista Ernest Hemingway foi a garota de 17 anos com quem Allen passa a se relacionar depois do seu divórcio problemático no belo filme Manhattan. Dezoito anos se passariam até ela ter a chance de trabalhar de novo com o diretor, desta vez em Desconstruindo Harry.

Número 7: Louisse Lasser
Lasser já era uma comediante conhecida lá fora quandoapareceu em duas produções do início de carreira de Woody Allen, quando fazia comédias mais amalucadas: Bananas de 1971 e Tudo o que Você Queria Saner Sobre Sexo e Tinha Medo de Perguntar (se você nunca assistiu esse filme, procure pelo menos a cena do que ocorre no corpo humano quando há a ejaculação. É impagável).

Número 8: Anjelica Huston
A ex-senhora Jack Nicholson também não é o que podemos chamar de padrão de beleza, mas sim de referência na arte de interpretar, já que costuma dar shows nos filmes onde aparece (embora tenha feito uma ou outra porcaria na sua carreira). A filha do grande diretor John Huston e eterna Mortícia Addams apareceu em papéis principais em Crimes e Pecados e na ótima comédia Um Misterioso Assassinato em Manhattan.

Número 9: Mira Sorvino
Linda, loura e gostosa, Sorvino foi a prostituta ingênua e burra como uma porta, que Allen tenta ajudar no hilariante Poderosa Afrodite. O papel lhe rendeu o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante de 1996 e, misteriosamente, a talentosa Mira nunca mais fez nada que preste.

Número 10: todas as outras
Faça sua escolha. O velho Allan Stewart Konigsberg já arregimentou a gracinha e ex-gordinha Christina Ricci, a bela Eva Rachel Wood, a exótica Freida Pinto, a esquisita Chloe Sevigny, a deslumbrante Naomi Watts, a engraçada Debra Messing e a punk Juliette Lewis.

Veronica Lake, a loura fatal

2011-06-30T10:40:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em junho de 2011
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Ontem tive a chance de assistir Constrastes Humanos de 1941, uma comédia do genial Preston Sturges sobre um diretor de cinema milionário (Joel McCrea), especialista em comédias, que quer filmar um grande drama e para isso decide viver como mendigo por um tempo. As coisas não dão muito certo no começo até ele realmente passar por grandes problemas no final. Esse foi o filme que inspirou John Lasseter, o todo poderoso chefão da Pixar (e hoje da Disney Animation) a trabalhar com desenho animado, já que, lá pelas tantas, um bando de prisioneiros, maltrapilhos e famintos, assiste um curta do Mickey e choram de rir.

E o filme tem Veronica Lake. Constance Frances Marie Ockelman, novaiorquina do Brooklin foi um a das maiores ‘femme fatales’ do cinema e teve uma carreira meteórica, indo de mais bem paga dos anos 40 ao ostracismo total nos anos 60. Ela era muito bonita, sexy, com uma voz matadora e conhecida por seu penteado, chamado na época de ‘peekaboo’, que cobria uma parte do rosto e seu olho. Durante a II Guerra, ela foi obrigada a mudar o visual já que as moças foram para as fábricas e cabelos compridos eram uma grande causa de acidentes em maquinários.

Sua estréia aconteceu em Revoada das Águias (ou Voo de Águias, dependendo da fonte), onde roubou o filme. Depois vieram Contrastes Humanos, A Chave de Vidro (sensacional thriller noir, com roteiro de Dashiell Hammet), Casei-Me Com Uma Feiticeira (que inspiraria o seriado A Feiticeira 20 anos depois), A Dália Azul, entre outros.

Ganhando US$ 4.500 por semana e fazendo par com Alan Ladd (que era um centímetro mais baixo que ela e precisava usar saltos), a menina era um grande sucesso nas telonas, mas odiada por trás das câmeras. Geniosa, arrogante, era conhecida como ‘A Cadela’ no estúdio e até mesmo o já citado McCrea recusou-se a ser par dela em um outro filme, alegando que “a vida é muito curta para se trabalhar duas vezes com Veronica Lake”. Soma-se a isso seu alcoolismo e o estrago está feito. Apesar destas características, ela tirou brevê de piloto e voava de NY para Los Angeles constantemente.

Em 1944, Lake estreou A Hora antes do Amanhecer, onde interpretava uma espiã nazista e esse foi o começo do fim de sua carreira. Não só ela atraiu a antipatia do público, como sua performance foi destruída pela crítica, especialmente graças a seu sotaque alemão ruim. Cinco anos depois, quando acabara de filmar O Furacão da Vida, seu contrato não foi renovado e a menina de ouro da Paramount acabou indo para a miséria, a ponto de, em 1959, um repórter a encontrar como barwoman de um hotel de mulheres em Manhattan.

Desse encontro, surgiram oportunidades de entrevistas e participação em alguns filmes menores, mas sua carreira nunca mais foi a mesma. Aos poucos, ela foi tendo mais e mais problemas mentais, ficou paranóica no fim de sua vida e veio a falecer, aos 50 anos de idade em 1973, ignorada pelas filhas e apoiada pelo filho.

Lake se tornou lendária como pinup dos anos áureos de Hollywood, mas nunca se considerou grande atriz.

Disse certa vez que não era uma ‘sex symbol’ e sim uma ‘sex zombie’ e que se pegassem todo o talento dela e enfiasse no olho esquerdo de alguém, essa pessoa nem ia ter problemas de visão. E em tempo, se você assistir o ótimo Los Angeles – Cidade Proibida, verá que Kim Bassinger está emulando o estilo de Lake. E isso, lhe deu um Oscar!

O nome é Bond, Bond Girl

2011-06-30T10:36:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em junho de 2011
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Saiu hoje que a atriz Naomie Harris de Piratas do Caribe: No Fim do Mundo (ela era aquela bruxa de dentes pretos que se revela algo mais) está em conversações para participar da próxima aventura de James Bond. A morena de 35 anos assume então um papel que já foi disputado por muitas e que ainda tem um certo glamour : ser a Bond Girl (digo isso porque cantar a música-tema já foi sinônimo de sucesso e hoje ninguém lembra quem o fez nas últimas peripécias do famoso 007).

As Bond Girls mudaram muito desde que o agente secreto surgiu nas telonas em 1962. Aliás, a Bond Girl no primeiro filme era a vitaminada Ursula Andress, inesquecível em um biquini branco com uma faca a tiracolo. No começo, elas eram bem tolinhas, dependentes de Jimmy e caiam que nem umas tontas nos xavecos dele. Eis que em Goldeneye, a estrutura “bondiana” sofreu uma grande revisão com o aparecimento de uma M (Judi Dench), uma vilã gostosíssima e bem cruel (Famke Janssenn) e uma Bond Girl meio sem graça, mas enfezada (Izabella Scorupco).

Como sou fã dos filmes de James Bond, tomo a liberdade de fazer uma lista muito pessoal das 10 melhores Bond Girls de todos os tempos. Fique totalmente à vontade para contestar.

1. Daniela Bianchi como Tatiana Romanova em Moscou contra 007:

Bonita, loura, jeitinho de menina, a acanhada Tatiana tem que engolir a vergonha para se atirar na cama de Bond em nome da União Soviética (pelo menos é assim que ela pensava). Bianchi, uma atriz italiana, tinha um sotaque macarrônico tão carregado que não dava para passar por russa e acabou sendo dublada. O mesmo ocorreu com Andress em Dr. No.

2. Honor Blackman como Pussy Galore em Goldfinger:

Essa é a grande deusa dos filmes clássicos de 007, apesar de muita gente insistir que Galore é lésbica (não é, ok?). A capanga de Goldfinger era durona, lutava karatê, chefiava um grupo de mulheres aviadoras, mas acaba caindo na ladainha do agente. Num filme em que a belíssima Shirley Eaton acaba pintada de dourado, Blackman domina.

3. Jane Seymour como Solitaire em Viva e Deixe Morrer:

No primeiro filme de Roger Moore como 007, uma aventura juntando vodu com tráfico de drogas, perseguições fantásticas nos Everglades e trilha de Paul Maccartney com George Martin, a graciosa Seymour faz uma vidente que, se perdesse a virgindade, ficaria sem seu poder de enxergar o futuro. Bom, depois de conhecer Bond, a menina teve de procurar outro emprego.

4. Barbara Bach como Anya Amasova em O Espião que me Amava:

A senhora Ringo Starr era linda de dar dó, com um corpinho fantástico (chegou a posar para a Playboy), mas era expressiva como uma tábua de passar roupa. Só que não faz mal. Sua agente russa que quer matar Bond para vingar a morte do marido e acaba na cama com ele, é inesquecível.

5. Carole Bouquet como Melina Havelock em Somente para seus Olhos:

Eu arriscaria dizer que é a mais bonita Bond Girl de todas as 22 aventuras oficiais. Bouquet, uma francesa que aparecera em Esse Obscuro Objeto de Desejo de Buñel, também interpreta uma garota sedenta de vingança pela morte dos pais. Lá pelas tantas ela até salva Bond do perigo.

6. Fiona Fullerton como Pola Ivanova em Na Mira dos Assassinos:

O filme era ruim de doer, Tanya Roberts era ruim de doer (anos depois ela faria That´s 70´s Show e em um episódio aparece com várias ex-Bond Girls), o vilão era ruim de doer, mas lá pelas tantas Bond é seduzido por uma russa na banheira e nosso queixo cai. Detalhe, a loura Fiona é nigeriana de nascimento. Exótico, né?

7. Famke Janssen como Xenia Onatopp em Goldeneye:

A já citada Janssen teve uma das melhores personagens de toda a mitologia de Bond. Para começar pelo nome (uma brincadeira com “on top”, ou – se você não manja da língua do bardo – ela fica por cima). Depois porque sua psicótica Xenia mata os homens durante a transa, esmagando as costelas do infeliz. O cara morre sorrindo, mas parafraseando 007, não é sexo seguro.

8. Denise Richards como Christmas Jones em O Mundo não é o Bastante:

A maior forçação de barra dos filmes de Bond foi Sean Connery se disfarçar de japonês em Só se Vive Duas Vezes. A segunda é a deliciosa Richards (ex-Sra Charlie Sheen) como cientista nuclear. E a melhor frase do filme: depois da transa, Bond solta: “I thought Christmas only came once a year” (se você não manja da língua do bardo, problema seu. É intraduzível).

9. Halle Berry como Jinx em Um Novo Dia para Morrer:

Halle Berry repete a famosa cena de Ursula Andress em Dr. No, desta vez com um biquini laranja e entra para o rol de cenas mais marcantes, sexys e provocativas da história do cinema. A gente não pode deixar de destacar também a bela e gélida Rosamunde Pilke como Miranda Frost. Ou seja, o filme agradava a fãs de morenas e de louras.

10. Olga Kurylenko como Camille em Quantum of Solace:

Só nos filmes de Bond, uma ucraniana pode fazer papel de boliviana. E só nos filmes de Bond, uma mulher maravilhosa, com um corpo escultural, olhos de derreter estátua e que faz questão de aparecer nua em todos os filmes que faz, passa 106 minutos vestida.

Afinal, quem foi Marilyn Monroe?

2011-06-30T10:31:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em junho de 2011
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Se estivesse viva, Marilyn Monroe completaria 85 anos de idade hoje, 01 de junho, e nos faz pensar que tipo de senhora ela se tornaria. Será que conseguiria a felicidade depois dos affairs com os Kennedy? Será que imitaria outras duas grandes musas, Greta Garbo e Marlene Dietrich e se fecharia ao mundo, nunca se deixando fotografar? Ou faria como Betty White, a comediante que desde 1953 encanta os norteamericanos e hoje, aos 89 anos, continua atuando e virou ícone da nova geração pela quantidade monumental de palavrões que solta nas piadas? Nós nunca saberemos. Nem conseguiremos definir quem foi o fenômeno Marilyn Monroe, mesmo porque ela teve muitas facetas e muitos nomes. Nasceu Norma Jean Mortenson, foi criada como Norma Jean Baker em muitos orfanatos, posou como Mona Baker e em 1947 fez seu debut no cinema em dois filmes, Sua Alteza, Secretária e Idade Perigosa, depois de uma bem sucedida carreira como modelo e se tornou Marilyn Monroe.

Seu primeiro grande sucesso dramático no cinema foi Niagara ou Torrentes de Paixões, como se chamou aqui e abriu caminho para ela crescer tanto no drama, como na comédia e encantar as platéias com Homens Preferem as Louras, o sensacional Quanto Mais Quente Melhor, o melhor filme sobre as agruras do homem casado quando fica sozinho: O Pecado Mora ao Lado, Os Desajustados, entre muitos outros. Só que a Marilyn das telas não era a real. Foi casada três vezes, a primeira com um amor de juventude, James Dougherty; depois com o jogador de baseball Joe DiMaggio (que até o fim da vida dele, colocou flores no túmulo dela) e, algo que ninguém pode explicar, com o escritor e intelectual Arthur Miller. E não foi feliz. Cantou e seduziu o presidente e também não foi feliz. Morreu misteriosamente em 1962, bêbada e viciada em barbitúricos e virou uma lenda em si. Tanto que aquela moça ruiva, que dizia querer conquistar o mundo, “cheinha” para os padrões atuais, que usava óculos e que, segundo dizem, era temperamental e nada confiável foi escolhida como a mulher mais sexy do século XX pela revista People. Mas quem foi ela? O melhor é deixar as pessoas que a conheceram de perto definir a deusa:

“Não é difícil entender o fascínio da América com Marilyn Monroe. Ela foi a primeira garota a vestir blusas transparentes. Eu a conheci em 49 na Universal. Eu já estava sob contrato. Ela estava à procura de um contrato. Eu devia ter 23 ou 24. Nos encontramos no estúdio e começamos a sair. Ficamos juntos por seis ou sete meses. Firmes.. Na época, ninguém sabia o quão grande ela se tornaria. Eu nunca senti que seu corpo era assim tão bom. Eu achava que era um pouco irregular em alguns lugares. Ela era uma ruiva na época, e no momento ela não parecia ser diferente de todas as outras mulheres jovens gostosas que tentavam entrar em filmes. Mas então ela desenvolveu aquela mulher estúpida -- Não, eu não quero chamá-la assim -- era mais como uma menininha ingênua. No cinema, ela começou a falar devagar, como se ela estivesse pensando nas palavras que ia dizer, isso é que se tornou sua magia. Isso as blusas transparentes se encaixaram perfeitamente.”

Tony Curtis, que trabalharia com ela em Quanto Mais Quente, Melhor

“Eu tive um calafrio. Esta menina tinha algo que eu não tinha visto desde filmes mudos. Ela tinha uma beleza fantástica, como Gloria Swanson, quando uma estrela de cinema tinha que ter um olhar lindo, e ela tinha uma sexualidade como Jean Harlow.”

Leon Shamroy, diretor de fotografia em 12o filmes, sobre o primeiro teste de Marilyn em 1946

“As inseguranças Marilyn praticamente saíam para fora dela. Se ela tivesse um encontro às oito horas, eu tinha que estar lá ao meio-dia para começar a trabalhá-la. Se eu atrasasse dois minutos, ela ficava furiosa, mas isso não a impedia de fazer as outras pessoas esperarem por horas ou dias.”

George Masters, maquiador

“Ela não era o ídolo do cinema que a gente estava acostumado. Havia algo de democrático sobre ela. Ela era do tipo que iria se juntar a você e lavar os pratos do jantar, mesmo que você não pedisse a ela.”

Carl Sandburg, escritor e poeta

“Marilyn estava a um passo do esquecimento quando a dirigi em O Segredo das Jóias. Lembro que ela me impressionou mais fora do que dentro das telas … havia algo de tocante e atraentes sobre ela.”

John Huston, o grande mestre do cinema e diretor de os Desajustados e O Segredo das Jóias

“Ela se viu afundando em Hollywood em 1955 e disse ao seu estúdio: ‘Eu não estou aqui apenas balançando meu traseiro.’ Marilyn não é uma coisa qualquer, ela é multidimensional. Como atriz, ela tem muitas imitadoras, mas só Marilyn sobrevive “

Eli Wallach, o grande ator que trabalhou com ela em Os Desajustados

“Eu vi que o que ela parecia não era o que ela realmente era e o que estava acontecendo dentro dela, não era o que estava acontecendo lá fora, e isso sempre significa que pode haver algo com que se trabalhar. No caso de Marilyn, as reações foram fenomenais . Ela pode envolver-se emocionalmente, o que é necessário para uma boa cena. Seu alcance é infinito. “

Lee Strasberg, diretor e criador do Actors Studio e professor de interpretação de Marilyn (que deixou sua herança a ele)

“Seu trabalho a assustava e apesar de ter inquestionável talento, eu acho que ela tinha uma resistência subconsciente para o exercício de ser atriz, mas ela estava intrigada com sua mística e feliz como uma criança quando estava para ser fotografada. Gerenciou todos os negócios do estrelato com incrível, inteligente e aparente facilidade”.

Sir Laurence Olivier, que trabalhou com Marilyn em O Príncipe Encantado e -- dizem -- se envolveu com ela nas filmagens

“Você se lembra de quando Marilyn Monroe morreu? Todo mundo parou de trabalhar, e você podia ver o dia todo, as mesmas expressões em seus rostos, o mesmo pensamento: “Como pode uma menina com sucesso, fama, juventude, dinheiro, beleza. . . Como ela poderia se matar? Ninguém conseguia entender, porque essas são as coisas que todo mundo quer, e eles não podem acreditar que a vida não era importante para Marilyn Monroe, ou que sua vida estava em outro lugar.”

Marlon Brando, que dispensa apresentações

“Ela vale todo o problema que causar”

Joshua Logan, que foi seu par romântico em Nunca Fui Santa para Laurence Olivier

Happy B-day, Clint (you dirty rotten old man)

2011-06-30T10:26:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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Hoje é um dia sagrado para homens de todo mundo. Ou deveria ser. Um dia para se sentar sozinho, lata de cerveja à mão, charuto na boca e, em um momento de reflexão profunda, pensar “quanto falta para eu ser Clint Eastwood?”. O ator, produtor, diretor, compositor e político, chega hoje aos 81 anos de idade, muito bem sucedido, deixando uma marca indelével na história do cinema e sendo ainda um dos caras que mais desenvolveu personagens que são referência de masculinidade. Nada mal para um ator que começou como extra que não era nem mencionado nos créditos, foi para a TV, assumiu trabalhar com um italiano que ninguém conhecia e ganhou o mundo.

Antes da fama, Eastwood fez de tudo na vida. No colégio era ginasta, jogava basquete, futebol americano e competia no time de natação. Depois foi salva-vidas, caddy de golfe, caixa de mercearia, professor de natação e soldado. Aliás, na Guerra da Coréia, o avião em que viajava ficou sem combustível e caiu no oceano, perto da costa norte da Califórnia. Ele e o piloto escaparam, nadando cinco kilômetros até acharem terra.

Ao se mudar para Los Angeles com mala, cuia e namorada a tiracolo, Clint trabalhou em uma série de filmes inexpressivos até surgir o seriado Rawhide em 1959, onde fazia o moleque impetuoso Rowdy Yates, que dava uma dor de cabeça danada ao líder do vaqueiros. A série durou até 1965, mas um ano antes veio a grande oportunidade de Clint, viver o “homem sem nome” em um filme do então desconhecido Sergio Leone. Era Por um Punhado de Dólares, em um papel que muita gente recusara, incluindo aí, Charles Bronson (que trabalharia com Leone anos depois em Era uma Vez no Oeste), George Reeves (O Superman dos anos 50), Henry Fonda (que também estaria em Era Uma Vez) e James Coburn (que faria Quando Explode a Vingança). Eastwood viu a chance de se livrar de Rowdy e a oportunidade de trabalhar por 11 meses na Europa, além de ter um considerável aumento de salário e ganhar uma Mercedes no fim dos trabalhos.

O filme foi um sucesso estrondoso, fez com que ele atuasse em mais duas produções de Leone e voltasse aos EUA não só como um grande astro, mas também como o sinônimo de durão e cool nas telonas. Com o dinheiro ganho na Europa fundou a Malpaso Productions e logo em seu primeiro filme, A Marca da Forca, conseguiu ser a maior bilheteria da história da United Artists, excetuando aí os filmes de James Bond.

Do final da década de 1960 até o começo dos anos 70, Eastwood emplacou vários sucessos no cinema como Meu Nome é Coogan, Os Abutres tem Fome, Os Guerreiros Pilantras, até surgir outro personagem que mudaria sua vida: o policial mais durão do mundo, Harry Callahan ou ‘Dirty’ Harry em Perseguidor Implacável de 1971. Ele era o tira que não segue regra alguma e que tortura psicologicamente seus perseguidos com sua Magnum 44 e o famoso discurso do “você se sente sortudo hoje, punk?”. O filme custou cerca de quatro milhões de dólares e rendeu 28 milhões só nos Estados Unidos. Dois anos depois, Harry volta em Magnum 44, desta vez enfrentando um esquadrão da morte na polícia de San Francisco. Em 1976, o policial destrói um grupo terrorista formado por ex-combatentes do Vietnã em Sem Medo da Morte, já em 1983, Harry está suspenso na força, mas investiga um caso de vingança e em 1988 o velho ‘Dirty’ se torna o alvo de um serial killer especializado em celebridades em Dirty Harry na Lista Negra.

Enquanto atirava em todo mundo, Clint fez, nesse meio tempo, produções boas e algumas bem ruinzinhas.

Do primeiro escalão estão O Estranho sem Nome (a versão americana do personagem italiano), Josey Wales, Bronco Billy e O Cavaleiro Solitário (feito em uma época que o faroeste já tinha tido seu fim decretado e que faturou mais de 40 milhões de dólares nos EUA). Já para as produções mais furadas estão aquelas típicas da era Reagan como Firefox (onde sequestra um avião experimental soviético) e O Destemido Senhor da Guerra e coisas como Cidade Ardente, a lado de Burt Reynolds.

A década de 1990 mostrou mais uma faceta de Eastwood, a de diretor bem sucedido. Fez Coração de Caçador, baseado na história real de John Huston e sua filmagem de Uma Aventura na África; ganhou muita notoriedade com Os Imperdoáveis, sua releitura dos faroestes, mostrando que na vida real, balas e matança não tem graça; realizou o filme favorito de 90% das mulheres, As Pontes de Madison (e aí todos viram que machão também pode ser sensível) e conquistou a academia com Sobre Meninos e Lobos, Menina de Ouro, a dobradinha A Conquista da Honra e Cartas de Iwo Jiwa, Invictus etc.

Sua última aparição nas telas foi , de uma certa maneira, mostrando como seria a velhice de seus personagens mais famosos e ainda fazendo uma revisão de vida em cima deles, através do Walt Kowalski do ótimo Gran Torino. O homem era preconceituoso, mal-humorado, silencioso, mas com um senso de honra e justiça sem igual.

Eastwod disse certa vez que se você quer garantia em cima de algo, que compre então uma torradeira. Mais do que um cineasta, ele é a prova de que com esforço e senso de oportunidade, auto-confiança e respeito próprio, segurança e senso de humor, você consegue chegar longe e fugir dos estereótipos.

Mais do que a qualquer um, nós realmente te desejamos hoje, muitos anos de vida!

10 motivos pelos quais John Wayne é uma lenda masculina

2011-06-30T10:22:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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Ontem comemorou-se 104 anos do nascimento do grande John Wayne, o ‘Duke’, um dos maiores mitos do cinema e seguramente um dos grandes símbolos masculinos do século XX . Era um ator de um papel só, mas que preenchia a tela com seu carisma e força e se tornou um homem muito maior que seus 1,93m de altura. Mesmo com todas as polêmicas que cercaram sua vida (em especial uma entrevista à Playboy onde afirmou que os antepassados fizeram bem em tirar as terras dos índios e que os negros poderiam ter o mesmo direito dos brancos, desde que soubessem se comportar), ele ainda é tão querido pelos norteamericanos, que em 2011 ficou em terceiro lugar na pesquisa realizada anualmente pelo Harris Institute, abordando os artistas favoritas da América. Ele é o único falecido da lista a aparecer desde 1994. Aqui vão mais 10 fatos sobre ele:

1) O nome real dele era Marion e isso não o impediu de se tornar um dos maiores machões do cinema.

2) Ele foi recusado pela Academia Naval dos EUA quando jovem e anos depois se tornou um dos grandes artistas de filmes de guerra, inspirando legiões de jovens para o alistamento e não só apoiou, como participou do esforço de guerra no Vietnã.

3) Por falar em guerra, em 1975, o Imperador Hiroito do Japão visitou os Estados Unidos, seu antigo inimigo na II Guerra, e fez questão de conhecer John Wayne.

4) De todos os filmes que participou, foi ator principal em 142 deles. Um recorde nunca batido por nenhum outro artista.

5) Seu maior “inimigo” em relação às suas posições políticas foi o radical esquerdista Abbie Hoffman que, apesar das diferenças, o admirava como ator e símbolo americano, chegando a dizer: “Eu gosto do estilo de Wayne na sua totalidade. Quanto à sua visão política, bem, suponho que mesmo os homens das cavernas sentiam um pouco de admiração pelos dinossauros que estavam tentando devorá-los”.

6) Ele gravou um disco falando como amava seu país (“America: Why I Love Her”) e vendeu tanto no lançamento que acabou concorrendo a um Grammy. Depois dos ataques de 11 de setembro, ele foi relançado em CD e acabou se tornando um best seller de novo.

7) Senso de humor único : em 1974, no meio da Guerra do Vietnã, a revista National Lampoon resolveu tirar uma do Duke e lhe convidou para uma entrega de prêmios, onde ele receberia a estátueta das “Bolas de Metal”, pelo seu machismo e inacreditável capacidade de perfurar pessoas. Wayne chegou à cerimônia em um jipe blindado pilotado pelos Black Knights do 5o regimento do exército e subiu ao palco improvisando piadas sobre destreza e agilidade. Conquistou toda a platéia e saiu como herói.

8 ) Mel Brooks o encontrou quando começara a filmar Banzé no Oeste e lhe convidou a trabalhar no filme, uma esculhambação em cima de faroestes. Wayne leu o script e respondeu através de um bilhete: “não posso trabalhar nesse filme, mas saiba que serei a primeira pessoa na fila no dia de seu lançamento”.

9) Dennis Hopper andava armado e cheio de drogas, ameaçava todo mundo nos estúdios. Um dia, John Wayne entrou em um dos escritórios, arma em punho, procurando “aquele comunistazinho de merda do Hopper”. Dennis se escondeu debaixo de uma mesa e não saiu até a situação ficar segura. Ninguém enfrenta John Wayne, nem mesmo com drogas na cabeça.

10) Capacidade única de responder perguntas indiscretas: “eu como tanto quanto sempre comi, bebo mais do que devia e minha vida sexual não é da sua maldita conta” (para a famosa entrevista da Playboy em 1971).

O retrô cult da Pixar

2011-06-30T10:18:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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Steve Jobs é um visionário. Ele revolucionou nossa interação com a tecnologia e criou uma marca arrebatadora que é praticamente uma seita, já que os consumidores se portam como fiéis. Como um homem que enxerga o futuro, ele vislumbrou que a computação gráfica iria dominar o mercado de animações e comprou a Pixar de George Lucas em 1986. Steve Jobs é um cara extremamente centralizador. Na Apple, ele supervisiona tudo, da engenharia ao marketing. Só que não na Pixar. Lá, ele confia em um bando de nerds que se tornaram o grande trunfo e a grande qualidade do estúdio.

Você até pode gostar dos desenhos da Dreamworks ou da Fox Animation, mas nada bate o apuro visual, os personagens bem desenvolvidos e o roteiro marcante da Pixar. E tudo isso reside no fato de que John Lasseter e sua turma são realmente geeks de carteirinha, com uma bagagem fora do comum de cultura pop. Quer ver?

Em Toy Story 2, Buzz Lightyear encontra finalmente seu arquiinimigo Zurg, que solta uma das mais famosas frases da saga de Star Wars e do cinema: “I am your father”, para delírio dos marmanjos. No mesmo filme temos o pinguin Wheezy, que nada mais é do que uma homenagem ao Linux. Em Vida de Inseto temos P.T. Flea, o chefe da trupe de insetos de circo, uma referência a P.T. Barnum, um dos maiores donos de circo nos EUA. E que tal o fato de que Edna Mode de Os Incríveis ser baseada na mítica Edith Head, a estilista de Hollywood que vestiu Audrey em A Princesa & e Plebeu, Novak em Um Corpo de Cai, Stanwick em Pacto de Sangue e assinou o figurino de outras 426 produções? Não se convenceu? Em Monstros S.A., Mike Wazowski leva sua namorada Celia a um dos mais disputados restaurantes japoneses de Monstrópolis, o Harryhausen, só que Ray Harryhausen foi o lendário mestre dos efeitos especiais nas décadas de 50 e 60 que usava do stop motion para fazer justamente os monstros de clássicos como Jasão e os Argonautas (seu último trabalho nessa área foi a primeira versão de Fúria de Titãs). Até mesmo na escolha de dubladores há um cuidado. O Hudson Hornet do primeiro Carros, um automóvel de corridas aposentado, foi dublado por Paul Newman, que também teve uma carreira nas pistas (e declarou que o carrinho foi um dos seus dois melhores papéis).

Ou seja, existem muitas referências nos desenhos da Pixar e esse purismo acaba afetando até mesmo outras áreas e outros colaboradores. Micheal Giacchino, por exemplo, quando compôs a trilha de Os Incríveis, baseou-se no trabalho que John Barry fez nos anos 60 para os filmes de James Bond e, não contente com isso, resolveu juntar a orquestra toda em um estúdio de gravação e gravar as músicas em aparelhos analógicos para se conseguir o mesmo tipo de som. Preciosismo? Não, esse é o modo Pixar de trabalhar. E quando você ouve a trilha (e ela vale muita a pena) sente a diferença.

Não tenho como saber se os animadores estão envolvidos no marketing do próximo filme da Pixar, Carros 2, mas a aventura que vai fazer Lightning McQueen e seu amigo Tow Mater viajarem pelo mundo e ainda se envolverem com um agente secreto inglês, Finn McMissille, uma referência ao Aston Martin DB5 de Bond e dublado por Michael Caine (por que não Connery? Será que ele não topou?) está com uma campanha fantástica com cartazes imitando o estilo dos anos 1950 e 1960. Alguns deles lembram posteres vintage de turismo e outros, antigos cartazes de filmes de 007 (como o que ilustra esse post). A estética é impressionante, a qualidade da arte é incrível e você pode conferir em nossa galeria especial aqui.

O desenho estréia em 24 de junho e, pelo que vi em outra campanha de Carros 2, teremos um automóvel de corrida brasileiro, a “carrinha” Carla Veloso (veja aqui). É esperar para ver. E torcer!

Muito antes de ‘Velozes e Furiosos’

2011-06-30T10:14:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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A série ‘Velozes e Furiosos”, agora em quinta edição, consegue encantar o pessoal que curte altas doses de testosterona combinadas com nitro e carros potentes e ainda coloca rachas ilegais, contrabando e FBI na jogada, ou seja, com a moral: você tem que ser um criminoso para gostar de velocidade. Acontece que essa é uma fórmula antiga, que remonta aos anos 70 e 80 e que fez muito sucesso nas telonas.

Em 1971, tivemos o considerado “maior clássico de perseguição nas estradas”, Corrida Contra o Destino (Vanshing Point no original), onde o ator Barry Newman faz Kowalski, um ex-fuzileiro naval, ex-policial, ex-herói no Vietna, ou seja, um ex alguma coisa, que é contratado para levar um Dodge Chalenger 1970 de Denver para San Francisco (cerca de 2041 kilômetros de distância) e é desafiado a fazer isso em 15 horas (ou seja, tem quen manter, no mínimo 140 km/h para vencer). É óbvio que toda a polícia vai atrás dele e um DJ cego, que tem acesso às transmissões dos tiras, fica dando dicas ao neurótico corredor pela rádio. O filme é tão marcante para a cultura pop que inspirou bandas como Primal Scream, Guns N´ Roses em suas músicas, Audioslave no videoclip de ‘Show me how to live” e, obviamente, Quentin Tarantino em Á Prova de Morte. Foi refilmado com Viggo Mortensen e lançado em DVD e Blu-Ray no Brasil pela Fox.

Cinco anos depois eis que surge The Gumball Rally, onde o recém-falecido ator Michael Sarrazin faz um empresário rico e entediado que promove uma corrida que vai de Nova York à Los Angeles em menos tempo possível e infringindo todas as leis de trânsito. É um filme de época, mas tem coisas bem sacadas. Cada competidor está em um carro, então você tem Micheal e seu parceiro em um AC Shleby Cobra 1966, Raul Julia e co-piloto em uma Ferrari 365 GTS/4 1972, dois policiais corredores em um Dodge Polara ’71, Gary Busey em um Chevrolet Camaro ’72, duas garotas em uma Porshe 911 Targa, dois velhos ingleses em uma Mercedes 300SL Roadster, um cara e sua namorada em um Rolls Royce Silver Shadow 1969 e mais uma Corvete, um Chevy Van e um Jaguar. Este último nunca sai da garagem, porque os produtores haviam pedido à Jaguar que lhes fornecessem um carro para o filme. Como o fabricante se recusou, eles acabaram fazendo com que o automóvel “quebrasse” e nunca participasse da corrida. Pelo filme ter sido dirigido e produzido por Charles Bail, um ex-dublê, prepare-se para muitos acidentes de carro e algumas cenas impressionantes como a corrida começando em NY (filmado em um domingo de manhã com as ruas fechadas) e até mesmo nos canais de Los Angeles.

Em 1977, surge o primeiro Agarre-me se Puderes com Burt Reynolds, Sally Fields e Jackey Gleason. Mais uma vez uma aposta que exige o não cumprimento das leis de trânsito conduz a trama do filme, sem os resultados catastróficos de Vanishing Point. Reynolds é desafiado a levar cerveja de Texarcana no Texas para a Georgia, cerca de 2900 kilômetros em 28 horas. Para conseguir isso, ele chama seu amigo Snowman para dirigir o caminhão, enquanto distrai os ‘smokeys’, gíria para polícia rodoviária nos EUA com Pontiac Firebird Trans Am 1977. É outro filme cheio de acidentes e cenas fantásticas na estrada e ainda conta com Gleason, um famoso e antigo comediante da TV norteamericana, que se divertiu no papel do ferrenho policial Buford T. Justice, improvisando falas e fazendo caretas inesquecíveis. O filme consagrou a música ‘East, Bound and Down’ de Jerry Reed, fez com que as vendas do Trans Am dobrassem em dois anos e foi um sucesso tão grande (só perdeu em bilheteria em 1977 para Star Wars), que gerou duas continuações (a terceira um caça-níqueis em Burt só aparece em uma cena). Foi lançado em DVD no Brasil pela Universal e, segundo sua filha, era um dos filmes preferidos de Alfred Hitchcock (ou como ele chamava, um prazer com culpa).

Assim como fez Paul Newman nos anos 1960, Reynolds ficou tão ligado às corridas que em 1981 estrelou outro classicão das estradas, Quem Não Corre, Voa, acompanhado de um elenco estelar, Roger Moore (como um milionário que se acha parecido com Roger Moore e finge ser 007), Farah Fawcett no auge da beleza,o comediante Don De Luise, os veteranos do Rat Pack Sammy Davis Jr e Dean Martin e Jackie Chan em seu segundo filme americano. Baseado em uma corrida ilegal que realmente aconteceu nos anos 70 e que atravessava todo os EUA (a Cannonball Baker Sea-To-Shining-Sea Memorial Trophy Dash), o filme tinha uma ambulância Dodge Sportsman modificada, uma Ferrari 308 GTS (que na verdade era do diretor do filme), uma Lamborghini Countach, um Subaru GL computadorizado, um Chevrolet Chevelle Laguna, um Aston martin DB5 e um Rolls Royce Silver Shadow disputando o primeiro prêmio. Rendeu mais de 70 milhões só lá no país de Obama e acabou gerando uma continuação mais sem graça em 1984 com boa parte do elenco e ainda Frank Sinatra em sua última aparição nas telonas (depois fez uma ponta na série Magnum em 1987, mas para a TV). Você ainda acha esse filme em DVD no Brasil.

O primeiro filme ‘da hora’

2011-06-30T10:11:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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Vi essa semana o trailer do novo filme de Colin Farrell (agora em versão sem drogas -- e mais cheinho), Fright Night. No elenco estão Anton Yelchin (o novo Chekov de Star Trek) e aquela-que-só-faz-papel-de-mãe-desesperada-depois-que-emagreceu Toni Collete. Pois bem, esse filme é refilmagem de um pequeno clássico descartável dos anos 1980, que fez história no Brasil, A Hora do Espanto.

Em 1981, um novato Sam Raimi lançou seu ótimo Evil Dead -- A Morte do Demônio,um filme trash, produção totalmente B que unia terror e humor. Era o chamado, em português, terrir. No mesmo ano veio Um Lobisomem Americano em Londres de John Dante com a mesma fórmula e efeitos especiais incríveis para a época. Em 1985, estreou A Hora do Espanto nos cinemas, contando a história de um teen, Charley Brewster que descobre que seu novo vizinho, bonitão e sedutor, é um vampiro. Ninguém acredita no cara, especialmente sua namorada e seu melhor amigo esquisito (que acabam vítimas do sanguessuga). Para conseguir salvar a garota, Brewster busca a ajuda de um apresentador de TV que tem um programa de filmes de terror trash, Peter Vincent (homenagem a dois grandes nomes do cinema de horror, Peter Cushing e Vincent Price) e os dois enfrentam o vampirão.

De famoso no elenco, só duas pessoas decadentes: o sempre careteiro, ex-menino prodígio de Hollywood, e ex-Dr. Cornelius de Planeta dos Macacos, Roddy McDowall no papel de Peter Vincent e o primeiro marido de Susan Sarandon, cujo grande papel na vida foi o de amante de Al Pacino no ótimo Um Dia de Cão, Chris Sarandon como Jerry Dandridge (isso é nome de vampiro?). William Ragsdale (que nunca mais fez nada que preste) era Brewster, Stephen Geoffreys (quem? sim, ele só fez porcaria) era seu melhor amigo, Evil Eddie e Amanda Bearse, na época uma gatinha, era a namoradinha de Charley. Ela depois ficou bem famosa como Marcy D´Arcy, a vizinha dos Bundy na série Married with Children e depois se tornou ativista gay nos EUA.

O filme era divertidíssimo, dosava bem os efeitos de terror com boas piadas e teve uma grande identificação com o pessoal jovem, tanto nos EUA (onde faturou mais de 24 milhões de dólares) como no Brasil, já que o vampiro era um tremendo sedutor que pegava as suas vítimas em boates, se vestia na moda e dava um baile nos heróis que eram da nossa idade. O sucesso foi tanto que gerou uma continuação bem ruim (desta vez Brewster enfrenta a irmã de Dandridge) e também uma tremenda babaquice no Brasil.

Como aqui a bilheteria foi muito boa, os luminares das distribuidoras em terras tupiniquins decidiram que se colocassem “A Hora” no nome do filme, o pessoal iria relacionar com Fright Night e o sucesso estaria garantido. Assim, Nightmare on Elm Street, aquele com Johnny Depp e com o infame Freddie Kruger se chamou…. A Hora do Pesadelo. Já Silver Bullet, outro bom filme de lobisomem baseado em Stephen King virou….. A Hora do Lobisomem. O rei do terror teve interferência até na literatura, já que um de seus livros, ‘Salem´s Lot’ que trata de vampiros, mas nunca usa a palavra vampiro (cita alho, crucifixo etc e você faz a relação) foi lançado como…..A Hora do Vampiro. O campeão de forçada de barra ficou com o filme Dead Zone, também inspirado em King. Aqui, eu juro, teve o surreal e estúpido nome de ….A Hora da Zona Morta.

Quando o bom moço ficou mau

2011-06-30T10:05:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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Hoje, 16 de maio, comemora-se os 106 anos do nascimento de Henry Fonda, que junto com James Stewart, foi um dos mais famosos bons moços do cinema. Fonda sempre foi o herói, o menino desprotegido, o idealista, o cara em que todos confiam. Foi assim em Vinhas da Ira (de 1940), um belíssimo libelo contra a pobreza escrito por John Steinbeck; em Paixão dos Fortes (1943), onde viveu Wyatt Earp, Mister Roberts (ao lado de Jimmy Cagney), O Mais Longo dos Dias (1962) e chegou a retratar até mesmo o mais louvado e honesto presidente dos Estados Unidos, Abe Lincoln.

Tudo isso até surgir Sérgio Leone em sua vida. O diretor italiano, que já havia brilhado em Por um Punhado de Dólares (1964), Por uns Dólares a Mais (1965) e Três Homens em Conflito (1966), fez o impossível. Transformou Fonda em um vilão implacável e cruel em Era uma Vez no Oeste de 1968.

Este foi o primeiro filme da trilogia dos Estados Unidos, dirigido por Leone (os outros foram Quando Explode a Vingança e Era uma vez na America) e tratava da ganância dos magnatas das ferrovias que não hesitavam em contratar matadores para eliminar famílias inteiras, cujas fazendas ficavam no caminho dos trens (era mais barato fazer isso do que comprar a propriedade ou desviar o caminho). E foi justamente para Henry Fonda que sobrou o terrível Frank (sem sobrenome mesmo). Logo na primeira cena em que ele aparece, onde um pai e seus filhos são mortos por seu bando, um dos capangas nota que sobrou uma criança viva e pergunta: “Frank, o que fazemos agora?”. E Frank responde: “Agora que você disse meu nome…” e mata o pimpolho. Assim mesmo. A sangue frio.

Ele também não respeitava muito seu chefe, o milionário Morton, que, apesar de aleijado, apanha do seu contratado, a torto e à direito (segundo Frank não dava para se fiar em um cara que usa cinto e suspensório e assim não confia nem nas próprias calças). No caminho da dupla surge Charles Bronson andando o tempo todo com uma gaita e sedento de vingança (você só descobre porquê no final do filme), Jason Robards como o divertido bandido procurado Cheyenne e a deslumbrante e vitaminada Claudia Cardinalle.

O ator não queria o papel. Leone voou aos Estados Unidos e conseguiu convencê-lo ao dizer que a platéia veria um homem matar uma criança e quando a câmera mostrasse seu rosto, seria Henry Fonda e todos ficariam chocados. Ainda assim, ele foi procurar seu amigo Eli Wallach que trabalhara em Três Homens em Conflito, que lhe disse “aceite porque você vai ter momentos ótimos”. E assim aconteceu.

Quando Fonda chegou à Itália para filmar, apareceu com um grande bigode e lentes castanho escuro para dar mais cara de vilão a Frank. Leone ficou louco da vida emandou-lhe raspar imediatamente. Frank devia ter a cara de anjo de Fonda, com olhos azuis e tudo mais. No fim, o ator gostou tanto da experiência que acabou recomendando a James Coburn que aceitasse o papel principal em Quando Explode a Vingança.

O filme foge um pouco do estilo da trilogia do Homem sem Nome. Era mais lento, mais contemplativo com poucos diálogos e pouca ação. Seus personagens são mais tristes, nada glamurosos. É como um fim para aqueles faroestes cheios de mocinhos e bandidos. Neste filme não há ninguém bom (até mesmo Cardinale é uma aproveitadora). Só há aqueles que são cruéis demais e outros de menos. Mesmo com poucos diálogos, certas linhas são fenomenais, especialmente as de Fonda. Quando Frank é indagado por seu chefe no porquê matou aquela família se a ordem era apenas assustá-los, ele dispara:”as pessoas se apavoram quando estão morrendo”. Ou o sensacional diálogo entre Bronson e Jason Robards, quando o primeiro entrega o segundo para ganhar uma recompensa:

Harmonica: acho que há uma recompensa de cinco mil dólares por esse homem, não é?

Cheyenne: Judas se contentou com 4970 dólares a menos.

Harmonica: Não existia dólares naquela época.

Cheyenne: É. Mas já existiam FDPs.

Enfim Era uma Vez no Oeste é um show para quem aprecia uma direção perfeita, grandes atores, bom roteiro e, principalmente, um dos melhores duelos finais de todos os tempos. E, em tempo, tudo regado à belíssima trilha de Ennio Morricone. Em 2008, a revista especializada Empire promoveu uma pesquisa com 10 mil pessoas, 150 diretores e 50 críticos para escolher os 100 maiores filmes da história. Era uma Vez ficou em 14o lugar, o mais alto western do ranking. Vai desprezar algo assim?

Eternas musas de Cannes

2011-06-30T10:01:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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O festival de Cannes entra em sua segunda (e última) semana, com artistas e beldades desfilando para gáudio dos paparazzo e da imprensa especializada. Criado em 1939 e anulada pela II Guerra, a primeira edição do Festival aconteceu somente em 1946 e logo se tornou o lugar para ver e ser visto por amantes da sétima arte. É um misto de festival de filmes cult com espírito de revista de fofocas, mas gente como Steven Soderbergh (com Sexo, Mentiras e Videotapes), Quentin Tarantino (com Pulp Fiction), Bahz Luhrman (com Vem Dançar Comigo) e Lars Von Trier, devem muito de suas carreiras a ele. E uma das características mais legais é que sempre tem a “musa” informal da festa.

Em 1953, quem dominou Cannes foi a belíssima Brigitte Bardot, então com apenas 19 aninhos. A menina, modelo da revista Elle e aspirante a dançarina, encantou todo mundo com seu belíssimo corpo e sorriso matador e, três anos depois, voltou triunfante ao festival, já famosa, com o filme E Deus Criou a Mulher de Roger Vadin, então seu marido. Loira e ainda bonita, é um dos grandes símbolos da era clássica do balneário francês.

A italiana Sophia Loren era outra figurinha constante do festival nos anos 1950 até que em 1961 ganhou o prêmio de melhor atriz por sua performance como uma mãe que tenta proteger a filha na II Guerra na Itália no belíssimo drama, dirigido por Vittorio de Sicca, Duas Mulheres.

A peituda Jayne Mansfield, ex-playmate e primeira atriz premiada (com Globo de Ouro) a aparecer nua em um filme, causou furor em 1964, quando resolveu brincar só de biquini em uma fonte de Cannes. Obviamente que uma legião de fotógrafos estava lá para registrar o momento. Uma curiosidade: a atriz Mariska Hargetay do seriado Law and Order – Special Victims Unit é filha de Mansfield, mas não herdou em as formas abundantes, nem a sensualidade da mãe.

Você pode nunca ter ouvido falar nela, mas com certeza já ouviu Jane Birkin, uma das atrizes e cantoras mais lindas do mundo, meio que cantar. Ela encantou Cannes ao lado de seu mentor e segundo marido, o feião Serge Gainsbourg em 1969. Birkin, que já havia sido casada com John Barry, o cara que musicou os filmes de James Bond de 60 a 80, se apaixonou por Gainsbourg e os dois presentearam o mundo com a nauseabunda canção Je t’aime…moi non plus. Sim, era ela que sussurava e tinha orgasmos na canção.

A ciência ainda vai explicar como a atriz Nastassja Kinski pode ser filha de um dos caras mais horrorosos do mundo, o polonês Klaus Kinski (de Fitzcarraldo). Com apenas 18 anos, a gatíssima atriz levou um Globo de Ouro e encantou o pessoal de Cannes, com seu trabalho em Tess de Roman Polanksi (outro carinha feio pacas e de muito bom gosto para mulheres). Kinski, a menina, voltou depois em 1984, com o mega cult e emblemático Paris Texas de Wim Wenders.]

E não podemos esquecer da bela Natalie Portman, que provou ser deslumbrante até mesmo sem cabelo, quando desfilou pelo tapete vermelho em 2005, careca, graças à sua (ótima, diga-se de passagem) performance em V de Vingança.

Agora de todas as musas que Cannes já teve (e olha que até Madonna já passou por lá), nada mais interessante que a “modelo” Simone Silva. Em 1954, ela foi escolhida “Miss Festival” e fez questão de posar para uma foto junto do ator norteamericano Robert Mitchum. Na hora de posar, a moça quis mostrar dois de seus maiores atributos para surpresa de Mitchum (que não quis por a mão) e do fotógrafo que, no afã de não perder a cena, caiu e quebrou o pulso e uma perna. Ela foi expulsa de Cannes.

A saga de Jason Voorhees

2011-06-30T09:56:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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Pode falar o que quiser mas nos anos 1980 não houve figura mais aterradora que o Jason da cinessérie Sexta-Feira 13. Não tinha para Freddy Krueger (de A Hora do Pesadelo) ou para Mike Myers (o assassino de Halloween e não o comediante) ou para qualquer outro homicida das telas. O terror era Jason, uma máquina humana de matar, sempre em silêncio, sempre ressucitando, sempre detonando qualquer ser humano que aparecia na frente. “Ele é como um grande tubarão branco. A única coisa que você pode esperar é sobreviver a ele”, disse o grande mestre da sanguinoleira desta década, Sean Cunningham. De menino afogado a super-homem do mau, o grandalhão passou por muitas e más (e não poucas e boas, como diria Millôr) em seus mais de 30 anos de existência na cultura pop.

Por incrível que pareça, no primeiro filme de 1980, Jason ainda não era aquele que conhecemos. Ele aparecia nas memórias de sua mãe, Pamela Voorhees, inconformada com a morte de seu filho , ainda pequeno, no lago do Acampamento Crystal Lake. Culpando o pessoal do parque e buscando vingança, a matriarca matava jovens, até que, 10 mortes depois, a corajosa Alice Hardy consegue decapitar a madame.

O filme foi execrado por uns (inclusive pela atriz que faz a Sra. Voorhees) e louvado por outros e eis que surge Sexta-Feira 13 Parte II de 1981. Desta vez, descobre-se que Jason está vivo e quer vingar a morte de sua zelosa progenitora. Então, cinco anos depois dos acontecimentos do primeiro filme, mata nove jovens e no final, é mais uma menina que dá fim ao maníaco assassino, depois de encontrar um barraco com a cabeça mumificada de Pamela e um monte de corpos. Neste filme, Jason usava um saco na cabeça e é deixado no campo, enquanto a moça é levada de ambulância.

Só que ele não morreu. Mudou-se para o acampamento ao lado em Parte III (1982) e dá-lhe mandar mais adolescentes para o país dos pés juntos (o número vai aumentando e desta vez foram 12). Foi nesse filme que ele rouba a máscara de hockey de uma de suas vítimas e acaba virando sua marca registrada. No fim – adivinhe – outra mulher, Chris Higgins, enfia um machado na cabeça do grandão e fica histérica (existe outro final em que ele mata ela). Só lembrando que, por ser sequencia direta do anterior, se passa em sábado, 14.

Sexta-feira 13 – O Capítulo Final (1984) mostra o corpo de Jason chegando ao necrotério, ressucitando, matando quem estava lá e voltando a Crystal Lake. Tudo isso no domingo, dia 15. Desta vez é um casal, Trish e Tommy, que dá um fim ao cara, depois que 13 pessoas perdem a vida e é o filme com mais nudez na série.

Só que não era o fim. Para 1985, os produtores tentaram introduzir um novo Jason em Parte 5 – Um Novo Começo. O Tommy do filme anterior é internado em um manicômio e morre de medo que o maníaco volte (apesar do corpo ter sido cremado). Liberado, vai parar em uma casa de acolhimento para jovens, onde mortes acontecem e o assassino uma máscara de hockey. No final, era apenas um babaca louco imitando seu ídolo.

As coisas não deram muito certo e Jason reapareceu em Parte 6 – Jason Vive (1986) e quem o traz de volta à vida é justamente Tommy. Na verdade ele não havia sido cremado e o rapaz traumatizado vai tentar destruir o corpo quando dá um raio o revive (é sério isso). Jason mata 18 pessoas e Tommy consegue atraí-lo para o lago onde ele havia se afogado quando criança e colocá-lo no fundo, acorrentado. Em tempo, o raio o transformou em algo sobrehumano, tá?

Em Parte 7 – A Matança Continua, os roteiristas resolveram chutar o pau da barraca e fazem com que uma menina telecinética solte Jason do fundo lago acidentalmente (ela queria ressucitar o pai) e, muitas matanças depois, é ela que vai atraí-lo para dentro da água de novo, com – pasmem! – a ajuda do fantasma do pai. Aí então, em Parte 8 – Jason Ataca Nova York, o maníaco é trazido à vida por um cabo elétrico submarino (essa é ótima) e persegue estudantes em uma excursão até Manhattan.Desta vez, dois deles conseguem dar fim ao cara quando, no esgoto da Grande Maçã, lixo tóxico o transforma em criança. Desta vez, ele fala uma frase: “mamãe, não deixe que eu me afogue”. Não é lindo?

Mas não responda ainda, ele voltou em Jason Vai para o Inferno- A última Sexta-feira, onde é explicada a força sobrenatural do cara e como ele ressucita. Ele é uma espécie de demônio que precisa passar seu coração de corpo em corpo. Aí, num twist de roteiro digno de novela americana, descobrimos que ele tem uma meia irmã e uma sobrinha e é a infante quem vai impedir que ele se torne imortal e que manda sua alma desgraçada para o inferno.

Aí, em 2002, eis que surge Jason X, onde o governo dos Estados Unidos pega o corpo dele para estudar sua constante regeneração. É óbvio que ele acorda, mata os pesquisadores e em uma luta com o único sobrevivente os dois acabam congelados e o monstro acorda 455 anos depois e, ainda por cima, turbinado. Nanotecnologia faz com que seu corpo se torne metal e indestrutível, mas ele morre no final, OK? Finalmente veio o encontro dos dois mais famosos do terror oitentista em Freddy vs Jason e em 2009 tivemos um novo Sexta-Feira 13, sem previsão de continuação.

Somando todos os filmes, Jason matou 167 pessoas, talvez como uma forma de provar algo à sua mãe, como explicaria Freud; talvez porque não tem personalidade ou motivação nenhuma, agindo como uma máquina. Seu alvo são só humanos – não mata animais – e vai em cima especialmente dos jovens mais safadinhos (geralmente são as moças direitas e virginais que sobrevivem). Em 1992, ganhou um prêmio pelo conjunto de sua obra no MTV Movie Awards e ao retirar a máscara, revelou que era, na verdade, o comediante Jon Lovitz. Em tempo, Jason nasceu em 13 de junho de 1946, uma sexta-feira 13.

Convite à dança com três gênios

2011-06-30T09:49:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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Quem entrou hoje, quarta-feira, no Google, viu uma belíssima animação homenageando a dançarina e coreógrafa Martha Graham, nascida a 117 anos. Graham está para a dança moderna norteamericana assim como Gershwin está para a música, Lee Strassberg para a interpretação e Marlon Brando para qualquer ator. Ela acreditava que o corpo podia transmitir idéias que palavras não conseguiam expressar e que a dança era uma forma de se conseguir desvendar a alma humana. Infelizmente, Martha não fez cinema e não trabalhou em nenhum filme (somente em documentários), mas não só deu aulas para Bette Davis e Gregory Peck, ensinando-os a se movimentar, como influenciou gerações de dançarinos como Twylla Tharp -- cuja corpo de dança participou dos três grandes filmes de Milos Forman, Hair (1978- abaixo), No Tempo do Ragtime (1980) e Amadeus (1984) -- e o grande Bob Fosse.

É legal falar sobre Fosse, já que este também criou um estilo totalmente diferente de dança, unindo essa visceralidade de Graham com uma batida mais jazzistica, muito mais sensual (ele é, por exemplo, um dos autores e o coréografo original de Chicago na Broadway). Existe uma história ótima com ele nas filmagens de Dá-me um Beijo de 1953, logo no ínicio de sua carreira. O filme era uma comédia musical totalmente convencional para a época (embora bastante divertida) e em um intervalo, ele começou a mostrar para sua parceira de cena, Carol Haney, uma dança totalmente diferente. Alguém viu o que rolava e chamou o diretor George Sidney que, encantado, pediu para ele repetir aquilo frente às câmeras. Aquela sequência de 66 segundos foi o prenúncio de um futuro brilhante e arrebatador.

Fosse foi para Hollywood querendo ser um novo Fred Astaire. Não conseguiu isso (o páreo era duro), mas também deixou sua marca e, assim, chegamos ao terceiro e último retratado deste post. Na terça-feira dia 10 de maio, celebrou-se os 112 anos do nascimento de Frederick Austerlitz Jr ou Fred Astaire, um americano de Omaha, filho de imigrantes austríacos que se tornou a imagem da elegância da dança nas telas. Existe uma lenda ótima que reza que em seu primeiro teste em Hollywood, o avaliador escreveu “Não canta. Ligeiramente careca. Também dança”, mas aquele rapaz magro e longelíneo foi longe e até mesmo seu maior “concorrente” na MGM, Gene Kelly, chegou a dizer que “a história da dança no cinema, começa com Fred Astaire”. Perfeccionista ao extremo, do tipo que repetia a mesma cena dezenas de vezes seguidas até chegar ao resultado que pretendia, ele ganhou o respeito de muitos e o ódio de alguns, inclusive de sua maior parceira, Ginger Rogers. Os dois podiam se odiar, mas como disse Katherine Hepburn, enquanto ele dava classe a ela, ela dava sexualidade a ele. Já Rogers disse que ela fazia tudo o que ele fazia, de costas e salto alto! Astaire ficou rico com o cinema. Foi um dos primeiros atores a ganhar participação nos lucros de seus filmes, se aposentou e voltou ao cinema várias vezes e ganhou até mesmo um Grammy póstumo. Muitas foram suas parceiras (a preferida foi Rita Hayworth) e filmes, mas talvez a cena mais famosa de sua carreira tenha sido a de Núpcias Reais de 1951 quando ele, literalmente, sobe as paredes, em uma coreografia (e efeito) impressionante.

George Clooney chega aos 50 (e nossas namoradas ainda o querem)

2011-06-30T09:45:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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Não é fácil competir com George Clooney. O cara – versão reeditada, renovada e moderna de Cary Grant – é o que realmente podemos chamar de galã e símbolo sexual. E o mais legal de tudo é que ele não se porta assim. Parece que quanto mais ele tenta se afastar dessa pecha, mais interesante fica, tanto para homens (c0mo role model) quanto para mulheres (para nosso azar).

Clooney tem o visual e o senso de humor de Grant, só que adicionou uma turma de talentos à la Rat Pack como parceiros, tendo os igualmente modelos de masculinidade Brad Pitt, Matt Damon, Andy Garcia, entre outros. É um sujeito que adora encher o saco da imprensa com seu sarcasmo e a famosa poker face. Por algum tempo cultivou a mensagem que era gay, mas ninguém se atrevia a publicar isso como verdade. E depois aparece desfilando com a modelo Elisabetta Cannalis, uma beldade sardenha de 1,70m e 33 anos de idade, ex-apresentadora de um programa de esportes na Itália.

Aliás, é nesse pais que o ator passa uma parte do ano, mais especificamente na cidade de Laglio, à beira do Lago Cuomo, um lugarzinho paradisíaco na Lombardia, cercado dos Alpes. Já em Los Angeles, sua casa é um puxadinho de apenas 632 m2.

Clooney já impressionou todo mundo com certas bizarrices. Ele, por exemplo, teve um porco de estimação, Max, que levava em entrevistas, deixava dormir em sua cama e chegou a colocá-lo para passear no avião de John Travolta. Loucura? Não, estilo George Clooney de ser.

E tem os filmes. O cara consegue estar muito bem em comédias como Os Homens que Encaravam Cabras, Queime Depois de Ler, E, aí, meu Irmão, Cadê Você? e ótimo em dramas como Syriana, Conduta de Risco, Amor sem Escalas e Um Homem Misterioso. Aliás, são nos dramas mesmo que ele tenta fugir da imagem de galã, interpretando personagens fracassados ou destruídos. E também não podemos esquecer do incrível Boa Noite e Boa Sorte, filme que dirigiu, escreveu e atuou em 2005, narrando a história do jornalista Edward Murrow e sua batalha contra o senador McCarthy nos anos 50. O filme foi indicado para seis Oscars, mas ficou a ver navios. Mesmo alguns filmes ruins ou médios que ele faz escapam da mediocridade total por causa de Clooney.

Hoje em dia, além de atuar, Clooney faz um trabalho humanitário e forte na África, especialmente em Darfur e desde 2008 é mensageiro da paz pela ONU. Além disso, para seu espanto, foi convocado como testemunha de defesa de Berlusconi no caso do premier italiano e a garota de programa menor de idade e sua única reação foi de surpresa pois, segundo ele, só encontrou o político uma vez e para falar de Darfur.

Para terminar, uma frase que resume seu estilo de vida e de ser. Clooney fez campanha para Barack Obama e em uma entrevista foi perguntado se um dia concorreria à presidência dos EUA. Sua resposta foi curta e grossa: “Não. Eu dormi com muitas mulheres, experimentei muitas drogas e estive em festas demais”. Quer melhor que isso?

As 10 piores mães do cinema

2011-06-30T09:42:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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Você deve estar pensando porque escolher 10 piores mães e não as 10 melhores para se comemorar o dia das mães. Provavelmente pensa que eu tenho problemas maternos. Não, minha mãe é ótima. Provavelmente a sua também. E tivemos, obviamente, mães legais nas telonas. Quer mais mãezona que Sarah Connors, que enfrentou dois modelos de andróides nos dois primeiros filmes da série Exterminador do Futuro, só para salvar a cria (e isso porque no primeiro ela nem estava grávida ainda)? Ou que tal a maternal Diane Wiest em Edward Mãos de Tesoura? Só que fica muito mais divertido ver como o cinema retratou algumas mães como praticamente irmãs do tinhoso. A lista abaixo traz algumas delas, em ordem decrescente de neurose, e não considera as madastras dos desenhos da Disney. Aliás, o velho Walt, segundo o livro ‘O Príncipe Negro de Hollywood’, tinha um complexo materno terrível, pois apanhava demais do pai neuras e a mãe ficava quieta e nunca o defendia. Entendeu porque nos desenhos antigos o pai era ausente e quem cuidava era a madastra? Freud explica muito, mas não as mães abaixo:

10. Sra. Voorhess de Sexta-feira 13

O amor por seu filhinho era tão grande que quando ela achou que ele tinha se afogado no lago Camp Crystal, passou a matar, dilacerar e decapitar todo e qualquer adolescente com sede de sexo no local (porque só a virgenzinha da turma sobrevivia nos filmes). Quando finalmente conseguiram matá-la ao final do primeiro filme de 1980, surge seu rebento, o querido Jason, pronto para vingar a mãe e ainda usando seu presente de Natal favorito: uma máscara de Hockey. Ah, Édipo.

9. Sra. Eleanor Shaw Iselin de Sob o Domínio do Mal

A sra. Iselin só queria o melhor para seu filhinho, foi por isso que o fez passar por uma lavagem cerebral para se tornar mais dócil e aceitar melhor seus planos, que envolviam assassinatos, golpes e espionagem. Na ótima versão de 1962 com Frank Sinatra, foi interpretada pela grande Angela Lansbury, tão convincente que mesmo sendo apenas três anos mais velha que Lawrence Harvey, parecia ser mesmo mãe dele. Na insossa refilmagem de 2004, o papel ficou a cargo de Meryl Streep.

8. Sra. Linda de À Procura da Felicidade

Se você ficou louco da vida com Charlize Theron em A Estrada por abandonar marido e filho num EUA pós-apocalíptico cheio de canibais, imagine alguém fazer isso na vida real. Foi o caso de Linda, esposa de Chris Gardner, que cansada dos fracassos do marido, caiu fora e o largou desempregado e com o filho pequeno. O cara conseguiu sair dessa, ficar milionário (para o azar dela) e ainda virar referência em paternidade, como mostrado no edificante filme de 2006 com Will Smith.

7. Sra. Bates de Psicose

Toda mãe sonha em inspirar os filhos, mas essa foi longe demais. O que podemos imaginar é que ela devia ser muito casca-grossa e possessiva para fazer com que o pobre Norman quisesse que ela lhe fizesse companhia mesmo depois que ela, bem, o abandonou. E mais, a senhora era tão ciumenta que não admitia que o menino se interessasse por moças, especialmente se estivessem no banho.

6. Sra. Beverly R. Sutphin de Mamãe é de Morte

Serial Mom (para você ver como certos nomes em português são terríveis) trazia Kathleen Turner como uma matriarca que possui características típicas de certas mães: ela defende sua família a todo custo e gosta de tudo em ordem. Acontece que para cumprir essas funções maternas, ela não hesita em assassinar gente e importunar vizinhos, na ótima comédia de humor negro do independente John Waters de 1994.

5. Sra. Elaine Robinson de A Primeira Noite de um Homem

‘Deus lhe abençoe, Sra Robinson’, dizia a música de Simon & Garfunkel, no clássico de Mike Nichols de 1967. A senhora em questão era interpretada por Anne Bancroft e seduz e se torna amante do noivo pateta de sua filha, o ótimo Dustin Hoffman (que na vida real era apenas seis anos mais novo que ela). O filme foi considerado o 17o melhor já feito no cinema pelo pessoal do AFI. A sra. Stiffler de American Pie é claramente inspirada em Robinson, só que transa com o amigo de seu filho.

4. Sra. Beth Jarret de Gente como a Gente

Mary Tyler Moore era uma simpática e amada atriz da televisão americana, até impressionar a todos como a Sra Jarret, uma mãe amarga depois que um de seus filhos morre afogado. O outro, que nunca foi seu preferido, acaba se sentindo tão isolado e culpado por estar vivo que tenta um suicídio. E ela nem consegue apoiá-lo depois disso. O drama deu a Robert Redford o Oscar de direção e ainda levou as estatuetas de Melhor Ator Coadjuvante, Melhor Roteiro e Melhor Filme em 1980.

3. Sra. Margaret White de Carrie, a Estranha

A mãe de Carrie é realmente um terror. Fanática religiosa, consegue transformar até mesmo a primeira menstruação da menina num pesadelo horroroso. A menina que sofre bullying na escola, aquase não tem amigos e é cheia de complexos, acaba fazendo um estrago danado quando aciona poderes psicocinéticos, depois de uma “brincadeira” na escola. O livro de estréia de Stephen King, acabou dando fama ao diretor Brian de Palma e ao ator John Travolta em sua segunda aparição nas telonas. A performance de Piper Laurie como a sra. White provavelmente inspirou Barbara Hershey em Cisne Negro.

2. Sra. Joan Crawford de Mamãezinha Querida

Joan Crawford foi uma grande atriz dos anos 40 e 50, trabalhando em clássicos como Johnny Guitar, O que Teria Acontecido com Baby Jane e Almas em Suplício. Depois de sua morte em 1977, uma de suas filhas adotadas, Christina, escreveu um livro relatando como a atriz era psicótica, abusiva e lhe espancava constantemente. Estranhamente, ela e o irmão Christopher haviam sido excluídos da herança da mãe, “por razões que os dois sabem bem”, de acordo com o testamento. O sucesso do livro, levou a um filme estrelado por Faye Dunaway, que se consagrou com a famosa cena do “nada de cabides de arame”, onde Crawford espanca a filha com o tal cabide. Há alguns anos, Christopher Crawford declarou à revista Vanity Fair que não se lembra de nada do que havia sido mostrado no livro.

1. Sra. Mary de Preciosa

Mais uma história real que merece o primeiro lugar. Claireece Precious Jones tem uma das vidas mais desgraçadas já mostradas na tela. É obesa ao extremo, ignorante, foi estuprada pelo pai e tem que aguentar a mãe viciada e alcoólatra que a humilha e agride o tempo todo. Incapaz de mudar sua vida, a progenitora culpa a filha de todas as suas mazelas e tenta, a todo custo, destruir seus sonhos. O pesadíssimo papel dramático deu à cantora Mo’nique um Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante em 2010 (o filme também levou de Melhor Roteiro Adaptado).

James Brown & The Blues Brothers

2011-06-30T09:36:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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Se uma pneumonia não o tivesse levado em 2006, James Joseph Brown, o “Mr. Dynamite”, o “Padrinho do Soul e do Funk”, “o Homem que mais trabalha no showbizz” teria completado 78 anos nessa terça, 03 de maio. O homem que revolucionou a música negra norteamericana e que era bom amigo de Elvis e de Little Richard, foi um rei nas rádios (e nas prisões) e também em trilhas sonoras. Suas músicas constam em mais de 220 filmes, programas de TV e seriados.

Como ator, Brown apareceu em pouquíssimos filmes ficcionais (porque como ele mesmo, constou de 90 produções entre TV, documentários e telona). Um deles foi o lamentável Rocky IV, a mais incrível propaganda da era Reagan a aparecer no cinema, cantando ‘Livin´ in America’ (que Weird Al Yankowic parodiou em ‘Livin with a Hernia’) e o outro é o fenomenal The Blues Brothers (ok, eu me recuso a chamar de Os Irmãos Cara de Pau).

The Blues Brothers não só é um marco na história dos musicais como também na história da música. Os personagens, Elwood e Jake Blues, interpretado pelos indefectíveis Dan Aykroid e John Belushi, respectivamente, vieram do programa Saturday Night Live e sua banda era formada por gente de gabarito como Donald “Duck” Dunn (que veio do Booker T. and The MGs), Willie Hall (baterista da banda de Isaac Hayes) e Matt ‘Guitar’ Murphy (que tocou com Howlin´Wolf), entre outros. Tinha ainda Paul Schaeffer como tecladista (ele é o cara que hoje lidera a banda do programa de David Letterman), mas foi expulso por ter ido trabalhar em outro filme e substituído por Murphy Dunne. Depois de lançarem um disco, ‘A Briefcase Full of Blues’, que chegou ao 1o lugar no Billboard 200 em 1978, o caminho mais certo era que os personagens fossem para as telas de cinema e em 1980, o filme foi lançado com a direção de John Landis.

The Blues Brothers conseguiu reunir a nata do jazz, soul, blues e do R&B, conseguindo tirar muita gente do ostracismo. Estão lá Cab Calloway, famoso nos anos 30 e 40 por ser o rei do “scat” (quando se canta balbuciando); a poderosa Aretha Franklin, John Lee Hooker (em uma cena não creditada onde canta “Boom Boom” na rua), o versátil Ray Charles e James Brown como o reverendo Cleophus James (em seu coral está ainda Chaka Khan como solista). Os números musicais são incríveis, mesmo porque nem Aretha, nem Brown conseguiam dublar a si mesmos, por isso, o rei do soul teve que gravar sua música em cena mesmo (já para a cantora, foi feita uma colcha de retalhos, apenas com as cenas onde ela conseguiu sincronizar sua boca com a música). Com um time desse dá-lhe grandes clássicos como “Everybody Needs Somebody to Love”, “Minnie the Moocher”, “Sweet Home Chicago”, “Jailhouse Rock”, “She Caught the Katy” e a ótima “Theme from Rawhide”.

E se música não é a sua praia, então The Blues Brothers, pode lhe impressionar pelas mais loucas perseguições de carro filmadas, inclusive a famosa cena onde eles invadem um shopping center, destruindo tudo o que acham na frente. Nos extras do DVD em comemoração aos 25 anos do filme, Landis explica que eles acharam um shopping abandonado e fechado, encheram o estacionamento de carros O km, conseguiram completar parte do térreo com lojas famosas (umas permitiram que seus produtos fossem destruídos, outras não) e ainda colocaram dezenas de dublês profissionais como visitantes para conseguir escapar do carro dos irmãos (o Bluesmobile) e dos dois carros da polícia que o perseguiam.

O filme foi o segundo lugar em bilheteria em sua estréia (perdeu para O Império Contra-Ataca) e foi a décima bilheteria do ano. Tornou-se cult, faturou mais de US$ 100 milhões no decorrer dos anos e colocou Chicago como ótima opção para filmagens (depois dele, mais de 200 filmes foram feitos lá). Quando completou 30 anos, o Vaticano soltou uma nota dizendo que é um dos melhores filmes católicos de todos os tempos (assista e verá porque eles “estavam em uma missão de Deus”).

Eu tive a sorte de ver esse filme nos cinemas em 1980. Tinha acabado de completar 13 anos de idade e saí do cinema tão alucinado, que tive que pedir adiantamento de mesada para conseguir comprar o LP com a trilha sonora (que desgastou de tanto escutar ‘Sweet Home Chicago’). Até hoje, é um grande clássico nas comédias, um excepcional musical e um dos filmes mais divertidos já feitos. E, em tempo, a continuação, Blues Brothers 2000, só vale pela última cena, uma jam session com os melhores bluseiros do mundo.

O esquecido Glenn Ford

2011-06-30T09:33:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em maio de 2011
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Domingo, 01 de maio, seria aniversário de um astro esquecido, o grande Glenn Ford. Esquecido porque é difícil ver o rosto de Ford em algum clipe de melhores filmes, melhores atores ou grandes astros, apesar do cara ter sido um ator de primeira grandeza nos anos 50 e 60 no cinema e depois teve uma sucedida carreira na TV. Contratado pela Columbia em 1939, ele parou sua carreira para se alistar na época da II Guerra, mas não viu nenhum combate e sim foi usado como radialista pelo setor de relações públicas das Forças Armadas.

Finda a guerra, Glenn apareceu em um dos filmes mais sensuais da história do cinema ao lado da estonteante Rita Hayworth. Era Gilda de 1946, um clássico eterno, onde o ator é o braço direito de um sinistro dono de cassino na America do Sul e que se vê frente a frente a um antigo affair, a Gilda do título. O filme ficou famoso pelo que foi chamado de strip-tease de uma luva, onde Rita, bêbada, canta ‘Put the Blame on Mame, Boy’ com uma sensualidade ímpar. Este foi o primeiro dos quatro filmes que a dupla fez junto par romântico: Os Amores de Carmem (1948), Uma Viúva em Trinidad (1952), Dinheiro é a Armadilha (1966).

Como sucesso de Gilda, Ford fez carreira em filmes policiais noir, western (ele era mencionado como o gatilho mais rápido entre os atores, sacando uma arma em 0,4 segundos e batendo John Wayne) e aventuras como The Undercover Man (1949), o imperdível Os Corruptos de 1953 (ele é um policial durão que luta contra a gangue de Lee Marvin e contra a corrupçãp na polícia), Sementes da Violência (1955 -- que consagrou a música ‘Rock Around the Clock’ de Bill Haley), Cimarron (1960) e Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse (1962). Também arriscou em dramas como Meodia Interrompida (1955) e comédias leves como A Casa de Chá do Luar de Agosto de 1956, onde Marlon Brando faz papel de japonês.

Na década de 1970, Glenn foi para a TV, primeiramente como um xerife do interior em Cade´s County. O ator era tão bem quisto aqui no Brasil que o seriado se chamava Glenn Ford é a Lei em terras tupiniquins. Em 1975 veio sua segunda série, The Family Holvak.Em 1978, uma nova geração pode curtir Glenn Ford como o pai terráqueo de Clark Kent em Superman, O Filme. O diretor Richard Donner ainda lhe prestou uma homenagem, colocando a famosa ‘Rock Around the Clock’ no rádio na cena onde Jonathan Kent morre.

Apesar de sempre ser bonzinho no cinema e conseguir a mocinha no final do filme, na vida real, Ford foi casado quatro vezes (uma delas com a sensacional sapateadora Eleanor Powell) e manteve péssimas relações com todas. Mesmo com seu único filho, as coisas não foram fáceis e os dois só se deram bem no final da vida do ator. Ele morreu em 30 de agosto de 2006, com 90 anos de idade e em uma de suas últimas entrevistas disse que só queria ser lembrado como um homem que fez seu melhor e que acreditava em Deus.

Uma entrevista exclusiva com Alfred Hitchcock

2011-06-30T09:30:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em abril de 2011
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Alfred Hitchcock faleceu há exatos 31 anos e além de nos legar 67 filmes maravilhosos, ele tinha uma capacidade incrível de soltar frases desconcertantes, regadas ao fino humor inglês, sempre cheio de ironia. Pesquisando algumas dessas citações, dá para se brincar e imaginar como seria uma entrevista com o grande mestre do suspense aqui na Alfa para os amantes do cinema hoje:

O senhor adora nos assustar e fazer com que fiquemos grudados na poltrona ao ver um de seus filmes. O que o assusta?
Eu me assusto facilmente. Aqui está minha lista pessoal de produção de adrenalina: 1. crianças, 2. policiais, 3. lugares altos e 4. que meu próximo filme não será tão bom quanto o anterior. Eu também tenho medo de ovos, mais que medo, eles me revoltam. Aquela coisa redonda branca, sem buracos… você já viu coisa mais revoltante que a gema de ovo quebrando e saindo aquele líquido amarelo? Sangue é alegre, vermelho, mas a gema do ovo é amarela, nojenta. Nunca provei.

Como o senhor explica essa necessidade das pessoas de sentir medo no cinema?
Medo não é tão difícil de se entender. Afinal, não éramos todos assustados quando crianças? Nada mudou desde que Chapeuzinho Vermelho enfrentou o lobo mau. O que nos assusta hoje é exatamente igual ao que nos assustava antes. É só um lobo diferente. Este complexo de medo está enraizado em cada indivíduo. O único meio que achei de se livrar dos meus medos foi fazer filmes sobre eles.

A televisão explora muito a violência, o suspense e o terror. O senhor acha isso bom?
A televisão colocou o asassinato de volta a onde ele pertencia: dentro das residências. Alguns de nossos mais requintados assassinatos foram domésticos, realizado com ternura em lugares simples, acolhedores como a mesa da cozinha. A televisão tem feito muito pela psiquiatria, difundindo informações sobre ela, bem como contribuindo para a sua necessidade.

Falando de cinema, qual é o segredo para se fazer um bom filme?
Um bom filme é aquele quando o preço do jantar, dos ingressos e da babá valeram a pena. Se um filme é bom, o som pode ser cortado e a platéia continua a entender o que está acontecendo. O segredo de um bom filme reside em três coisas: script, script, script.

E o segredo de um bom suspense?
Não existe terror no estrondo, apenas na antecipação dele. E dê prazer à plateia. O mesmo prazer que têm quando acordam de um pesadelo.

A direção não influencia um bom filme?
Em um filme ficcional, o diretor é Deus. Em um documentário, Deus é o diretor.

Alguns críticos dizem que seus filmes são quase um auto-plágio, como Frenesi que lembra muito The Lodger. Como o senhor vê isso?
Auto-plágio é o mesmo que estilo. Eu sou diretor de um tipo de filme. Se eu dirigisse Cinderela, as pessoas iriam ficar procurando um corpo na carruagem. Nos filmes, assassinatos são muito limpos e eu mostro como é confuso matar um homem.

O senhor tem fama de não gostar de atores, mas sempre consegue atuações soberbas deles…
Há uma história terrível que eu odeio atores. Imagine alguém odiando James Stewart. . . . Eu não posso imaginar como o boato começou. Claro que pode, eventualmente, ser porque eu fui uma vez citado como dizendo que os atores são gado. Meus amigos atores sabem que eu nunca seria capaz de tal observação impensada, rude e insensível, que eu nunca iria chamá-los de gado. . . O que eu disse foi que, provavelmente, os atores devem ser tratados como gado.

O senhor discute o personagem com eles?
Quando o ator vem até mim e quer discutir seu personagem, eu digo: “Está no script”. Se ele diz: “Mas qual é a minha motivação?”, eu respondo: “Seu salário”. Walt Disney tem o melhor elenco. Se ele não gosta de um ator, é só rasgá-lo.

Existe algum ator que o senhor realmente gostou de trabalhar?
Cary Grant foi o único ator que amei em minha vida inteira.

E a obsessão por louras?
Loiras fazem as melhores vítimas. Eles são como a neve virgem onde aparecem as pegadas sangrentas.

Para terminar, como o senhor resumiria o sucesso de sua carreira?
Sorte é tudo … Minha sorte na vida foi ser uma pessoa realmente assustada. Tenho sorte de ser um covarde, de ter um baixo limiar para o medo, porque um herói não poderia fazer um bom filme de suspense.

O homem que dirigia plateias

2011-06-30T09:26:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em abril de 2011
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Alfred Hitchcock saiu da vida para virar uma marca. E de qualidade. No dia 29 de abril faz 31 anos que o grande mestre do suspense (não do terror, como alguns dizem) faleceu aos 80 anos de idade. Hitch inovou na maneira de fazer as pessoas suarem frio e agirem como ‘voyeurs’ dos acontecimentos, desenvolveu técnicas cinematográficas de vanguarda e acabou inspirando toda uma geração de cineastas famosos, entre eles François Trufaut que o entrevistou e transformou o trabalho em um belo, ótimo e indispensável livro.

Hitch foi o grande explorador do ‘MacGuffin’, um termo da indústria cinematográfica que resume o motivo pelos quais os personagens de um filme agem durante a história, e que, na grande maioria dos casos, perde completamente o significado na trama. Por exemplo, em Ronin de Frankenheimer, o MacGuffin é a famosa pasta prata que todos querem pegar. O filme acaba e não sabemos o que havia lá dentro. Em Avatar, o MacGuffin é o mineral no planeta. Com o MacGuffin, Hitchcock conseguia conduzir a plateia e supreendê-la de repente. Veja o caso de Psicose (1960). A trama inicial do filme, com Janet Leigh roubando o dinheiro do chefe e fugindo, acaba subitamente quando é morta no chuveiro. Quando o filme termina, você nem está mais pensando na grana. Já em Um Corpo que Cai, considerado pela crítica especializada como o melhor filme dele, o MacGuffin muda à medida que a história vai acontecendo, da vertigem para a investigação de um caso banal, para depois se tornar a obsessão do personagem principal.

O mestre também adorava trabalhar com o conceito de “homem errado”. Explicando, em grande parte dos seus filmes, alguém inocente caia de gaiato ou era confundido com outra pessoa, e se via em uma trama que atentava à sua própria vida. Foi assim em Pacto Sinistro de 1951 quando dois estranhos combinam de cada um matar uma pessoa para o outro e a brincadeira vai longe demais, em Intriga Internacional onde Cary Grant (um dos atores favoritos do diretor) é confundido com um agente secreto, O Homem que sabia demais com James Stewart e família sendo envolvidos em um plano de assassinato, A Tortura do Silêncio, onde Monty Cliff é um padre acusado de assassinato sendo que o assassino confessou o crime a ele, mas no confessionário (o que o impede de falar à polícia) e, obviamente, O Homem Errado com Henry Fonda sendo acusado de um crime que não cometeu.

Outro grande mote de seus filmes era a suspeita ou será que aquele cara normal não é um psicopata? Em The Lodger de 1927, uma senhoria desconfia que seu locatário é um assassino serial. Já em Suspeita de 1941, Joan Fontaine ascha que seu marido, Cary Grant, quer matá-la. No sensacional Janela Indiscreta, Jimmy Stewart e Grace Kelly (lindíssima) vigiam o apartamento do vizinho de frente, suspeito de ter matado a esposa e em A Sombra de uma Dúvida, o filme preferido de Sir Alfred, era o sofisticado tio de Teresa Wright ser a bola da vez, podendo ser um matador de viúvas.

Hitchcock teve uma criação pesada. Seu pai o mandava para a delegacia constantemente com um bilhete pedindo para ele ser preso por um dia e assim saber o que acontecia com quem andava fora da lei. A mãe o fazia ficar de pé na beira da cama por horas se se comportasse mal. A obesidade o fazia uma criança retraída. O resultado foi que muitos personagens seus tinham alguma fixação pela mãe como Claude Rains em Interlúdio, o assassino serial de Frenesi que odiava mulheres mas adorava a mãe e obviamente Norman Bates. Por ser extremamente gordo, também nutria uma paixão secreta por suas atrizes, geralmente louras, e apesar de casado, sempre se cercava de mulheres deslumbrantes como Ingrid Bergman, Grace Kelly, Shirley MacLaine, entre outras.

Hitchcock gostava de pregar peças e inventar factóides. Ruy Castro, no livro Saudades do Século XX, conta que o diretor adorava ficar no fundo dos elevadores e quando este estava lotado, simulava uma conversa onde contava como tinha matado uma pessoa e disposto do corpo, para desespero de quem estava junto à porta e não podia olhar para trás. Para o filme 39 Degraus, algemou os dois atores principais e afirmou que havia perdido a chave, só para que as cenas iniciais, com os dois presos um ao outro, ficassem mais realistas. Ele também ajudou a definir a lenda de que todo o filme era desenhado em storyboards antes da filmagem e que a pré-produção era tão rigorosa e detalhista, que nunca um roteiro era alterado nas filmagens. Balela pura. Muitos scripts sofreram mudanças como em alguns casos desenhistas foram chamados para fazer o storyboard depois do filme feito.

Por outro lado é verdade que fez uma aparição-surpresa em todos os seus filmes, geralmente no começo para não distrair a plateia. E até nessa mania conseguiu ser criativo. Seu filme Lifeboat era todo passado em um barco salva-vidas depois de um naufrágio. O diretor pensou em aparecer como um cadáver boiando no mar, mas como tinha pavor de afogamento descartou a idéia. Como fazia dieta na época, teve a grande sacada: um dos personagens carrega um jornal no bote e existe uma propaganda com Hitchcock anunciando um remédio para emagrecer.

Inexplicavelmente Alfred Hitchcock nunca ganhou um Oscar ou um Globo de Ouro ou um Emmy (pela série de TV Alfred Hitchcock presents), nem mesmo uma Palma de Ouro em Cannes. Em compensação, inspirou gente como Steven Spielberg, Brian De Palma, John Carpenter, Sam Raimi, M. Night Shyamalan, Martin Scorsese, George A. Romero, Peter Bogdanovich, Dario Argento, William Friedkin, David Cronenberg e Quentin Tarantino; no livro ’101 Filmes para Ver antes de Morrer” ele é disparado, o diretor mais citado, com 18 filmes e na escolha dos 100 Melhores Filmes que Disparam o Coração do American Film Institute, ele entrou com nove: Psicose (1960) em primeiro lugar, Intriga Internacional (1959) em quarto, Os Pássaros (1963) em sétimo, Janela Indiscreta (1954) em 14o., Um Corpo Que Cai (1958) em 18o, Pacto Sinistro (1951) em 32o, Interlúdio (1946) em 38o., Disque M Para Matar (1954) em 48o. e Rebecca, a Mulher Inesquecível (1940) em 80o.

Ele dizia que o segredo era fazer a plateia sofrer o máximo possível para depois lhes dar o mesmo prazer de acordar de um pesadelo. E esta é a melhor definição de seu legado.

11 fatos sobre Al Pacino

2011-04-26T09:48:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em abril de 2011
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Al Pacino é, sem dúvida, um dos maiores monstros do cinema, que conseguiu sobreviver sem virar uma caricatura de si mesmo. Explico, Bob De Niro hoje só faz papel de Robert De Niro. Dustin Hoffman ficou simpático demais. Warren Beaty sumiu, mas Pacino arrisca e tem hoje a mesma força de interpretação do seu início de carreira. Ele completa hoje 71 anos de idade e, pesquisando sobre ele, descobri queo cara tem uma das biografias mais interessantes de Holywood, portanto aqui vão algumas curiosidades sobre ele, um dos meus atores favoritos:

1. O cara é solteiro até hoje. Tem um par de gêmeos com Beverly D´Angelo (a esposa da cinessérie Férias Frustradas) e uma filha com a professora de interpretação Jan Tarrant, mas sempre se recusou a casar. Bom menino.

2. Seu pai e avós eram de Corleone na Sicília, terra de Vito Andolini, o Don Corleone de O Poderoso Chefão, filme que o consagrou.

3. Recusou o papel de Han Solo em Guerra nas Estrelas e sinceramente, não dá para imaginar Pacino como o anti-herói de Lucas. Ainda nessa linha do “nada a ver com ele”, também dispensou Contatos Imediatos do Terceiro Grau e Uma Linda Mulher.

4. Estudou no Actor´s Studio e é um dos maiores representantes do “método” de Lee Strassberg (que reza, entre outras coisas, que você deve viver o papel e trazer emoções reais de sua vida para compor uma cena). O ator Alec Badwin chegou a escrever uma tese de 65 páginas para seu curso na NCU só sobre a forma como Pacino atua.

5. Ninguém o queria para ser Michale Corleone, o filho hesitante de Don Corleone em O Poderoso Chefão, embora muitos atores consagrados na época quisessem o papel (Robert Redford, Warren Beatty, Jack Nicholson, Ryan O’Neal, Robert De Niro e outros brigaram por ele). Copolla insistiu em manter o ítalo-americano baixinho no filme e fez com que sua carreira deslanchasse. Anos mais tarde, Pacino pediu sete milhões para repetir o papel no Chefão III e Copolla ficou tão louco da vida que ameaçou começar o filme no enterro de Michael Corleone. Fecharam por cinco milhões.

6. Pacino não quis trabalhar em Apocalypse Now, pois, segundo ele, faria qualquer coisa por Copolla, menos lutar numa guerra. Também não pegou o papel do detetive David Kujan no fantástico Os Suspeitos de Brian Singer e diz que é seu maior arrependimento (o subestimado Chazz Palminteri acabou ficando com ele).

7. Não lhe faltam prêmios. Já ganhou um Oscar de Melhor Ator por Perfume de Mulher, dois Tonys (o prêmio dado ao teatro) por Does a Tiger Wear a Necktie? e The Basic Training of Pavlo Hummel, um
Emmy por Angels in America e ainda tem um prêmio Cecil B De Mille, dado pela imprensa estrangeira de Hollywood (a que organiza o Globo de Ouro) por sua contribuição ao cinema.

8. Além disso, a força de sua interpretação o faz figura constante em qualquer lista de cinema. Quando a revista especializada Premiere escolheu as 100 maiores performances de todos os tempos no cinema, Pacino apareceu e quarto lugar por seu Sonny Wortzik do fantástico Um Dia de Cão e em 20o. lugar por Michael Corleone. A mesma publicação colocou Tony Montana do sanguinário Scarface como o 74o. maior personagem do cinema, e o American Film Institute deu a seu Serpico, o policial que desafiou a corrupção na polícia de NY, o 40o. lugar entre os 100 Maiores Heróis e Vilões.

9. Geralmente quando um ator vai interpretar um cego, usa uma lente especial para lhe tirar a visão. Isso se o ator não é Al Pacino. Para Perfume de Mulher, ele interpretou o militar deficiente visual, simplesmente acostumando os olhos a não focar em nada. Parece fácil? Tente aí. Já em Insônia a coisa foi mais fácil, já que ele é um insone crônico.

10. A voz original do barman Moe de Os Simpsons é inspirada na de Pacino em Um Dia de Cão.

11. Ficou de 1985 a 1990 afastado dos cinemas depois do fracasso do drama épico Revolução dedicando-se ao teatro, sua maior paixão. Voltou com Vítimas de uma Paixão, um bom filme policial que eternizou a música Sea of Love.

O cinema do ponto de vista de um artista

2011-04-26T09:44:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em abril de 2011
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Na semana passada coloquei aqui alguns links de sites dedicados ao cinema e um dos mais interessantes é o de Massimo Carnevale e seu sketchesnatched (uma brincadeira com rascunhos e fragmentos ). Ele é um artista de Roma que está ganhando notoriedade no mundo inteiro graças a um hobby: desenhar cenas de seus filmes marcantes. Ligado aos quadrinhos italianos, especialmente ao famoso estúdio Sergio Bonelli (de Dylan Dog, em breve em um cinema perto de você), Carnevale ganhou a America quando passou a desenhar as capas da ótima série de quadrinhos Y-O Último Homem e posteriormente, Vikings, ambos da Vertigo (linha adulta da DC Comics) e também Terminator 2029 da Dark Horse.

Extremamente reservado (é difícil conseguir informações sobre ele na internet), o romano de 43 anos topou responder a duas perguntas para a ALFA (mesmo porque, segundo ele, seu inglês é péssimo):

Por que um blog com cenas de filmes pintadas? É um hobby ou o plano para um trabalho maior como uma exposição ou um livro?

Massimo: eu não tenho planos para ele, é simplesmente aquilo que se propõe, rascunhos feitos rapidamente, com as cenas de acordo com meu estilo de pintura. Sketchesnathed nasceu para eu brincar e veio de uma paixão que tenho por cinema, nada mais do que isso. Só que eu notei que existe um interesse enorme em cima dele, por isso se algo de bom acontecer a partir dele, ótimo.

Uma das melhores coisas do site é que você coloca uma cena que representa um filme, mas não obrigatoriamente o elemento mais óbvio. Por exemplo de O Grande Lebowski você traz o Jesus de Tutturro ao invés de Jeff Bridges. Como é esse seu critério de escolha de uma imagem de um filme?

Massimo: Não há uma regra em si. Às vezes eu foco na cor de uma cena em particular, outras vezes na atmosfera. o resultado dessa composição não é sempre pesado. O que é certo é que eu assisti todos esses filmes e eles, em sua grande maioria, são parte da minha vida.

Veja a galeria especial da Alfa aqui.

Roberto Carlos era uma brasa nas telas, mora?

2011-04-26T09:41:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em abril de 2011
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Roberto Carlos cantou para muita gente, fez música para todo tipo de mulher e é até hoje o soberano das rádios populares, mas não apareceu muito nas telas de cinema, como seria de esperar de um ídolo desse porte.Por mais que fosse chamado de “Elvis Presley brasileiro” por Carlos Imperial no programa Clube do Rock, o Rei não seguiu os mesmos passos do monarca americano e trabalhou como ator apenas cinco vezes entre as décadas de 50 e 70, além de compor nove trilhas sonoras.

A primeira vez dele no cinema foi justamente quando o Brasil estava descobrindo o endiabrado Rock´n´Roll . O filme era Minha Sogra é da Polícia de 1958 com Costinha, Wilza Carla e a comediante Violeta Ferraz, onde Roberto e Erasmo eram para lá de coadjuvantes. Infelizmente, a única cena do filme que achei disponível na internet, não consta o filho de Lady Laura, mas vale a pena conferir Cauby Peixoto (sim, ele!) cantando ‘That´s Rock’, composta por Imperial:

Em 1958 ainda, o Rei apareceu numa pontinha do filme Alegria de Viver com Eliana (não é a dos dedinhos), Yoná Magalhães, John Herbert, roteiro de Chico Anysio e direção de Watson Macedo. Em 1965, já famoso, Roberto, ao lado de Erasmo e Wandeléia, passou a apresentar o programa Jovem Guarda e os três se tornaram ídolos da juventude pós-revolução. O diretor e produtor Roberto Farias quis capitalizar em cima do sucesso estrondoso do trio e os colocou em duas aventuras no cinema em 1968: Roberto Carlos e o Diamante Cor-de-Rosa e Roberto Carlos em Ritmo de Aventura.

No primeiro, o trio está no Japão quando a ternurinha compra uma estatueta e logo todos passam a ser perseguidos pelo cruel Pierre (o sempre vilão José Lewgoy) e seu bando de lutadores orientais. A cantora cai prisioneira e a intrépida dupla de astros descobre que a estatueta é guardada por um gênio chamado Eugênio. Assim, entre altos e baixos, a aventura vai parar no Rio de Janeiro, onde estaria escondido um tesouro fenício. Aqui está o momento onde eles descobrem onde está a fortuna:

Já Em Ritmo de Aventuras, brinca com metalinguagem e traz Roberto Carlos como ele mesmo, sendo perseguido por vilões que querem levá-lo aos EUA, para que possam produzir músicas em massa com a ajuda de um (até então chamado de) cérebro eletrônico. O cantor, no melhor estilo James Bond brazuca, dirige carros, aviões, tanques, helicópteros e até foguete nesse filme que tinha ainda Reginaldo Farias no elenco, roteiro de Paulo Mendes Campos e que consagrou, entre outras, as músicas ‘Eu Sou Terrível’ e ‘Quando’, esta num clipe genial filmado no alto do Copan, em São Paulo:

Em 1971 o cantor deu as caras nas telas de cinema com Roberto Carlos a 300 Quilômetros por Hora, mais uma vez sob a batuta de Roberto Farias. No filme, é um mecânico de carros apaixonado pela namorada do patrão, o piloto de corridas Rodolfo (Raul Cortez). Quando este desiste de correr e vai para a Europa, Roberto com a ajuda de seu parceiro Pedro Navalha (o indefectível Erasmo) corre o grande prêmio Brasil em Interlagos em seu lugar e o Rei mostra que também domina as pistas. Aqui a abertura do filme:

Depois desse sucesso, o Rei abandonou o cinema e só se mostrou de novo em Uma Noite em 1967, o ótimo documentário de Ricardo Cali e Renato Terra sobre o famoso festival da TV Record na década de 60. É de se pensar o que teria sido se Roberto Carlos tivesse continuado sua carreira cinematográfica. Será que teríamos Roberto Carlos e a Mulher de 40? Ao Rei, parabéns por 70 anos de muito sucesso e carisma.

‘Planeta dos Macacos’ ganha prequel

2011-04-26T09:38:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em abril de 2011
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Planeta dos Macacos, o clássico de 1968, é um dos meus filmes favoritos e uma das ficções científicas mais inteligentes que já foram filmadas. É ácido, crítico e muito mais uma fábula sobre as mazelas dos seres humanos do que um filme sobre macacos que dominam a Terra (eu particularmente vibro com um dos líderes dizendo que “o grande símio fez o macaco à sua imagem e semelhança”). Baseado no livro do Pierre Boulle, o roteiro passou primeiro pelas mãos de Rod Serling, criador do seriado Twilight Zone que colocou humanos e macacos como amigos, para depois ficar com Michael Wilson, que também escrevera Um Lugar ao Sol e A Ponte do Rio Kwai, e que, por ter sido perseguido pela comissão de atividades antiamericanas de MacCarthy, deu um ar mais soturno e pesado na história, que gira em cima de astronautas que caem em um planeta onde símios são inteligentes e não só escravizam, como abominam humanos (estes regredidos a uma condição animal, vivendo em bandos e sem capacidade de fala).

Planeta dos Macacos redefiniu duas coisas na arte cinematográfica: maquiagem e merchadising. Explicando melhor, a técnica de dar expressão aos atores mesmo de máscara era baseada em tratamentos que foram feitos com mutilados de guerra e inédita até então. Ao invés de horrendas máscaras de borracha, os atores tinham próteses aplicadas diretamente sobre sua pele. Roddy McDowall, que fazia um dos macacos principais, Cornelius, curtia tanto suas feições símias que, só para zoar, saía para andar pela cidade ou dirigia para casa, sem tirar a maquiagem. O filme também foi o primeiro a investir pesadamente em merchandising e no seu lançamento dá-lhe lancheiras, camisetas, brinquedos etc.

Quando você tem um ótimo roteiro, uma direção segura (de Franklin J. Shaeffner, que faria anos depois Patton e Papillon), um final arrebatador (que é para ser surpresa, mas a capa do DVD entrega) e um elenco afinado com Charlton Heston, Roddy, Kim Hunter (de Uma Rua Chamada Pecado como a macaca Zira) e Maurice Evans (o pai da Feiticeira e aqui como o sarcástico e perigoso Dr. Zaius), o resultado é sucesso na certa. O filme rendeu, só nos Estados Unidos, cinco vezes mais que o budget e gerou uma série de continuações:

De Volta ao Planeta dos Macacos (1970): uma nova missão sai à procura dos astronautas que sumiram e apenas um astronauta sobrevive. Ele encontra Charlton Heston e descobrem um grupo de humanos inteligentes que louvam a bomba atômica e temem uma ação militar dos macacos. No final, a Terra explode e sua paciência com o filme também.

A Fuga do Planeta dos Macacos (1971): antes da Terra acabar, três macacos acabam fugindo em uma nave e voltam no tempo chegando à São Francisco dos anos 1970. Depois que os humanos descobrem que os macacos vão dominar o planeta, eles passam a ser perseguidos, tem um filho (César) e acabam sendo mortos. O filhote é criado então pelo dono de um circo. É o mais divertido e bem bolado de todos na sequência.

A Conquista do Planeta dos Macacos (1973): péssimo filme, com roteiro furadíssimo onde, no futuro, símios são usados como empregados e escravos até que César promove uma revolução.

Planeta dos Macacos -- A série de TV (1974): seriado que fez sucesso aqui no Brasil, consagrou um gorila (o general Urko, feito por Mark Lenard, este uma lenda na série Jornada nas Estrelas por ter sido o pai de Spock) e teve só uma temporada.

Return to the Planet of Apes (1975-76): desenho animado com humanos e macacos em guerra, mas os bichos agora andam de carro. Chegou a passar no Brasil.

Em 2001, Tim Burton “reimaginou” (em suas palavras), o universo de Planeta dos Macacos, para a decepção de todos e surpresa de alguns que até hoje não entendem a última cena -- esta mais próxima do final do livro francês original. Agora a Fox soltou o primeiro trailer de Rise of the Planet of the Apes (A Ascenção do Planeta dos Macacos), que vai mostrar mesmo como os bichos dominaram o planeta e deve estrear em agosto. Pelo que se pode notar, James Franco faz um cientista que desenvolve uma fórmula para combater doenças degenerativas no cérebro e as testa em macacos, que ganham inteligência, em especial, um chipanzé chamado César. A direção é do desconhecido inglês Rupert Wyatt e os efeitos especiais ficam com a Weta de Peter Jackson (e assim Andy Serkins, que já foi o Gollum e Kink Kong, está no filme, ok?). Veja o trailer e tema. Se esse for um recomeço para a série, então a coisa vai ser bem ruim.

Os cinco filmes obrigatórios de Chaplin

2011-04-26T09:34:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em abril de 2011
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Charles Chaplin, cujo aniversário de nascimento comemora-se nesse sábado é uma figura controversa. Como mito, ficou a imagem do humanista, pacifista e comediante, que valorizava a vida, a solidariedade e o sentimento. Por outro lado, ele era um homem irrascível, nervoso e muito safado. Não podia ver um rabo de saia que já a levava para a cama e depois tinha que aguentar processos e mais processos de paternidade na justiça. Marlon Brando (outra figurinha difícil e que foi dirigido por Chaplin em A Condessa de Hong Kong) disse que Charlie foi provavelmente o homem mais sádico que ele conhecera.

Acontece que esse homem também tinha uma capacidade fenomenal de fazer filmes inteligentes, bonitos, estruturados, comoventes e de uma sentimentalidade que é difícil de se encontrar mesmo hoje. E como ele era um perfeccionista profundo, acabava assumindo as rédeas do roteiro, direção, produção e até mesmo da trilha sonora (o cara ganhou um Oscar de Melhor Trilha Sonora por Luzes da Cidade). E é interessante notar que a obra dele não ficou velha ou antiquada. Assistir seus filmes, mesmo os que beiram um século de existência, ainda é uma experiência impressionante hoje. Assim selecionei os cinco principais filmes do genial Carlitos, só colocando de fora O Garoto, que já foi comentado aqui.

1. Em busca de Ouro (1925)

Chaplin dizia que era o filme pelo qual ele queria ser lembrado, um misto delicioso de comédia, drama e romance com o vagabundo indo ao Klondike tentar achar ouro. Algumas cenas se tornaram clássicas como a da dança dos pãezinhos (que Groucho Marx, em sua autobiografia, afirma que assistiu Chaplin fazê-la, antes da fama, num teatro de vaudeville) e quando ele e seu parceiro, no auge da fome, resolvem comer uma bota (filmada em 63 takes com o comediante comendo uma bota de alcaçuz, o que lhe rendeu uma entrada num hospital por choque de insulina). Foi tão bem sucedido em sua estréia que Charlie relançou o filme nos cinemas em 1942 com uma nova trilha sonora.

2. Luzes da Cidade

Os filmes falados já estavam na moda, mas Chaplin insistiu em fazer Luzes mudo e acabou criando um clássico capaz de fazaer até mesmo fãs ardorosos do Stallone chorarem como criança. Foi considerado a melhor comédia romântica da história do cinema pelo AFI e até mesmo Orson Welles chegou a dizer que era seu filme favorito. O maltrapilho Carlitos se apaixona por uma florista cega (que o toma por um milionário) e faz de tudo, sempre de maneira a causar confusão, para conseguir dinheiro para pagar a operação pode devolver a visão à menina. A cena do ringue de boxe, com o bailado dos dois lutadores, ficou famosíssima:

3. Tempos Modernos (1936)

O último filme mudo de Chaplin, cheio de efeitos sonoros e com uma palhinha dele cantando no final, é uma tremenda crítica ao capitalismo, às massacrantes horas de trabalho na linha de produção e os maus tratos aos pobres. O comediante faz um operário que enlouquece no trabalho e acaba internado. Na saída do hospital é confundido com um ativista de esquerda (na sensacional cena da bandeira vermelha) e vai preso. Ao ser solto, conhece uma orfã (a gatíssima Paulette Goddard, que acabou se tornando sua amante na vida real) e passam a viver juntos, até que as autoridades aparecem para perturbar suas vidas. O filme seria usado contra ele anos mais tarde snas investigações dos comitês anti-comunistas de MacCarthy, mas é sem dúvida nenhuma, uma das melhores e mais belas comédias do cinema. Abaixo a famosa ‘Canção Sem Sentido’, que mostra a voz de Chaplin pela primeira vez nas telas, e onde ele não fala língua nenhuma, inventando as palavras e contando a história por expressões corporais:

4. O Grande Ditador (1940)

Hitler odiava o filme e não era para menos. Chaplin começou a produzir o filme em 1937, ou seja, bem antes do alemão ser considerado uma ameaça ao mundo e só o lançou em 1940, quando a Guerra já tinha começado. O comediante afirmou anos depois que se na época soubesse das atrocidades nazistas, não teria conseguido brincar como brincou, mas que o valor de seu filme era justamente zombar com o nacional-socialismo. A obra tem cenas memoráveis como a disputa infantil entre o teutônico Adenoyd Hinkel e o italiano Naparoni, a dança com o globo terrestre, os discursos furiosos do alemão e finalmente as belas palavras do barbeiro judeu travestido de ditador no final do filme. Foi a maior bilheteria da carreira de Chaplin com mais de cinco milhoes de dólares só nos EUA e seu valor histórico é inestimável.

5. Monsieur Verdoux (1947)

Um Chaplin diferente, que nada lembrava a figura do simpático vagabundo, agora em uma absurda comédia de humor negro. A idéia e o roteiro do filme eram de Orson Welles, que pretendia dirigir Charlie no filme, mas o segundo afirmou que nunca havia deixado ninguém o dirigir antes e não começaria com esse filme e comprou a história de Welles, alterando alguns pontos da trama. Ele é Henry Verdoux, um suave e polido bancário que, para sustentar a família, casa-se e mata fúteis senhoras ricas, até ser desmascarado. Chaplin o considerou o filme mais inteligente e brilhante de toda sua carreira, mas foi um fracasso de bilheteria no mundo todo. Numa incrível coincidência, um Henry Verdoux, bancário, acabou processando o diretor por ter usado seu nome na obra. A frase mais famosa do filme, “um assassinato lhe faz um vilão, milhões deles lhe fazem um herói”, aludindo aos soldados numa guerra, foi tirada do abolicionista Beilby Porteus, um bispo que viveu no século 17.

Cinco sites para curtir cinema de um jeito diferente

2011-04-26T09:25:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em abril de 2011
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Com mais de 100 anos de idade, o cinema continua atraindo mais e mais legiões de fãs, apesar de seu fim já ter sido decretado com o aparecimento da TV, depois a TV a Cabo, o videocassete e agora com os downloads ilegais. Fim mesmo? Ok, existem aí algumas produções que só dá para se assistir quando é reprise na TV aberta, dublada e com intervalos, mas tem muitas outras que, para curtir, somente dentro do aconchego da sala de cinema.

Por essa razão, e por ter tantos fanáticos pela coisa (assim como eu), é que existem alguns sites bem legais para se consultar e que não falam exatamente dos filmes, mas sim de elementos que cercam a magia da sétima arte. Confira cada um deles, mas só lembro que eles estão em inglês:

1. Internet movie CAR database (IMCDB)

Pois é. É exatamente o que você leu: um banco de dados das máquinas que já apareceram nas telonas e telinhas, inclusive em animações (por exemplo, o Relâmpago McQueen do desenho Carros é um Chevrolet Monte Carlo 1997 e o carro de Bob Parr em Os Incríveis é um Nash Metropolitan, que já apareceu até em Grease 2. Divertido, né?). E os caras que colaboram não se atem apenas aos carros dos personagens principais. Tem doido que marca até mesmo os automóveis que estão estacionados na rua em uma determinada cena. No ranking de montadoras, a Ford fica na pole position, com mais de 42 mil citações, seguida pela Chevrolet, Mercedes, Volkswagen e Renault, só para citar os cinco primeiros lugares. Aliás, o Ford Crown Victoria é o modelo que mais aparece em filmes (ele é o carro usado pela polícia americana em muitas cidades), com o Mustang em segundo lugar e o Impala em terceiro. Para conferir essa e muitas outras estatísticas, acesse www.imcdb.org. O site permite comentários.

2. Internet Movie Firearms Database

Um pouco menos organizado que os dos carros e sem as estatísticas prontas, o IMFDB se especializou nas armas de fogo mostradas em filmes, seriados, anime e video-games. Brincando, dá para saber que o grande Humphrey Bogart portou muitos Colts nos filmes que atuou, independente se era bandido ou mocinho, tendo particular interesse no modelo M 1911, ou que Eastwood usava uma Winchester 1866, vulgo “Yellow Boy”, para livrar Eli Wallach da forca em Três Homens em Conflito ou ainda que o DR. House teria sido baleado com uma Glock 21, como mostrado no episódio ‘Sem Razão’ da segunda temporada. Se seu negócio for tiroteio, entre em www.imfdb.org.

3. Internet Movie Posters Awards

Um site só dedicado a posteres de filmes do mundo todo, em todas as versões possíveis e imagináveis. Ou seja, o paraíso para marqueteiros. O IMPA é atualizado constantemente, tem material que dificilmente a gente veria aqui no Brasil (como os cartazes para seriados de TV, por exemplo) e ainda faz uma votação para ser decidido os bambambam do ano, em categorias como Melhor e Pior Poster, Melhor Teaser Poster, Poster Mais Engraçado, Poster Mais Assustador, Melhor e Pior Frase de Poster, Melhor Motion Poster, Prêmio ‘Não muito sério’, Pior Poster de Blockbuster, Poster Mais Corajoso, Melhor Poster de Personagem, Melhor frase séria de Poster, Melhor Poster para TV, e os Destaques para posteres Internacionais. Confira em www.impawards.com.

4. 100 Things I learned

Totalmente colaborativo, é o site perfeito para você brincar de crítico e desfilar humor e muito sarcasmo, comentando o que você aprendeu com determinado filme. A idéia é que cada filme exposto tenha 100 lições “educativas” e o pessoal aproveita para escancarar as bobagens e os clichês que desfilam nas telonas. Por exemplo, para Avatar aprendemos que “quando alienígenas disparam flechas de seis pés de comprimento, por mais que elas viajem a mais de 60 quilômetros por hora, é a neurotoxina que mata, não a seta em si” ou que, de acordo com Tron – O Legado, “dentro do seu PC, os programas vão a clubes, beber e dançar, e também frequentam arenas de jogo. Por isso, não é de se admira r que os usuários tenham de esperar tanto tempo para cada programa iniciar”. Você participa da brincadeira no www.100thingsilearned.com e pode ainda comentar as postagens alheias.

5. Sketches Snatched

Este é o blog do artista italiano Massimo Carnevale, responsável pelas capas de Y-O Último Homem e Vikings, gibis da Vertigo (o ramo adulto da DC Comics). Totalmente descompromissado, o cara desenha uma cena que possa representar um filme em questão, mas nunca caindo na obviedade. Para clássico descolado O Grande Lebowski, ele pinta o ‘Jesus’ de John Turturro e não o personagem título de Jeff Bridges. Em 2001 – Uma Odisséia no Espaço, o retratado é o Dr. Dave Bowman velho, jantando, lá pelo final do filme. Para curtir e babar (porque eu aposto que você VAI querer ter uma ilustração dessas na parede da sua sala de TV), entre em http://sketchesnatched.blogspot.com.

‘Rio’ é para se ver dublado

2011-04-14T11:35:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em abril de 2011
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Recebi um release bem legal falando que o Brasil está em segundo lugar no número de pessoas que assistiram Rio em sua estréia (*). A Rússia ficou na primeira colocação e é lógico que a gente começa imaginar – com todos os pré-conceitos, caricaturas e arquétipos do mundo – o que deve ser para um russo, recém saído de um inverno congelante, ver um desenho sobre o lado mais bonito do Rio de Janeiro. Aliás, a animação é isso mesmo: o que o Rio tem de bom, de uma maneira que acho que não víamos no cinema desde o belo Bossa Nova (2000) de Bruno Barreto. É o Rio da alegria do carnaval, das praias, das bundas, da asa delta, do samba e foca principalmente no Rio de Janeiro histórico com a Lapa e Santa Teresa.

Obviamente que, como todo desenho animado existem os vilões e aí o outro lado da cidade se apresenta, mas de maneira bem suave. Assim, o contrabandista de pássaros e sua cacatua sádica (ótima, diga-se de passagem) moram na favela (uma comunidade alegre com ruas tortuosas) e não dá para negar que o diretor Carlos Saldanha foi corajoso pacas ao colocar micos batedores de carteira no Cristo Redentor, talvez aludindo ao fato que alguns turistas penam um pouco na Cidade Maravilhosa.

No fundo, é um filme legal, com boa história, bons personagens e uma trilha muito legal assinada por Carlinhos Brown e Sergio Mendes. E pela primeira vez na vida, eu me arrependi de assistir um desenho legendado. Explicando melhor e abrindo um parênteses, desde os anos 1960, a Disney passou a integrar grandes nomes na dublagem de suas animações, muitas vezes incorporando uma característica física do dublador em seu personagem. Eu, por exemplo, sou fanático pelo tigre Shere Kahn de Mowgli justamente porque foi o ator inglês George Sanders que o dublou, impondo um indefectível sotaque britânico carregado no felino e dando um ar de calma e autoconfiança em uma máquina natural de matar. Não dá para se assistir Alladin sem escutar Robin Williams se divertindo como o gênio ou ver A Bela e a Fera sem se emocionar com a decana Angela Lansbury cantando a música-tema.

No caso de Rio, porém, as vozes em inglês é que soam falsas no meio do cenário carioca, por mais que sejam feitas por atores de calibre como Anne Hathaway ou Jamie Foxx (que, aliás, manda bem cantando). Aí sim, o Rio de Janeiro aparece ser mais caricato, coisa para inglês ver (cheio de Pedros, Luizes, Nicos e outros nomes mais “chicanizados”). O melhor mesmo é aguentar aquela sessão cheia de crianças gritando e curtir o desenho em bom e claro português. E, desta vez, nem o sotaque carioca carregado vai incomodar!

(*) Somos segundo lugar no mundo em platéia para a estréia do desenho, mas primeiro em bilheteria, o que prova que pagamos mesmo mais caro pela sessão de cinema, não é?

Lumet e a arte de dirigir pessoas

2011-04-14T11:34:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em abril de 2011
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Sidney Lumet, o fantástico diretor americano que faleceu no sábado, dia 09, aos 86 anos, foi chamado certa vez de “o sonho de direção de qualquer ator”, pois buscava a colaboração de todos os envolvidos para conseguir realizar o melhor trabalho. Longe de ser um ditador por trás das câmeras, ele queria a opinião de todos. Com esse estratégia deu a chance para que brilhassem as grandes estrelas do cinema como Ralph Richardson, Marlon Brando, Richard Burton, Katharine Hepburn, James Mason, Rod Steiger, Vanessa Redgrave, Paul Newman, Sean Connery, Henry Fonda, Dustin Hoffman, Albert Finney, Simone Signoret, Anne Bancroft, Anthony Perkins, Jane Fonda, Faye Dunaway, Timothy Hutton e Ali MacGraw. Ou seja, ele não só dirigiu os melhores, como conseguiu o melhor de cada um deles.O diretor acreditava muito na espontaneidade da interpretação, longe dos padrões do Actor´s Studio de Lee Strassberg e chegou a formar um grupo de atores que não aceitavam as regras impostas por Lee e Stella Adler, só que isso não o fazia dispensar muito ensaio antes da cena ser finalmente filmada.

Lumet foi ator na juventude e isso o ajudou a entender a dificuldade em se interpretar e as complicadas relações entre atores e diretores. Partindo para a direção em peças off-broadway, foi descoberto pela TV americana e dirigiu seriados de sucesso até surgir a chance de levar 12 Homens e uma Sentença para as telonas (falei deste filme aqui).

Apesar de ser um verdadeiro representante do neorealismo que influenciou os filmes a partir da década de 1950, Lumet acreditava piamente que o amor e a justiça prevalecerão acima de tudo e vendeu esse rigor moral e ético em seus primeiros filmes como A Colina dos Homens Perdidos de 1965 (filmaço com Sean Connery sobre uma prisão do exército inglês na II Guerra), Serpico de 1973 (drama policial com Al Pacino – um de seus atores favoritos – sobre corrupção policial) e O Veredito de 1982 (um dos melhores filmes de Paul Newman).

Sua experiência teatral o levou a transformar grandes peças em belíssimos filmes como The Fugitive Kind de 1959 com Brando, Longa Jornada Noite Adentro de 1962 com Katherine Hepburn, Equus de 1977 com Richard Burton e Armadilha Mortal, um filmaço com grandes reviravoltas estrelando Christopher Reeves e Michael Caine. Nos anos 70 e 80, ficou mais conhecido pela crítica social em 0bras importantíssimas como Rede de Intrigas (um ácido drama sobre televisão e ja ganhou seu post aqui), Um Dia de Cão (um dos melhores trabalhos com Al Pacino sobre o assalto real a um banco) e Power, com Richard Gere sobre o mundo do marketing político. Apesar desse currículo cometeu crimes como O Mágico Inesquecível, a versão negra de O Mágico de Oz com Michael Jackson e Diana Ross.

Não dá para entender muito o porquê, mas nos últimos 20 anos Lumet dirigiu somente filmes menores e ruins ,especialmente a partir de Negócios de Família de 1989, uma tentativa de fazer uma comédia de humor negro com Sean Conney, Dustin Hoffman e Matthew Broderick. Dirigiu Uma Estranha entre Nós, que nada mais é do que uma refilmagem de A Testemunha, mas desta vez entre judeus hassídicos e não entre Amish; refilmou um ótimo filme de John Cassavetes, Gloria, colocando Sharon Stone no papel título e tentou extrair algum tipo de interpretação de Vin Diesel (com cabelo!) em Find Me Guilty de 2006.

O que alivia os fãs do grande mestre é que seu canto do cisne foi o pesadíssimos (mas interessante) Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto de 2007 onde Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke e Albert Finney dão um show de interpretação. Apesar da qualidade de seus filmes, do poder de sua direção e para sua grande decepção, ele foi nomeado para cinco Oscars e recebeu apenas um honorário; seis Globo de Ouro e só levou uma estatuteta e seus filmes concorreram a quatro Palmas de Ouro em Cannes e não levaram nada. Mas como disse Spike Lee, “Seu grande trabalho vai viver entre nós para sempre e isso é muito mais importante que um Oscar. Ya-Dig?”.

Jesse James: bandido real, herói no cinema

2011-04-14T11:32:00.000-03:00

Publicado no site da revista Alfa em abril de 2011
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Vi na internet que essa semana marcou o aniversário de morte de um dos bandidos do velho oeste mais celebrado pelo cinema, Jesse James. O homem que se viu falido depois da Guerra da Secessão e aterrorizou, pelo menos, seis estados norteamericanos em poucos anos, foi morto por Robert Ford em 3 de abril de 1882 e acabou entrando para a mitologia contemporânea como uma pessoa resoluta, firme e de ótimas intenções.

Acontece que na verdade, James matava mesmo (seu primeiro assassinato foi aos 14 anos de idade, segundo relatos), roubava muito e era tão contra a abolição da escravatura que jurou matar todo negro livre do Missouri, mas mesmo assim Hollywood sempre o retratou como um herói trágico, o homem que não teve saída a não ser cair no crime. Curiosamente, o primeiro cara a retratar Jesse James no cinema (mudo) foi justamente Jesse James Jr, seu filho. Ele era advogado, passeava por aí com pseudônimo de Tim Edwards, justamente para não ficar relacionado com o pai, mas quando o velho foi reabilitado pela história como um produto social da America pos-Guerra Civil, pode sair do ostracismo e estrear dois filmes em 1921. Em um deles, sua irmã atuou como coadjuvante.

Em 1939, o bandido caiu nas graças do público porque o astro e símbolo sexual da época, Tyrone Power, o interpretou em Jesse James – Lenda de Uma Era sem Lei de Henry King. Henry Fonda fazia seu irmão, Frank James, e com o sucesso estrondoso do filme, os produtores tascaram uma continuação no ano seguinte, A Volta de Frank James, onde ele vai atrás dos irmãos Ford, sedento de vingança (na vida real, ele se entregou para poder enterrar o irmão, cumpriu pena e criou uma espécie de museu sobre sua vida contraventora). Em 1941, foi o astro do faroeste limpinho, Roy Rogers, que assumiu o manto do bandido em Jesse James at the Bay. No filme, uma fantasia sem tamanho, James se junta a um grupo para lutar contra os magnatas malvados da companhia de trens. Clayton Moore, o Lone Ranger (Zorro aqui no Brasil, mas é aquele que é amigo do Tonto), também teve sua chance em The Adventures of Frank and Jesse James de 1947, assim como o rei do western B, Audie Murphy, em várias produções. Em 1957, Robert Wagner interpretou o personagem em Quem foi Jesse James?, um filme onde o diretor Nicholas Ray cortou 17 minutos na edição, para poder retratar o fascínora de maneira mais benevolente, pois acreditava que James e seu irmão foram vítimas das circunstâncias.

Talvez um dos filmes mais interessantes sobre James e seu bando é Cavalgada de Proscritos de 1980 (também conhecido como Cavalgada Infernal na tv à cabo e lançado como A Longa Jornada em DVD aqui no Brasil). Pouco conhecido do público, o que diferencia essa obra era seu tom “familiar”, por assim dizer. Isso porque os irmãos James eram interpretados pelos irmãos Keach (James e Stacy). Já seus comparsas, os irmãos Younger, eram feitos pelo clã Carradine (com David, Keith e Robert) e os Millers por Dennis e Randy Quaid. Os covardes Ford ficaram a cargo dos irmãos Christopher e Nicholas Guest. O diretor George Hill, um subestimado mestre da violência nos anos 80 com grandes filmes como Warriors – Selvagens da Noite e 48 Horas, acabou ganhando uma Palma de Ouro no Festival de Cannes por esse filme.

Nos últimos 20 anos, quem brincou de Jesse James foram Stewart Copeland (o ex-baterista do The Police) em Horse Opera de 1993, Rob Lowe em Frank e Jesse de 1995, Colin Farrell em Jovens Justiceiros de 2001 e obviamente Brad Pitt em O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford de 2007 (este último, muito parecido com o filme de George Hill). Até mesmo Kadu Moliterno vestiu o manto do bandido na novela Bang Bang da Globo.

O filme O Homem que Matou o Fascínora prega que quando a lenda é maior que a realidade, divulga-se a lenda. É assim com James, Billy the Kid e outros membros do panteão do faroeste, como acontece com Lampião no Brasil, que ele está longe de ser aquela figura defensora dos oprimidos que todos valorizam.